100 најбољих филмова свих времена

Алехандро Јодоровски Прулански, чувени чилеанско-француски филмски режисер, песник, драматург и композитор, једном је рекао: Увек сам мислио да је, од свих уметности, биоскоп најпотпунија уметност. Слажем се. На више начина, биоскоп је заправо спој свих других важних облика уметности: сликарства, писања и музике. Не може бити случајно да је биоскоп уједно и најсавременији облик уметности. На крају крајева, еволуција других облика уметности била је неопходна да би биоскоп настао. Чињеница да остаје најпопуларнија уметничка форма скоро од тренутка када је настала говори вам и о њеној снази и слабости: лако је доступна и стога комерцијализована.

Имајући то на уму, узбуђен сам што ћу вам представити листу Тхе Цинемахолиц 100 најбољих филмова свих времена . Пре него што наставите да истражујете нашу листу од 100 најбољих филмова икада направљених, подсетимо се поново да листе по својој природи никада нису савршене. Дакле, не тврдимо да је ово Свети грал на листи апсолутно најбољих филмова на свету. Али оно што могу да вас уверим је да је много истраживања прошло иза састављања ове листе. Размотрене су хиљаде филмских наслова и расправљало се о сваком коначном избору. Сигуран сам да ћете наћи многе од ваших омиљених филмова који недостају са листе. Многи од мојих фаворита такође недостају! Али уместо да будете фрустрирани због тога, искористите ову прилику да видите филмове које нисте гледали. Ко зна, можда ћете на крају открити своје нове фаворите!

100. Шербуршки кишобрани (1964)

Жак Деми боји своју романтичну оперу ублаженом, неумереном софистицираношћу која делује као мало хипстер. Али ова боја није само она на зидовима, одећи и кишобранима. Такође је на образима младе девојке која је немогуће заљубљена док прелази улицу да поздрави свог љубавника и његово одсуство када видимо то лице у велу, младу девојку која је сада туђа невеста. Боја има иу начину на који људи причају, тачније, певају једни другима. Али њихови лирски разговори се не римују као већина песама. Када је све, од љубавних професија до бриге о новцу, прожето неразлучивом страшћу, не би вам много користило да пецате због риме или разлога. Док су филм и сва његова мелодична открића, поткрепљена неземаљском музиком Мишела Леграна, срцепарајуће романтични, све одлуке које наши ликови доносе, као и све у животу, дефинитивно нису такве.

За заплет који је тако заморно познат, пошто смо га видели као основа небројених поп песама и сапуница, сваки кадар „Шербурских кишобрана“, који пршти меланхолијом, примамљиво је свеж, чак непознат. То можете приписати томе колико су емоције искрене и колико је искрено њихово изражавање. Радећи на тако скромној скали, 'Кишобрани' вас уништавају и најмањим одсјајима. Био сам запањен колики би утицај две празне столице, које су једном попуниле двоје љубавника, могао да има. У Демијевој деликатеси с љубављу, марширамо у карневалима испуњеним тракама и конфетама, китимо јелке и поклањамо једни друге, склањајући сва осећања негде у кутове срца, јер колико год тешко подносити нечије одсуство или прошлост је заборавити, све што можемо да урадимо је да живимо у фантазији данашњице.

99. Траинспоттинг (1996)

Мало је тешко објаснити синефилима попут нас фанатизам „Трејнспотинга“. Дошло је то у време када је стварност дроге тек почела да се шири. Рекло би се да је гламуризирала злоупотребу дрога и у извесној мери је то истина. Чињеница која је произашла из тога је био покушај Денија Бојла да покаже врхунце и падове злоупотребе дрога, без узимања на страну. 'Траинспоттинг' је култни филм који прича причу о четири пријатеља и њиховом сусрету са зависношћу. Нечувено и бизарно су једине две речи које то описују. Наркоман који жели да буде чист, само да посустаје на сваком кораку због своје најдубље жеље да се надува. Великодушно предозиран хумором, филм покушава да подвуче једну чињеницу са потпуном озбиљношћу: упркос луксузу који живот нуди, млади их поричу са пуно апломба. А разлози? Нема разлога. Коме су потребни разлози када имате хероин?

98. Дипломац (1967)

Ах, дани младости! Безбрижан и радостан. Забава испуњена без разлога за бригу. Без бриге за прошлост која је остављена и без бриге за будућност која тек долази. Бењамин Браддоцк је водио овај безбрижан живот, након што је завршио факултет. А када се коначно вратио у свој родни град, тамо је срео госпођу Робинсон. Пламен афере почиње да гори. Живот се заокренуо када млади Бен помеша секс са друштвом. Постаје наопако када се заљуби у њену ћерку. Филм који подстиче на размишљање, у руху комедије, 'Дипломац' је један од најсмешнијих филмова икада. Са Дастином Хофманом у главној улози, има иконичну линију – „Госпођо Робинсон, покушавате ли да ме заведете?“

97. Двоструки живот Вероник (1991)

Можда ниједан други филмски стваралац није разумео жене до тако дубоке емоционалне дубине као Кшиштоф Кишловски. Човек их је једноставно волео и то је показао са таквом страшћу и интимношћу да не можете а да не осетите да сте одушевљени његовом сировом емоционалном снагом. „Вероникин двоструки живот“ би могао бити само његово највеће уметничко достигнуће. Филм говори о жени која почиње да осећа да није сама и да постоји део њеног живота негде у свету у другој души. Вероник и Вероника су две идентичне жене које се не познају, а ипак деле мистериозно интимну емоционалну везу између њих. Високо стилизована кинематографија Славомира Иџиака осликава филм нежно меланхоличним осећајем који вас обавија и не пушта. Постоје осећања и емоције које је заиста тешко описати речима, а филм оживљава та необјашњива осећања замишљене туге и усамљености. „Вероникин двоструки живот“ је задивљујуће уметничко дело које приказује људску душу у свим њеним прелепим слабостима и нежностима.

96. Цинема Парадисо (1988)

Многи људи гледају на биоскоп као уживање, активност доколице, забаву која нема никакве последице у животу. Али ја, са војском ватрених синефила који ме ватрено подржавају, могу са потпуним уверењем да тврдим да је биоскоп подједнако неопходан животу као што је живот биоскопу. А „Цинема Парадисо“ је прелеп, иако ироничан, начин да изразим своју поенту. Успешни филмски редитељ Салваторе се једног дана враћа кући са вестима да је Алфредо умро, након чега се враћа у свој родни град на Сицилији 1950-их. Млади и несташни Салваторе (надимак Тото) открива трајну љубав према филмовима која га мами у сеоску филмску кућу Цинема Парадисо, где је Алфредо пројекција. Након што се дечаку допадне, стари буба постаје очинска фигура за њега док марљиво подучава Тота вештинама које би биле одскочна даска за његов филмски успех.

Гледати Тотоа и Алфреда како са поштовањем разговарају о биоскопу и видети како Алфредо даје животне савете кроз класичне филмске цитате, права је радост. Кроз Тотову причу о пунолетству, 'Цинема Парадисо' баца светло на промене у италијанској кинематографији и умирући занат традиционалног снимања филмова, монтаже и пројекције, док истражује сан младог дечака да напусти свој мали град и оде у спољашњи свет. Један од најбољих 'филмова о филмовима' икада постојао.

95. Лет изнад кукавичјег гнезда (1975)

Једно од оних ретких филмских искустава због којих одједном осетите мноштво емоција. Деловима је смешно, у некима подиже, а у другима директно срце пара. То је такође један од других ретких подвига у поједностављеном, ефектном приповедању прича о Рендлу Мекмарфију, криминалцу који у нади да ће избећи затворску казну лажира да је ментално болестан и изјашњава се да није крив на основу лудила. По доласку у менталну установу, он се побуни против ауторитарне медицинске сестре Ратцхед (коју игра челична Луиз Флечер) у класичном сценарију поредак наспрам хаоса. Филм утврђује да заиста нема никог бољег да игра ликове са ударом и шармом у једнакој мери од самог Џека Николсона, доносећи му заслужену награду Оскара за његову улогу у филму. Оно што почиње као трајан и дирљив филм, ескалира до трагичног, али пуна наде, након узнемирујућих сцена које укључују самоубиство и електроконвулзивну терапију пацијената. Филм, ипак, никада не напушта пажњу и патос гледаоца за ликове на екрану, изазивајући искрену емоцију и навијање за људски дух који зрачи чак и пред неузвраћеним ауторитетом.

94. Пјаса (1957)

Густа идеја друштвених промена и оштрих коментара о актуелној злоби и стигмама друштва, „Пиааса“ не само да је оличење златно доба индијске кинематографије, већ је била и одраз самог индијског буржоазије. То је филм који има суптилан квалитет о себи, где све дрске истине и оштре реалности друштва тињају испод површине и чекају да их пажљива публика истражи и екстраполира. „Пиааса“ је безвремени класик не без разлога. Чак и након 60 година од објављивања, остаје релевантан у модерним временима, јер Индију и даље муче иста друштвена проклетства – корупција, мизогинија, материјализам – којима се „Пиааса“ директно или индиректно обраћа.

93. Модерна времена (1936)

„Модерна времена“ је духовит филм са снажном поруком. Носећи Чаплинове заштићене теме наде и сиромаштва, ова слика се фокусира на штетне ефекте машина и других облика технолошког напретка на обичан народ, тако што у центар пажње ставља радника у фабрици чији живот пролази кроз многе преокрете док покушава да носити са новим светом. Иако је шамар смешан до суза, све је садржано у посуди туге. „Модерн Тимес“ користи паметне, суптилне елементе да с времена на време постави важна филозофска питања. Врхунац је један од најдирљивијих икада, укључује тужан облик среће и нема правог одговора или решења. Овај филм би могао бити Чаплиново најбоље написано дело и изненађујуће је колико су идеје које су овде представљене и данас релевантне. Пошто је несумњиво издржао тест времена, пут којим Модерн Тимес иде да подели своја размишљања је вероватно најбољи аспект овог биоскопског тријумфа.

92. Танка црвена линија (1998)

Повратак Теренса Малика филмском стваралаштву након 20 година паузе обележен је овом прелепом задивљујућом ратном драмом која истражује, не рат, већ емоцију борбе. Филм је заиста маликовске природе са више нагласка на визуелним приказима него на причи, што вам омогућава да упијете у доживљај. Генијалност филма лежи у Маликовој визији да види лепоту у нечему мрачном и крвавом као што је рат. Потребан је апсолутни геније да се нешто тако брутално и крваво као што је рат претвори у такво хипнотичко искуство које превазилази реалност рата и уместо тога омогућава да се упијете у емоције његових ликова. То је тако импресивно искуство које тражи од вас да осетите људска бића иза оружја и бомби. То су разорене душе попут нас, које жуде за деликатним додиром, пропуштају топлину даха својих љубавника и жена док морају да се носе са најружнијом стварношћу далеко од њих. „Танка црвена линија“ је једноставно искуство какво ниједно друго; онај који се мора видети, осетити и размислити.

91. Бладе Руннер (1982)

Финални рез филма „Бладе Руннер“ Ридлија Скота, верујем да је највећи дистопијски филм икада снимљен. Иако је Метрополис избор који се може оспорити, треба посматрати неаутентичне визуелне ефекте повезане са немачким експресионистичким филмом. С друге стране, „Бладе Руннер“ је више него савршен у изградњи света који пати од финансијске неједнакости, бума становништва, недостатка било чега природног, јер се чак ни месу овде не може веровати. Блиставо осветљење је контекстуално природно, јер је то електронски свет и Џордан Кроненвет га користи слично као и свакодневне светлеће објекте у филму ноир. Иако можда не поставља питања тако далекосежна као „Одисеја у свемиру“, али нас тера да се запитамо да ли андроиди сањају електричне овце.

90. Фарго (1996)

Насилан, смешан, топао и брутално интензиван, 'Фарго' је један од најбољих америчких филмова 90-их и једна од највећих криминалистичких драма икада снимљених. Филм говори о човеку који унајмљује два мушкарца да киднапују његову жену и изнуде новац од свог богатог таста. Бриљантна употреба црног хумора браће Коен прожима филм топлином која даје врло карактеристичан тон филму. Тај мајсторски спој комедије, драме и насиља чини „Фарго“ тако незаборавним биоскопским искуством. Тај прелепи почетни снимак Минесоте испуњене снегом, прелепо употпуњен задивљујућим резултатом поставља тон филму и успоставља осећај дубоке туге који се крије испод насиља и хумора којима је филм препун. Френсис Мекдорманд је очигледно звезда филма и краде шоу, приказујући трудну шефицу полиције ухваћену у свету зла и бруталности, али успева да пронађе светло и наду. „Фарго“ је емоционално сиров, брутално интензиван, умиљато смешан и болно реалистичан комад чистог филма који закива.

89. Ерасерхеад (1977)

„Глава за брисање“ је уџбенички комад о атмосферском хорору. Причајући причу о човеку чудне косе који покушава сам да подиже некакву породицу, овај филм се сваким минутом све више претвара у надреални кошмар. Користећи звук и крупне планове за пружање осећаја клаустрофобичног страха и усклађујући ово са заплетом који на први поглед нема смисла, деби Дејвида Линча се показао као један од најбољих режисера, што је само по себи велика похвала. Оно што 'Ерасерхеад' ради је да ствара дистопијски свет – попрскан ружним зградама и механичким направама умоченим у злобно црно-бело – и убацује у њега ликове који су мање-више збуњени околином. Иако је скоро немогуће схватити значење ове слике, мора се схватити да то никада није намера. „Ерасерхеад“ ставља у умове своје публике осећај крајње нелагоде, користећи и визуелне и надреални стил, и проналази начин да манипулише њиховим мислима. Само неколико слика је тако лепо структурираних, али неоспорно претеће као ова, а то је нешто што само неко попут Линча може да изведе.

88. Дечаштво (2014)

„Дечаштво“ је леп подсетник на прошле године неспутане радости, непоколебљивог оптимизма и невиности. Ослања се на извлачење лепоте, радости и емоција из обичних живота људи, а не из било каквог појачаног чина драме (хлеб и путер за већину филмова). Фасцинантно је видети како се из сцене у сцену дешавају не само промене у телесности ликова, већ ћете приметити и трансформацију у њиховој моди, фризури, укусу у музици и уопште, перспективи о животу. „Дечаштво“, на начин на који то чини веома мали број филмова, превазилази границе биоскопа и постаје мали део нашег сопственог постојања и искуства. Линклејтер нас поново подсећа зашто је најбољи у послу када је у питању причање једноставних прича о обичним људима.

87. Небески дани (1978)

Еволуција Теренса Малика у потпуно контролисаног, ауторитативног филмског визионара једна је од највећих ствари која се икада догодила америчкој кинематографији. Из његових раних радова јасно је да је очајнички желео да искочи из конвенционалних граница биоскопа. Филмови попут 'Бадландс' и 'Даис оф Хеавен' имали су наизглед директне наративе, али то су били филмови који су покушавали да буду нешто више. Нешто више од приче. Искуство. „Дани раја“ то постижу сјајније од „Бадландс“. Многи људи су често критиковали филм због његове слабе приче. Не бих могао рећи да су потпуно погрешни, али прича, у сваком случају, није најважнији аспект филма. Оно што Малик овде ради је да користи визуелност биоскопа која ставља нагласак на расположење приче, а не на саму причу. Његове намере нису да вас учини емотивним користећи тешку ситуацију ликова, већ да вам омогући да их посматрате, осетите лепоту пејзажа и мирис његовог места. А створити такву врсту висцерално покретног искуства није ништа друго до чудо.

86. Гроб кријесница (1988)

Потресан, дирљив филм који је једнак у сваком аспекту којег можете замислити, са осталим акционим филмовима уживо који истичу ратни плен. Овај јапански анимирани филм усредсређен је на ужасе Другог светског рата фокусирајући се на животе браће и сестара, сломио ми је срце на начин на који ниједан други филм није успео, и наставио да гази по комадима до самог краја. Будући да је ратни филм, он такође чини чуда на људском фронту, лепо реализујући и развијајући нежни однос између Сеите и Сетсукоа суочен са недаћама које је био Други светски рат. Порука је гласна и јасна. Ниједан рат није истински добијен, а сва слава која доноси победе је такође праћена нарицањем невиних живота уништених у рату. Ја бих аплаудирао филму јер није отворено емоционално манипулативан у томе што нас тера да навијамо за његове ликове; али немојте погрешити, његово моћно и бескомпромисно гледиште на рат и травестије којима је прошао браће и сестре ће вас свести на јецајућу збрку. То је ТАКО тужно. С обзиром на то, не постоји други начин на који бих то имао. То је савршенство, у свом срцупарајућем облику.

85. Менхетн (1979)

Романтика у филмовима Вудија Алена одувек се осећала болно истинито и депресивно реалистично упркос укусно дирљивом смислу за хумор којим их је обавио. Док 'Ени Хол' остаје његов најхрабрији филм, 'Менхетн' изгледа као зрелије дело, уметнички. У филму Ален игра досадног, збуњеног Њујорчанина, недавно разведеног, који излази са средњошколком, али се на крају заљубљује у љубавницу свог најбољег друга. Ален је мало ублажио хумор за овај филм како би нам омогућио да заиста осетимо тугу која обузима његове ликове што га чини тако емоционално исцрпљујућим искуством. То је само дубоко потресан портрет нарушених односа и мањкавих људских бића која се боре са собом и својим постојањем, очајнички тражећи срећу коју никада не би препознали и постигли. И управо ово слатко деликатно, дирљиво схватање људског стања чини „Менхетн“ тако моћним филмом.

84. Маркета Лазарова (1967)

Безтелесни пејзаж чешке иконе Франтишека Влачила, Маркета Лазарова, једноставно је једно од најневероватнијих уметничких дела која су изашла из 20.^тхЦентури. Његов авангардни приступ филмском језику једва се уклапа у границе тог често проклетог обрта фразе - јер је то нешто више. Задивљујућа фузија вида и звука, неспутана конвенцијама, структуром или било којим писаним правилом, разуларени кинематографи су се годинама бацили на филмску форму. Поређења ради, све остало изгледа тако строго контролисано – тако неприродно и измишљено у извршењу. Маркета Лазарова је сирова, висцерална и запањујуће динамична. Укратко: јесте бесплатно – прави врхунац могућности истраживања сваког инча биоскопског медија. Због тога је међу најбољим филмовима икада снимљеним.

83. Сингин’ Ин Тхе Раин (1952)

Сингин’ Ин Тхе Раин је најважнији мјузикл златног доба Холивуда. Немогуће је заборавити слику Џина Келија како плеше поред уличне лампе, када говоримо о сјајним тренуцима у биоскопу. Филм не само да на диван начин слави сопствену вештину, већ и прелазак биоскопа од визуелног медија до резонантног и стимулативног медија. Монументално достигнуће у биоскопу Тецхницолор, Келијев редитељски напор у почетку су на забаван начин одбацили критичари и публика. Верујем да је релевантност овог класика све јача из дана у дан, како је јаз између временских периода које покрива филм (стварног и колутног живота) и садашњости све већи. Губимо додир са важном ером, а овај филм вас преплављује својом носталгијом.

82. Не гледај сада (1973)

Веома је тешко пронаћи уметничко дело које је хипнотично као „Не гледај сада“ Николаса Роега. На много начина ово ремек-дело личи на одвратног патуљка на крају. Прелепо је обложена екстатичним бојама, али садржи најгори део живота: смрт. Без обзира на то колико је Сатерлендов лик ефикасан, верујем да је ово филм вођен емоцијама, јер Роег потрагу за изгубљеном љубављу ставља изнад коначне приче. Готичка основа је веома моћно средство за узвикивање важности веза на које се ослања, очинске и породичне љубави, као и за давање нејасног облика духовима који прогањају протагониста. Нека места су као људи, нека сијају, а нека не.

81. Борилачки клуб (1999)

С времена на време стигне неко уметничко дело које дефинише психу генерације. Што се биоскопа тиче, 50-те су имале 'Бунтовник без разлога', 60-те имале су 'Дипломца', а 70-е 'Америчке графите'. А чак и две деценије касније, „Клуб бораца“ као рукавица одговара замишљеном, незадовољном етосу наше генерације против естаблишмента. Попут многих сјајних филмова, „Клуб бораца“ је веома подела и може се филозофски тумачити на много различитих начина – неки сматрају да дефинише савремену мушкост, док други мисле да велича насиље и нихилизам.

У суштини, трилер, филм је испричан из ПОВ-а неименованог протагониста који пати од несанице и незадовољан својим монотоним послом који се укршта са неустрашивим произвођачем сапуна по имену Тајлер Дурден. Дурден и протагониста ускоро започињу подземни 'Клуб бораца' као начин да незадовољни чланови друштва искажу свој бес. Али убрзо су Тајлерови планови и нараторови односи измакнули његовој контроли, што је довело до експлозивног врхунца (буквално!)

Заједно са ђаволским ставом који пропагира, „Борилачки клуб“ је такође обележје неког аса савремене легенде Дејвида Финчера. Суморна палета боја, оштра монтажа и глатка камера инспирисали су хорду мрачних трилера који прате филм. Преломни филм из 1990-их.

80. Пре заласка сунца (2004)

Ево истине о људској еволуцији коју вам нико неће рећи: човечанство ће ускоро изгубити уметност разговора. Технолошки напредак има велику нуспојаву: људи су све мање заинтересовани за прави разговор — јер имају технологију иза које се могу сакрити. И управо због тога ће серија пре трајати деценијама које долазе. Низ филмова о двоје људи који воде прави разговор реткост су и за ову генерацију. У будућности се такви филмови уопште неће снимати. Зато ће се будуће генерације са страхопоштовањем и чуђењем осврнути на трилогију Пре. И нећу се изненадити ако трилогија нађе своје заслужено место не само у историји филма већ и у библиотеци сваке филмске школе.

Међу три филма Пре, 'Пре заласка сунца' се истиче јер је срцепарајуће најлепши. Филм који је инхерентно о најјачој људској жељи: жељи да будете са неким са ким бисте могли да проведете остатак живота. Ако пажљиво погледате, „Пре заласка сунца“, на крају, постаје огледало, гледајући у које, можете проценити сопствене односе: Где сте погрешили? Ко је заправо био тај за тебе? Које сте прилике пропустили? Шта је могло бити? То је један од најређих ретких филмова где ће ваше сопствено искуство у животу обогатити и неговати ваше искуство са филмом.

79. Матрикс (1999)

Генијална, паметна идеја коју су на екрану приказали Ваховски, резултирајући филмом који је многе гледаоце натерао да постану опрезни према стварности у којој су се нашли. Истина је, када је 'Матрикс' снимљен, више није било повратка, променио се ствари. Не само да је филм пробио донекле нови терен у својој причи, већ је револуционирао и начин на који су научна фантастика и акциони филмови замишљени након тога. Успех „Матрикса“ као филма такође лежи у томе како се мајсторски петља између тема укључујући филозофију, егзистенцијализам, па чак и религију, све време носећи маску акционог и научно-фантастичног филма. Неова способност да манипулише симулираном стварношћу да би изводио наизглед немогуће подвиге и коришћење времена метка, акциона техника која је сада само икона, доприноси генијалности филма. Жанр је можда пренатрпан сада, али када је први изашао, сигурно је рећи да публика није видела ништа слично.

78. Седми континент (1989)

Називање „Седмог континента“ Михаела Ханекеа хорор филмом звучи ми веома погрешно, али већина људи који су га гледали тако га назива. Тешко је расправљати са њима, јер гледање овог филма оставља осећај безнадежности, депресије и страха. У вези са породицом која мрзи свет и живот уопште, овај класик из 1989. заузима хладан и дистанциран став како би додатно изоловао тројицу играча од остатка друштва, што полако али сигурно изазива дубоко осећање публике према њима као према својим постојање добија мрачни обрт. Као један од најузнемирујућих филмова који је икада био на платну, Ханекеов дебитантски комад исмејава гледаоца и никада га не пушта. Ако га публика назива хорор филмом, онда то ради мислећи на застрашујући филм који је другачији од било којег другог. Прекривен двосмисленошћу и реализмом, Седми континент је лично, интимно и застрашујуће препричавање истините приче која вас оставља у тишини, јер бар неколико минута након што се заврши, не можете да изговорите ниједну реч.

77. Зодиац (2007)

„Зодијак“ није ваш конвенционални трилер; спорог је темпа и више се фокусира на расположење и ликове него на заплет. Постоји аура коју Дејвид Финчер толико гради да можете осетити расположење филма у костима. То није филм који ће вас оставити срећним када се заврши. То је такође филм где лош момак побеђује, а добри губе. И зато је тако добро. Не само добро, већ модерно ремек-дело. Када филм успе да вас трзне пуна два и по сата и остави вас да размишљате данима, мора да има много ствари које су исправне што рутински снимљени трилери немају. По мом мишљењу, 'Зодијак' је Финчеров најбољи филм, где он својом дисциплином и низом вештина показује зашто је понекад мање више.

76. Магнолија (1999)

„Магнолија“ је несумњиво најличније дело Пола Томаса Андерсона. Хистерична вибрација коју Андерсон уноси у филм уноси одређену емоционалну флуидност у мелодраму која је тако невероватно заразна и катарзична у својој енергији. Радња филма се у потпуности одвија у долини Сан Фернандо са различитим међусобно повезаним ликовима који пролазе кроз различите фазе у својим животима, борећи се да се изборе са сопственим унутрашњим демонима и емоционалним сукобима. Андерсон воли ове људе, познаје их и разуме их, али их без извињавања представља ко су; потпуно нага људска бића, сирова и чиста, која се суочавају и превазилазе своје најдубље страхове и слабости. Оно што 'Магнолију' чини тако посебном је то што је то филм који толико говори о свом режисеру. Дајемо нам да завиримо у Андерсонов живот, место коме припада и људе у његовом животу. Толико је Андерсона у целом филму. Филм попут 'Магнолије', да га је режирао било који други филмски стваралац, био би застарео и изгледао би као производ свог времена, али са Андерсоном то само доприноси привлачности филма.

75. Росемари'с Баби (1968)

'Розмарина беба' је мрачно, уврнуто уметничко дело које се поиграва невиношћу како би изградило осећај ужаса. У вези са женом која доживљава компликације током трудноће, филм иде потпуно новим путем са својом радњом дозвољавајући ритуалним елементима да играју главну улогу. Има толико тога о овом филму за волети, почевши од добро написаних ликова па све до удаљеног мрачног окружења које окружује сваки инцидент који се догоди. Увек постоји осећај напетости у целој слици, а то је делимично захваљујући нечујној, дуготрајној кинематографији изведеној у строгом редитељском стилу Поланског. Миа Фароу овде игра најбољу улогу у каријери као Розмари Вудхаус, жена која постаје слабија док се бори са боловима који долазе са ношењем детета. Све у свему, атмосфера коју је ухватио овај филм парира неколицини других, а начин на који се увлачи у вашу кожу је заиста нешто друго.

74. Добар, лош и ружан (1966)

Занимљиви ликови које играју легендарни глумци, необуздана, брутална ватрена акција, узбудљива музика и интензивна кинематографија – трећи део трилогије „Долари“, за који се каже да је рођење шпагети вестерна, је попустљив, задивљујући, забаван биоскоп у свом најбољем издању. Блондие ор Но Наме (Тхе Гоод), професионални револвераш и Туцо (Тхе Ругли), тражени одметник, стварају невољну оданост када сваки од њих сазна важан детаљ о залихи злата коју је сакрио одбегли савезник. који је Анђеоски Очи (Тхе Бад), убица, уговорен да убије. Путовање трија чини суштину узбудљивог заплета који се завршава класичним западњачким погледом. Клинт Иствуд као Блондие је слика мачизма, Ли Ван Клиф као Анђеоске очи је персонификовано зло, а Ели Волах као Туцо додаје комплексност карактера импулса и беса једноставнијим, али упадљивијим глумама Добро против Зла две веће звезде. Али узде су заувек режисер у рукама Серђа Леонеа – он користи широке дугачке кадрове и интензивну кинематографију из крупног плана како би створио тензију у поступку. Филм који одређује жанр, Квентин Тарантино, један од највећих експонента модерног вестерна, некада назван Најбољим режираним филмом на свету.

73. Путујући играчи (1975)

Предуго, интимни, деликатно састављени еп Теа Ангелопулоса био је познат малом броју филмских ентузијаста, а можда га је ценио још мање. Његово величанствено, постепено подизање кинематографског споменика нашем езотеричном, загонетном односу са временом није разумљиво, није за свакога. Али за радознале међу нама, познато је да пружа утеху, даје мудрост и даје перцепцију која помаже у проналажењу константи за које се могу држати у овом универзално и сурово динамичном свету. Међу многим стварима које овај филм добро разуме јесте његово нетакнуто разумевање открића у причи о „Оресту“. Митологија повезана са трагичном фигуром ухваћена је понизношћу која отупљује ум, а ипак, филм успева да нас кроз своју гипку визију пренесе до меланхоличног, дуготрајног погледа на Грчку из средине 20. века. Његова временска елеганција оправдава гледање историје стајањем поред трупе: споља у унутрашњост. Склони сте да осетите њену грубост и размислите о њеном стварању. То је ретка антифашистичка лекција из историје јер нам никада не говори шта да мислимо. То нам само показује шта да осећамо. Ангелопулос и сниматељ Гиоргос Арванитис стављају нас у места која заустављају срце и испиру их разорном злобом тог периода. „Путујући играчи“ је скроман, редак драгуљ који изгледа као да је спашен са улица препуних нереда и преживео изгладњивање. Једноставније речено, ми то не заслужујемо.

72. Цацхе (2005)

Михаела Ханекеа често оптужују да се увек бави тмурним причама. Та карактеризација је потпуно неправедна јер оно што он у суштини чини јесте пружање хуманих увида у таму која нас све обавија, како наше погрешне перцепције воде до мучне изолације и како наше заблуде смањују наше шансе да превазиђемо поменуту изолацију. „Цацхе“ није само масивни, запаљиви документ који указује на опакост масакра на реци Сени 1961. и нашу нехуманост као друштва, већ и поетски универзална студија карактера. Жорж, наш протагониста, доживљава живот и његово присуство као друштвеног бића у искривљеном осећају радости. Он бежи од удобности поверења и комуникације са другима. Он ужива у својој отуђености, баш као што отуђује многе који му тако драги. Тиме се Ханеке руга генерацији која жели да остане сама. Његова камера је понекад необично удаљена, баш као што је толики број нас у односу на нашу околину. Али под његовом контролом, морамо се суочити са својом непристојношћу, нашом непажњом, нашом реалношћу. Један од најизазовнијих биоскопа које ћете икада видети.

71. Дух кошнице (1973)

Шпански мајстор Виктор Ерис снимио је само три дугометражна филма пре него што је отишао у пензију. И данас живи, његови филмови као што су Ел Сур, Дуња 'Сунчево дрво' и посебно Спирит оф тхе Пчелињак, његов неодредиви деби, терају све нас да пожелимо да још увек снима филмове. Парабална прича о двоје деце, једно истражује своје постојање са невином, често збуњујућом фасцинацијом, а друго опседнуто филмом „Франкенштајн“ који се играо у њиховом локалном позоришту. Његов мистификујући портрет шпанског срца остављен је у примамљивој двосмислености због Ерисове карактеристично неутралне режије - ретко се упуштајући у биоскопску методу у корист тихог посматрања. Резултирајући рад је збуњујући, задивљујући и оставиће вас да се запитате о суштинској енигми самог живота: његовим питањима на која се не може одговорити, његовим великим мистеријама и њиховој збуњујућој неосвојивости. Да вас оставим потпуно разореним или неупоредиво дирнутим, нема сумње да ће „Дух кошнице“ бити важно искуство за било коју крајност.

70. Сви председникови људи (1976)

Ватергате. Једна реч која је спустила завесе на председништво Ричарда Никсона и натерала људе да схвате да чак и особа високог председника може да се спусти на најмању могућу меру да би обавила своје ствари. Док су председникови пријатељи били заузети чишћењем нереда који је он направио, два новинара су схватила да је то. Упркос претњама које су се назирале, они су неуморно радили, трагали чак и за најситнијим траговима и повремено су доводили у опасност себе у процесу да чињенице изнесу до људи. Засновано на истоименој књизи, коју су написали новинари Боб Вудворд и Карл Бернштајн, „Сви председникови људи“ је проницљиво запажање о томе шта би право новинарство требало да буде. У режији Алана Џеј Пакуле, ово је номиновано за осам награда академије, на крају је освојио три и случајно изгубио најбољи филм од „Рокија“.

69. Војска сенки (1969)

Мислим да је одлична тачка поређења за новајлије у раду Жан-Пјера Мелвила да је дело Стенлија Кјубрика. И једни и други практикују екстремну техничку прецизност и одишу апсолутним самопоуздањем у сваком колуту посла који су обавили током дугих и креативно уносних каријера. Имајући то у виду, јефтина, али изазовна притужба коју свако може да уложи америчком режисеру је његова „бездушност“. Празан простор људског израза. То није случај са Мелвилом. У „Армији сенки“, Мелвилови ликови гори горком искром очаја која чини да свака њихова акција одише људскошћу. У смртоносном свету покрета ратног отпора, један лажни потез може довести до потпуног уништења и управо са горе поменутом грациозношћу и виртуозном контролом над својим биоскопом Мелвил сије семе потпуно веродостојног, убедљиво мртвог света. „Војска сенки“ је једно од најтиших, најинтригантнијих и најмонументалнијих дела која су изашла из француске кинематографије – а пропустити тако криминално занемарен класик значило би да себи учините озбиљну медвеђу услугу.

68. Тхе Схининг (1980)

Својом адаптацијом класика Стивена Кинга, Стенли Кјубрик је 1980. године створио филм који је редефинисао хорор жанр. Овде се не плаше само прича или ликови. Окружење и начин на који је снимљен одлично помажу у омогућавању да напетост која отупљује ум продре у умове публике. Филм прати Џека Торенса, новоименованог чувара у хотелу Оверлук, и његову породицу док проводе период потпуне изолације у мистериозној згради. Кроз запањујуће перформансе и одличан рад камере, Кјубрик брине да садржај филма потоне дубоко у нашу подсвест. Начин на који манипулише звуком и атмосфером је апсолутно невероватан и ствара за незаборавна два и по сата од којих се кичма језа. Свет 'Тхе Схининг' је прелепо таман, чврсто вас стеже за крагну током целог трећег чина који одузима дах.

67. Кинеска четврт (1974)

Постоји филм ноар и нео-ноар, а тачно између њих двојице седи Џејк Гит, уредно обучен са оштром федором како би похвалио тај осмех на његовом лицу. Иако велики обожавалац Поланкија, увек постоји нешто што се не поклапа са крајњим производом његових филмова. Осим Кинеске четврти. Ово револуционарно ремек-дело не само да је створило идентитет за себе, већ га увек гледају филмски ствараоци који позајмљују његов стил да би створили идентитет за свој филм. Полански је мађионичар на делу, обмањује нас препознатљивим водећима, као и класичним ноир темпом и поставком. Али онда долази последњи чин Кинеске четврти, који тако брзо руши сваку конвенцију која је првобитно била везана за сличне мистериозне филмове, да остајете са неодољивим осећајем шока и очаја. Његов неуспех да победи Кума ИИ и даље ме збуњује, али после пола века људи су заборавили Сицилију, али никада Кинеску четврт.

66. Сатан'с Танго (1994)

Исповест број један: Скоро да никада нисам видео пространо, невероватно ремек дело Беле Тара. Претпоставило би се да би ме заинтригирао његов статус фаворита свих времена филмофила и изузетна репутација коју је стекао у круговима америчких уметничких кућа и међу неким од најинформисанијих филмских критичара широм света. Али сама неизмерност његовог трајања (око 432 минута) и темпо налик лорису у којем сам толико уживао у Таровим „Верцкмеистер Хармониес“ деловали су застрашујуће. Исповест број два: Видео сам 'Сатантанго', први пут, у једном потезу. Био сам хипнотисан његовим прагматичним осећајем за стварни свет и његовим стрпљивим, разборитим осећајем за биоскоп. Више је посматрао него што је размишљао и више размишљао него што је давао уредно обликоване изјаве. Његов митски, суморни реализам био је исувише добар да би био истинит и превише бруталан да би био остварен са таквим погледом за лепоту.

Све што сам желео да урадим до краја било је да затворим све своје прозоре и обавим се у тами, јер ми је филм био као онај лудак у цркви и његово јецање је имало превише смисла. Исповест број три: Усхићен сам што могу да известим да су „Сатантанго-ова” проницљива друштвена и политичка размишљања почела да ми постају јаснија јер сам се томе више пута враћао. Лето проведено у гутању романа Ласла Кразнахоркаија, који служи као изворни материјал за филм, било је посебно за памћење. Све што сада могу да урадим је да се надам да ћу наставити да убирем дивиденде ове срећне несреће.

65. Тхе Екорцист (1973)

„Егзорцист“ Вилијама Фридкина је савршено режиран. Човек је озлоглашен по несталном путу у каријери у којем се класици слажу са шлоком (и често се две групе укрштају ради неких фасцинантних истраживања кинематографске бестидности). Са својим најбољим филмом, Фридкин је одлучио да сними драму која је случајно била о опседнутости демонима: шивање патоса за своје сложене ликове и висцерално превођење текста оригиналног аутора Вилијама Питера Блатија заробљеног између веровања и осакаћења сумње. Крајњи резултат два дивна уметника који раде на врхунцу своје игре да испоруче светлуцави класик америчке кинематографије: онај који помрачује скоро сваки филм у свом жанру (осим можда несавесно ужасног 'Буђење у страху' или случајно турнеја Тобеа Хупера -сила Тексашки масакр моторном тестером ). Просто запањујући.

64. Суспириа (1977)

Јер у нашим сновима улазимо у свет који је потпуно наш - Ј.К.Ровлинг. А шта ако је један од најизврнутијих умова биоскопа одлучио да своју подсвест попрска на комад филма. Сматра се да Суспириа Дарија Аргента пркоси кинематографској логици својом чудно структурираном причом. Али верујем да је то неоекспресионистичко ремек-дело које обухвата праву суштину биоскопа, а то је да се осећамо истински, заиста живима. Аргенто разуме вредност простора и стога показује већи фокус на кинематографију и сценографију, који су доминантни становници његовог филма. „Суспирија“ не само да представља Аргентов стил, већ и читав италијански хорор, жанр који је подстакнут естетиком уметности.

63. Човек је побегао (1956)

Беспрекорно прецизан и инспиративно економичан, ох тако ретка јабука Роберта Бресона била је погођена филмом „Човек је побегао“ из 1956. Врхунац човекових живих моћи као филмског редитеља, прати покушаје француског агента отпора Фонтена да побегне из све опаснијег нацистичког затвора и проналази смисао у сваком поједином кадру. Од запањујуће људског портрета главне улоге Франсоа Летеријеа који није глумац, чији су потопљени образи и испуцале очи тако убедљиво изражавале поразну тежину живота у ратним временима, до Бресоновог минимализма који успева да негује жарку интимност између публике и рекао да је очајник мушкарац: Од честих ПОВ-а и елегантних композиција које нису претерале са техникама, Бресонов околни рад се понекад утопио. Не бих одсекао ни један кадар – тако да филм служи као апсолутно виталан начин образовања за младе филмске ствараоце: да сликају нешто тако живописно и густо, а да се икад не осећа надмоћно.

62. Убити птицу ругалицу (1962)

У оваквим временима, нема бољег филма од „Убити птицу ругалицу“ који би објаснио неонацистима право значење касте, вероисповести и расе. Смештен у временске оквире расно подељене Америке, Афроамериканац бива оптужен да је прекршио скромност беле жене. На врхунцу расних неправди, када суд пун белаца лаје за његову крв, своди се да се један човек бори против његовог случаја. Један белац, по имену Аттицус Финцх. Храбро се борио да изнесе чињеницу да су сви људи створени једнаки на суду, били обојени или не. Његови напори су узалудни, јер је суд прогласио човека кривим. Али оно што остаје код гледаоца је лекција коју Аттицус Финцх усађује у своју децу. Односно, „никада заиста не разумеш особу док не размотриш ствари са њене тачке гледишта“. Заснован на истоименом бестселеру Харпер Ли, „Убити птицу ругалицу“ један је од најбољих филмова свих времена.

61. Задњи прозор (1957)

Оно што разликује ремек-дело трилер филма од уобичајене канализације која се редовно гомила на нас, јесте то што у овом другом, обрти стижу у трену, ослањајући се више на наш шок него на истинитост обрта да би извршили утицај. Али у филмовима као што је „Прозор позади“, ситне ствари очигледне из временског професионалног фотографа Л.Б. Џеф Џефрис гледа кроз своје задње стакло, акумулира се кап по кап све док не поплаве, због чега безазлени Џеф посумња да је човек који живи преко пута дворишта починио убиство. Хичкок мајсторски користи своју камеру попут алата илузионисте како би своје гледаоце држао напетим, превареним и нагађајућим све док се не открије запањујуће. Кроз Џефово опсесивно ухођење за предметом његовог интересовања, Хичкок коментарише заблуде воајеризма, колико оно може бити примамљиво и суморност усамљеног урбаног начина живота који до тога доводи. Што је још невјероватније, то је коментар о гледаочевом воајеризму колико и Џефов; као што смо заробљени Џефовим заробљавањем. Гледање када ниси посматран је зла радост; Хичкок то зна, диви му се и привлачи нас тиме.

60. 4 месеца 3 недеље и 2 дана (2007)

Неки филмови вас покрећу; неке вас засмеју; неки ти сломе срце. „4 месеца, 3 недеље и 2 дана“ спадају у посебну категорију филмова: они који вас чине анксиозним и нервозним. Као што сте и претпоставили, такви филмови су вероватно најређи међу ретким врстама. Филм прати двоје пријатеља који покушавају да организују абортус у бруталном Чаушескуовом комунистичком режиму у Румунији. Висцералан и бескомпромисан, филм вас хвата за врат и никада вас не пушта. Гледање овог филма је као да искусите мучан осећај који имате када нервозно чекате да неко од ваших најмилијих изађе из операционе сале после операције. То није само реалистичан биоскоп у свом најбољем издању; то је такође један од филмова који вам највише мењају животе које ћете икада видети.

59. Прошле године у Маријенбаду (1961)

Филм Алана Реснаиса из 1961. 'Прошла година у Маријенбаду' је најближе што смо добили визуализацији сна, и то је урађено на што је могуће чуднији начин. Музика која заузима позадину за већину извођења делује као седатив који доводи публику у поспано стање. Упркос томе, прилично је немогуће одвојити поглед од екрана, јер се толико тога дешава у целој слици, иако је само мало тога приказано. Волим да размишљам о „Прошле године у Маријенбаду“ као филм замишљен из подсвести, због своје репетитивне и збуњујуће природе. Ликови су такође збуњени бизарним светом у који су стављени. То је зрео и софистициран комад, а ја сматрам да је срж радње – која укључује мушкарца и његову везу са страном женом коју се јасно сећа сусрета прошле године, иако се она не сећа истог о њему – веома импресивна, оригинална, страствен, романтичан, из снова, и наравно, бриљантан.

58. Дивље јагоде (1957)

Да ли сте икада били на путовању где немате ништа боље него да гледате кроз прозор? Одређено време гледате у поглед споља, пре него што вам мисли навале и оно што је споља је сада само шаблон – више не задржава вашу пажњу. Тако се дешава са Исаком Боргом, протагонистом Бергмановог класичног расположења који је нашао своје место на безброј листа најбољих филмова свих времена, укључујући и ону коју је саставио Стенли Кјубрик 1963. Он путује са својом снајом да добије диплому доктора Јубилариса из његове алма матер. Она га не воли и планира да напусти његовог сина. Али нашег професора, кога игра сјајни Виктор Шестром, будућност не занима много. Његове мисли и као последица тога, филм, катапултиран од стране многих људи на које наиђе на свом путовању, бацају светло само на његову прошлост. Гледано кроз Бергманов праштајући, сигуран објектив, његова сећања су једноставна, позната и људска. Они не величају његов живот нити одбацују његова достигнућа. Они су неуредни, као и већина наших и намерно изобличени. Када коначно стигне на место где му је додељена част, схватамо да му награда никада није била потребна. Добио га је већ у оним јагодама које је скупљао са својом мезимицом из детињства, трговцем који га је памтио, тегобним односом са женом, добрим и лошим, откупним и неопростивим. Као и ми, у виду овог мистериозног, необјашњиво дирљивог филма.

57. Правила игре (1939)

Генијална, заједљива комедија понашања Жана Реноара успева да се одржи изненађујуће добро након свих ових година, а да притом остане разиграна и прогањајућа као и увек. И критичари и публика су га избегавали у време његовог објављивања, што је резултирало тиме да је Реноар изрезао значајан део филма након катастрофалне премијере – део који је углавном представљао лик Октава, којег је играо сам Реноар. Није изненађујуће што од тада расте његов раст. Филм, у свом лукавом, ауторитативном жонглирању са ликовима, темама, тоновима и амбијентом, увек је лудо забаван, али никад мање вредан или мање раскошно направљен од најбољег светског филма из тог периода. Његови скрупулозно исковани визуелни елементи пулсирају софистицираношћу, али труд се никада не види и филм оставља да зјапите у чуду колико сте били дубоко уплетени у његову вешто изграђену атмосферу. Сниматељ Жан Бачелет и Реноар играју се камером на начин који филму даје прозрачност, али њихова немилосрдна контрола је оно што га чини константно интригантним подухватом. Ако све ово није довољно, треба да знате да је Алаин Реснаис једном рекао да је филм био најнеповољније искуство које је икада имао у биоскопу. Било би тешко наћи сјајнију препоруку.

56. Трећи човек (1949)

Филм-ноир је жанр повезан са филмовима који обилују мрачним уличицама, тајновитим, заводљивим ликовима, осећајем мистерије и кремастим црно-белим бојама за све то. Иако су многе од ових слика интригантне и нуде добар провод, мало њих покушава нешто иновативно и другачије. Трећи човек је један од највећих филм-ноир икада снимљених, јер изузетно добро прича своју запањујућу причу, користећи импресивне холандске нагибе, упечатљиво светло и прелепу музику. Филм има везе са човеком и његовом самосталном истрагом о убиству његовог финансијски добростојећег пријатеља. Заплет о Трећи човек је обложена романтиком, црним хумором, обртима и неизвесношћу. У суштини филм се може назвати слатком љубавном причом, али са свим осталим убаченим, та заљубљеност је остављена за сумњу. Играјући мајсторски написан сценарио, магнум опус Царол Реед је онај који вас држи на ивици вашег стола све од његовог скромног, лакомисленог првог чина до краја који би могао бити најпаметније финале било које слике икада ћу видети.

55. Плакови и шапати (1972)

Трагична породична драма Ингмара Бергмана бави се тугом која је истовремено беспрекорно очајна и грозничаво хитна. Није стрпљиво грађена сцена по сцена и испоручена на тацни до краја. Натерани сте да то удахнете од самог почетка филма који главне играче и њихову окорелу, запаљиву тугу упознаје са прекрасним крупним плановима који јасно показују њихову загушљиву нелагоду. Све је то прекривено непрегледном обиљем црвене боје, у облику гримиза којим су осликани зидови куће у којој се прича одвија. Бергман нас чини свјесним смрада смрти који окружује жене са тако импозантним смјером да стварна смрт није разлог за узбуну. Женска инхерентно насилна чежња учинила је да све у филму буде прогањајуће, крвљу натопљено сећање у мом уму. Конзистентно фасцинантни визуелни прикази Свена Никвиста су ублажени Бергмановим суптилним писањем и маестрално проживљеним глумачким наступима. Чини се да сјајна Лив Улман мистификује и очарава сваки пут када је камера на њој, док су неповерљиве Ингрид Тулин и Харијет Андерсон толико неукаљане у свом послу да је инвазивно доћи у контакт са њиховим осећањима. Бергман нам не даје јасне идеје које бисмо понели кући, али нам ускраћује све друге сензације осим оних које доживљавају његови ликови. Питамо се докле иде његов приступ нашим емоцијама и он га проширује на сваком кораку. На крају крајева, 'плачу и шапату' не треба веровати, то треба живети.

54. Било једном на западу (1968)

Можда је то Мориконеова застрашујућа партитура или можда визија Делија Колија која је огромна попут Запада или можда непоколебљива тврдоћа која врви у очима Бронсона и Фонде, а можда је то кулминација свих ових аспеката у скоро сваком кадру маестра Серђа Леонеа . Ако вам треба вестерн који има и лепоту Џона Форда и немилосрдну дивљину Сема Пекинпе, онда једноставно нема никога близу Леонеа. У свом магнум опусу, он постиже оно што му је требало у 3 филма раније, да створи мистични свет усред ничега. Иако на површини можда нема ничег духовног, филм има богове. Богове спортске круне напуњене са 10 галона барута и шљунком који гутају са водом. Такође, избор Хенрија Фонде као антагонисте је вероватно била одлука те деценије, јер његове ледено плаве очи нису биле сличне ничему чему је Запад икада био сведок.

53. Анние Халл (1977)

Нико не може тврдити да разуме збуњујућу, свеобухватну енигму која је љубав као Вуди Ален. И ниједан филм Вудија Алена није ни близу да га прикаже у његовој правој, чудној слави од ове приче о Алвију Сингеру, неуротичном, нихилистичком комичару из Њујорка који се заљубљује у „више од љубави“ у шаљиву, полетну, веселу Ени Хол и затим испада из њега. Филм такође истражује родне разлике у сексуалности кроз Алвијев и Ени 'Јин и Јанг' однос. На крају, чак и Алви прихвата љубав као ирационалну, луду и апсурдну, али неопходну у животу. Употреба више иновативних наративних техника, као што је импровизовано рушење четвртог зида, брза смена прошлости и садашњости кроз глатке резове, приказивање у титловима како се Алви или Анние осећају док заправо говоре нешто потпуно другачије, и додавање ' прича у причи' као врхунац, уздигните већ занимљиву причу. „Ени Хол“ је вероватно прва истински модернистичка романса на целулоиду и инспирисала је генерацију романтичних комедија уместо ње. Ипак, ниједна није тако шармантна као она коју желе да имитирају.

52. М (1931)

Појава технологије снимања гласа, феномена за који је мастхеад означавао 'Тхе Јазз Сингер' из 1927, довео је до апсурдне засићености дијалога у филмовима. Технологија је узета здраво за готово као директна надоградња, а не као алат који се користи у спрези са устаљеним филмским језиком. Фриц Ланг, човек који је своју каријеру започео у немом биоскопу низом маестралних дела укључујући Судбину, Коцкара др Мабуса, Нибелуген и изузетну Метрополис. Његова миграција ка звуку достигла је врхунац у „М“ из 1931. године – филму који је, супротно свим околним изворима, уклонио скоро сву амбијенталну буку. Резултат је нечујни токи-свемир са изузетно беживотном атмосфером: онај који тако ефикасно подупире њен наратив. Прича о којој је реч погађа убицу деце и неспособност немачке власти да га ухвати – формирају сопствени суд за кенгуре како би казнили убицу. Оно што Ланг овде саопштава је невероватне зрелости у поруци: правда која заслужује да буде задовољена потпуно је поткопана политичким контекстом тог времена – са забележеном политиком еутаназије Националсоцијалистичке партије и све насилнијим идеалима који се манифестују као опаки тумор на оптужбе народа . Представа Питера Лореа, богата патосом и измученим хуманизмом, помаже да се откуца дубока превара 'М' - оне која остаје неизмерно дирљива чак и до данас.

51. 12 Ангри Мен (1957)

Одговор да ли је дечак био крив или не, никада нећемо сазнати. Али једна ствар коју 12 Ангри Мен потврђује је да ће логика увек превладати над интуицијом, ако постоји један разуман човек у свету будала. И да ли је глупост болест или само нуспроизвод незнања? Драма Сиднеја Лумета не тражи од вас да користите свој мозак преко срца, већ настојте да дођете до тачке у којој можете донети одлуку, радећи у тандему. Заједно са својим задивљујућим сценаријем, који се поносно налази у наставном плану и програму сваке филмске школе широм света, камера и инсценација су управо из јапанског класика новог таласа. Са незаборавном представом ансамбла, 12 љутих мушкараца је споменик америчке кинематографије.

50. Свјетла града (1931)

Нема много раних филмских стваралаца који имају признање и популарност у данашњој култури коју Чаплин ужива. Ово би могло бити из много разлога. Његови филмови говоре сваком човеку и застрашујуће су урнебесни, али више од тога, његове приче гледају на меланхоличне ситуације у духовитом светлу. Такав је случај са његовом вероватно најличнијом сликом, „Светла града“, која прича причу о скитници и његовим напорима да импресионира, као и да помогне сиромашној слепој цвећарки. Он то ради испод фасаде, претварајући се да је богат човек како би привукао њену пажњу, али при томе упада у невоље. Када филм настави да буде једнако смешан и дирљив у данашње време као што је био пре више од 75 година, то обично значи да нешто ради како треба. „Светла града“ је оставила траг у свету својим приказом сиромаштва и живота током тешких година депресије, који је тако добро изведен и осећао се да никада не престаје да дирне публику, све време им дајући наду да ће боље сутра.

49. Дођи и види (1985)

Друга половина невероватно веште филмске екипе, редитељ Елем Килмов био је ожењен Ларисом Шепитко – сјајним виртуозом иза „Крила“ и „Успона“. Када је тако тужно умрла у саобраћајној несрећи, Килмов је завршила рад на свом изузетном недовршеном пројекту 'Збогом' (који је једноставно могао заузети ово место) - и мислим да оно што чини сав овај контекст тако моћним је начин на који мушка туга крвари у сваки оквир његовог дела. Килмовљев биоскоп врви од неизраженог беса и очаја: Неуспех у сопственој огромној тежини емоција – а неколико филмова икада снимљених пулсирало је тако снажним осећајем као Дођи да видиш . Могуће је да је најбољи ратни филм икада снимљен, његов паклени приказ инвазије Вермахта на Белорусију одјекује заглушујућим експлозијама, кошмарним визуелним приказима и светом који се полако губи од живота - његове сцене снимљене у прекрасном, шупљем светлу. Ипак, у свој овој муци, Килмов проналази пут до разумевања у свом трансцендентално зрелом закључку. Можда, у својој посвећености размишљању о непролазности живота, коначно смогао снаге да закопа кости своје покојне супруге. Може се само надати.

48. Седми печат (1957)

Од првих слика Бергмановог култног документа о вери, страху и задовољству, на вас је бачена чаролија. Оштар, зрнаст поглед на море, обалу и на њој храброг витеза и његов судбоносни сусрет са персонификацијом смрти дефинише јасноћу објективности филма, чак и ако оставља простор за заводљиву, готово застрашујућу двосмисленост која је стално присутна. Користећи магнетну представу неупоредивог Макса фон Сидоуа и групе глумаца који уздижу Бергманов задивљујући материјал, заснован на његовој драми, Сликање дрвета, на неочекиване нивое, 'Седми печат' у својих скромних 90 минута има утицај старог бајка која се преноси кроз генерације која покреће машту далеко експанзивније него што се она сама може надати да садржи. Светлуцава, оштра црно-бела Гунара Фишера осигурава да нам се мучни интензитет увуче под кожу. Флуидност налик на струју резултат је нарације која се одвија са узвишеним самопоуздањем и опипљивом равнодушношћу. Можда је то потпуно једноставна прича, која ипак носи вредне идеје у својим недрима, али је сашивена тако замршеном и смелом тканином да не можете а да је не гледате изнова и изнова да би се преточила у трајну успомену.

47. Ла Долце Вита (1960)

Фелинијев опрезно, стрпљиво и поетски ублажен виртуоз је у потпуности приказан у његовом добитнику Златне палме који у свом душевном и мрачном гламуру хвата начин живота који изгледа превише неухватљив и на неки начин, превише стваран. Његов темпо наглашава протагонистов осећај бесциљности и тера нас да се окупамо у симфонијском аранжману живахности живота и колико је све то пролазно. Овог протагониста игра Марчело Мастројани који је најбољи у каријери, који користи овај дар времена да испуни своје очи неодољивим умором од света. Довођење у питање значаја одређених делова „Ла Долце Вита“ који могу изгледати лишени филозофског значаја или наративне релевантности значи одбацити могућност да допустите да вас пикантни детаљи преплаве, а затим размислите о последицама. Док нас небеска партитура Нина Роте носи у вртоглави свет Рима, гледано кроз Фелинијево илузорно око, видите само оно што он жели да видите и брзо постаје оно што желите да видите и ви.

46. ​​Психо (1960)

Људска бића се у најбољем случају могу описати као особена. Људски ум који је способан за многе задивљујуће ствари, такође је способан да се дегенерише до несхватљивог. 'Психо' Алфреда Хичкока не треба представљање јер држи главу високо, усред безвременских биоскопа. Осим што је класик, то је и тужан коментар о лошем моралу људских бића. И то није Норман Батес! Заједљиво држање госпође Бејтс који је Норманов живот довео у застој кроз његово детињство и на крају одрасло доба подсећа на то како љубав може бити загушљива. Познато је да је господин Хичкок усвојио чудну политику за 'Психо', која је укључивала да се не дозволи касно улазак у филм. Усвојен је како би се осигурала потпуна правда пулсирајућој сцени врхунца филма. Трилер у свом најистинитијем облику, 'Психо' је прича о сину, његовој мајци и њиховој нездравој вези посесивности. Хичкок је био тако жестоко чуван око финала, да је промовисао филм овим слоганом – Не дај крај – То је једини који имамо!

45. Соларис (1972)

„Соларис“ Тарковског је прилично сличан феноменима приказаним у филму. Од тога да ме збуни својим дубоко укорењеним концептом, до еволуције у ентитет са којим се не могу растати, то је искуство које ме тера да се запитам о несвесној природи сваког молекула који чини универзум. Можда смо свесни научних димензија, али може ли било који инструмент израчунати количину љубави или туге коју неко држи у нанограму срца? Може ли било шта да пронађе мождану ћелију у којој се налази незаборавна успомена? Од Бахове очаравајуће музике у уводној секвенци до вишегодишње сцене аутопута, Тарковски је мајсторски користио време да одвоји гледаоца од функционисања нормалног света. Соларис је област у којој вас емоције шаљу да се позабавите лудилом, али ко не би осетио када је лудило лепо на додир, и довољно висцерално да вас ослободи од самог себе.

44. Шиндлерова листа (1993)

Важан филм који има велику корист од Спилберговог талента за драматичност, он је подједнако узнемирујуће и осетљиво искуство за себе. Филм је, као и многи други на овој листи, мајсторска класа у нечему што волим да зовем поједностављено, упечатљиво приповедање. Наратив прати Оскара Шиндлера, немачког бизнисмена који је спасао животе више од хиљаду Јевреја тако што их је запослио у својим фабрикама током Холокауста. Све три главне улоге, Лијам Нисон као Оскар Шиндлер, Рејф Фајнс као Амон Гот и Бен Кингсли као Ичак Стерн су у сјајној форми, у најискренијој изведби. Сцена посебно пред крај филма, где се Шиндлер ломи с обзиром на то колико је још живота могао да спасе, дубоко је дирљива и остаје урезана у мојим мислима као једна од моћнијих, срчаних сцена у биоскопу. То што је филм снимљен у црно-белој техници, уз ретку, повремену употребу боја да симболизује или истакне елемент од значаја, појачава искуство. Лако, Спилбергов најбољи филм, остаје суштинско искуство гледања филма.

43. Лоренс од Арабије (1962)

Биоскоп као медиј постаје све већи. Са најсавременијом технологијом на располагању, данашњи филмски ствараоци нам нуде нека висцерална биоскопска искуства. Али постоје неки филмови снимљени пре него што је ЦГИ био у моди, чија чиста и монументална размера нису нашла равне. Епска историјска драма Дејвида Лина заснована на животу Т. Е. Лавренце , једна од најпознатијих британских личности, један је од таквих филмова. У њему глуми Патер О'Тул као Лоренс и бележи његове авантуре на Арапском полуострву током Првог светског рата. Од самог почетка, Дејвид Лин слика сјајну покретну слику бесконачне пустиње у свој њеној слави, уз помоћ сниматеља Фредија Јанга и задивљујућу партитуру Мориса Жара. Али то ни на који начин не жртвује емоције за екстраваганцију. У суштини, 'Лоренс од Арабије' је запањујућа студија карактера Лоренса – његове емоционалне борбе са личним насиљем својственим рату, његовом сопственом идентитету и подељеној оданости између његове родне Британије и њене војске и његових новопронађених другова унутар арапска пустињска племена. Овај здрав квалитет чини „Лоренс од Арабије“ једним од најутицајнијих филмова који су икада постојали.

42. Тхе Сеарцхерс (1956)

Вероватно највећи вестерн икада снимљен, најбољи филм у великој каријери Џона Форда, 'Трагачи' је амерички класик, међу најбољим филмовима који су настали из педесетих. Иако су му се у то време дивили и поштовали, његова запањујућа моћ није била препозната неколико година, али је почетком седамдесетих био слављен као класик жанра и можда најбољи вестерн икада направљен. Време је свакако еродирало део снаге филма, али не и вејна, бесна изведба Вејна, нити расизам у филму који подстиче бес и бес. Покретачки наратив филма, Итан и његова потрага је безвременски, моћан данас као и тада, можда и више зато што су многе суптилне тачке приче сада јасне.

41. Отац Панчали (1955)

Филм који је донео индијску кинематографију у свет и дао биоскопу једног од најбољих аутора, Сатјаџита Реја. Заснован на роману Бибхутибхусана Бандопадхаја, „Отац Панчали“ прича причу о осиромашеној породици, која покушава да напредује кроз многе животне недаће. Може се тврдити да романтизује сиромаштво, јер гледалац присуствује бројним искушењима са којима се породица суочава, зарађујући за живот. Упркос томе, тренуци, испресецани музиком маестра Равија Шанкара, остају са гледаоцем. Нежна веза између Аппу и њене сестре Дурге, секвенца воза, која је један од врхунаца филма, подиже филм на потпуно другачији ниво. „Отац Панчали“ је током година постао један од култних филмова и редовно се налази на листама највећих филмова свих времена, и то заслужено.

40. Казабланка (1942)

Квинтесенцијални амерички класични филм. Можда постоји нешто толико заразно у његовом шарму да се и даље заљубљујете у њега, чак и свих ових година. Осим огромног фактора могућности поновног гледања, његов незабораван резултат (Како време пролази!) и изузетно цитирани дијалог чине јаку аргументацију. Једноставно речено, посластица је када су сви елементи сјајног биоскопског искуства присутни у правим количинама!

Прича је у најмању руку једноставна, скоро на граници са баналном. Циничан човек сломљеног срца који води најпознатији ноћни клуб у Казабланки налази се на раскрсници када се дама коју је волео појави са својим мужем. Средство заплета јесу чувена писма о транзиту, али прича је директно о двоје љубавника смештена у позадини раних фаза Другог светског рата и тешке одлуке са којом се суочава Богартов лик, да се држи или пусти. Међутим, као и код многих филмова овог жанра, извођење ради свој трик, претварајући 'Казабланку' у једну од најупечатљивијих романтичних драма свих времена која је такође невероватно добро одиграна; Хамфри Богарт и Ингрид Бергман су врхунски, а играчи као што су Пол Енрајд, Клод Рејнс и Конрад Вејд су им способна подршка.

39. Бери Линдон (1975)

Када гледате на биоскоп као уметничку форму, не може се порећи савршенство Барија Линдона, од прелепе кинематографије, очаравајуће сцене, изванредне музике до моћне режије. Као прича, говори о животу младог човека у Европи из 18. века док се пење степеницама ка аристократији, да би га његова зла судбина одвела назад. Слика у себи има неке од највећих сцена икада снимљених, користећи светлост, боје, физичке карактеристике итд. Не постоји бољи начин да се сумира живот особе него да се сагледа објективно, а то је оно што овај филм је урадио користећи непоузданог наратора. Хладан је и дистанциран, ретко даје публици прилику да осети протагонисте. Из ове перспективе, Барри Линдон је раскошна студија карактера, са богатим ликовима, реалистичним додиром и поетским начином преношења емоција. То је једноставно биоскоп у свом најбољем издању.

38. Генерал

Један од најстаријих наслова на листи, „Генерал“ служи као подсетник да многа модерна акциона ремек дела леже у веома дугој сенци никог другог до генија неме комедије Бастера Китона. Са опусом импресивним као и Чарли Чаплин, симпатична скитница овог потоњег уметника мења места са кавалкадом дивно глупих ликова у Китоновом случају; све окружено живописном биоскопском радозналошћу која је протезала границе медија у филмовима попут Шерлока млађег и Сниматеља. Све ово чак ни не помињући његов магнум опус, Генерал из 1927: Пратећи инжењера Конфедерације који жури да упозори своју страну на напредовање трупа Уније током Америчког грађанског рата. Његов наратив чини шаблон за недавни 'Мад Мак: Пут беса' Џорџа Милера и скоро сваки филм о мачкама и мишу икада снимљен, који траје са својом урнебесном комедијом, импресивним специјалним ефектима и храбрим вратоломијама у којима се Кеатон још више доводи у опасност. него једном за додворавање своје вољене публике. Генерал остаје један од, ако не и најбољи акциони филм икада снимљен – онај који се забавља сваком дјелицом свог бића и који успева да призове што више сјајно обрађених тренутака епских размера да се такмичи са било којом ЦГ-ом препуном лударије направљеном данас.

37. Блов Уп (1966)

Време ? Замахне шездесете. Место? Лондон. Град који заслепљује и брише. Живахно и гламурозно. Секс, дрога и рокенрол. Све у свему, један дан у животу Томаса, модног фотографа који живи животом, рецимо, сумњивог морала. У дану пуном догађаја, док прегледава фотографије пара које је прилично кришом снимио у парку, у њему открива мртво тело. Он одлази на исто место и проналази тело човека из пара. Уплашен, враћа се у свој студио и проналази га опљачканог, али са остављеном фотографијом, оном мртвог тела. Следећег дана тело нестаје. Ко га је убио? И зашто је тело нестало? Зашто је Томас осећао да га прате? „Блов Уп“ је класична глума редитеља Микеланђела Антонионија која је током година инспирисала многе филмске ствараоце, укључујући Брајана Де Палму и Френсиса Форда Кополу.

36. Вечно сунце беспрекорног ума (2003)

Вртоглава, надреална епифанија љубави и сломљеног срца никада није истражена на начин и до степена успеха на који то ради „Вечно сунце беспрекорног ума“. Богат са прелепим сликама и инвентивним резултатом сличним звучној подлози у стилу тихог доба, немогуће је објаснити све о „Вечном сунцу беспрекорног ума“. Нема сумње да је филм прожет наративом који је тешко пратити – иако је заправо једноставан када почнете да пратите – то је један од оних филмова који се богато награђују једноставно зато што не можете да спречите да се онесвестите од веома промишљеног концепта и дубоко дирнути филм који јесте. Али права звезда емисије је њен писац, Чарли Кауфман , који је у форми „Вечног сунца беспрекорног ума“, можда написао најбриљантнији сценарио икада у историји кинематографије. Филм који није само јединствен на свој начин, већ и бескрајно поново гледан са нечим новим што се може наћи у сваком гледању.

35. Таксиста (1976)

У „Таки Дривер“, Мартин Скорсезе нам даје једног од најсметанијих, мало вероватних, а ипак хировитих протагониста нашег времена у Травис Бицкле. Филм га прати док постаје таксиста да би се изборио са својом несаницом и посматра како га полако савладава сво лудило у граду око њега. Прави начин на који Таксиста побеђује као филм је то како успева да се прикраде вама, полако пролазећи кроз љигавост и ужас који, чини се, вређа Трависа Бикла. По томе, с правом заслужује своју дистинкцију као психолошки трилер више него драма, често радећи на више нивоа од само ова два. За неке филм може бити узнемирујући гледање, због своје мрачне теме, још мрачнијег третмана и прегршт насиља, али за гледаоце који желе да га погледају, то је ништа друго до бриљантан покушај да разумеју део филма. људске психе која се најчешће проистиче у виду будности. Мислим, ко не размишља о томе да се уздигнемо до нетачности нашег времена и да то вратимо? То је та дубоко укорењена фантазија о испуњењу жеља са којом се „Таксиста“ игра на веома ефикасан начин. Овај филм се данас сматра једним од најважнијих филмова икада снимљених и упознао је свет са силом Скорсезеа.

34. Путеви славе (1957)

Пре него што је Стенли Кјубрик кренуо да истражује необјашњиве аспекте друштва који не само да превазилазе време, већ и очекивања гледалаца од самих себе, направио је овај задивљујући ратни комад који сврставам уз „Дођи и види“. За разлику од последњег, Стазе славе извлачи срцепарајуће извођење Светског рата из исте плиткости човечанства, која је доминирала Кјубриковим последњим делима. У Кјубриковом свету, демони нису прекривени крвљу и блатом, већ медаљама и поносом, а пакао копа на најсветијим местима, у суду. У време када је индустрија усвојила атрактивну 3 траку, Кјубриков монохром је осликао рат једном нијансом. Тела, крпе, бараке, дим, пепео, све закамуфлирано уобичајеним призором мучне агоније.

33. Три боје: црвена (1994)

Најтужнији део смрти уметника је када помислите да је њихов коначни рад њихов највећи икада. То је био случај са пољским аутором Кшиштофом Кишловским и његовим последњим филмом „Црвено“. Кјесловски је већ најавио да се повлачи из филмског стваралаштва након премијере филма у Кану 1994. године, али његова трагична смрт скоро две године након што је објавио да се пензионише још више га чини тужним. „Црвено“ је последњи део његове веома цењене трилогије „Три боје“ и говори о младој жени која наиђе на старца након што је аутомобилом случајно ударила његовог пса. Старац је судија у пензији, одвојен од живота и сваке врсте емоција и проводи време шпијунирајући друге људе. Између њих двоје развија се мало вероватна веза са суптилним романтичним тоновима. „Црвено“ говори о приликама и случајностима које нас свакодневно погађају и нашем неуспеху да препознамо лепоту и значај тога. Постоји необјашњив осећај меланхолије који се провлачи кроз филм о трагедији људске судбине и времена ио томе како смо сви ми као људи у свету повезани на овај или онај начин. „Црвено“ је запањујући подвиг у стварању филмова и једноставно је један од највећих филмова икада снимљених.

32. Благо Сијера Мадре (1948)

Као што име говори, лов на благо често повезујемо са пулсирајућом авантуром и адреналином који је повезан са њом. Али постоји врло мало прича које говоре о емоцијама које људи пролазе док крећу на пут да би добили то злато. Често се каже да невоље откривају ваш прави карактер. „Благо Сијера Мадре“ прича причу у којој жудња за златом доноси непријатне промене у ликовима, што на крају доводи до њиховог индивидуалног опустошења. Док је фокус на похлепи која квари савест, проучавање људског карактера у неповољним ситуацијама остаје са гледаоцем. Трагична прича о похлепи и издаји, овај филм је освојио награду Академије за најбољу режију, најбољи адаптирани сценарио и најбољег споредног глумца. Током година, ово је постало култни класик за љубитеље биоскопа широм света.

31. Пулп Фицтион (1994)

Пулп фицтион, термин који означава часописе или књиге у којима се истичу насиље, секс и криминал. Ови елементи су учинили да се часописи продају као вруће палачинке. Тарантино је узео ове елементе, спојио их око три приче и створио наратив који је био ни мање ни више него биоскопски геније. Један од најјединственијих филмова о поп култури који су снимљени, гледалац се упознаје са светом мафијашког убице Винцента Веге, његовог партнера у криминалу и мотористу Јулеса Виннфиелда, жене гангстера Мие Валлаце, боксера Бутцха Цоолидгеа и бива одушевљен његов стилски третман злочина и насиља. Један од најважнијих аспеката филма који је допринео његовом успеху био је наступ Семјуела Л Џексона. Као убица Јулес Виннфиелд који цитира библијске стихове као пунцхлине, био је феноменалан. Један од највећих филмова ове ере, 'Пулп Фицтион', постао је уџбеник за амбициозне филмске ствараоце широм света.

30. Битка за Алжир (1966.)

Неколико филмова је носило терет политике на начин који обогаћује њихов филмски ефекат, али препуштају прозваном запаљивом италијанском маестру Ђиллу Понтекорву да преузме још увек узаврео жариште француског колонијалног угњетавања Алжира из касних 50-их и претвори га у нешто крајње убедљиво. Још увек далековидне паралеле које Понтецорво задивљујуће неутрално посматрање терора и тероризма које су починиле обе стране данас повлачи, чини искуство 'Битке за Алжир' фасцинантним интелектуалним изазовом за наше разумевање црно-белог рата, као што је Миклошева хладноћа која набија на колац. Јанцсова неизбрисива филмографија. Штавише, његове технике монтаже филмских вести представљају оријентир у филмској комуникацији и по мом мишљењу су много јаче користиле махниту технику резања Ноувелле Вагуе од многих његових истраживачких мејлова. Једном виђена, никад заборављена - 'Битка за Алжир' је једноставно суштински део светске кинематографије.

29. Добри момци (1990)

Режисер је сан да створи филмску епохалу за период у коме се снима. Али за Мартина Скорсезеа, то је навика. За сваку деценију у којој је био А-Листер, снимио је филм који се сматра једним од највећих у том периоду. Снимио је 'Таки Дривер' 1970-их, 'Рагинг Булл' 1980-их, 'Гоодфеллас' 1990-их, 'Тхе Департед' 2000-их и 'Вук са Вол Стрита' 2010-их. А то је гангстерска драма из 1990. заснована на истинитој причи о мафијашком сараднику Хенрију Хилу која је постала једно од мерила у жанру. Филм, који Хил приповеда у првом лицу, бележи његов успон и пад као део њујоршке мафије од 1955. до 1980. За разлику од све гангстерске екстраваганције у 'Куму' или 'Сцарфацеу', 'Добри момци' се бави аутентичне детаље свакодневног гангстерског живота, фокусирајући се на Хилов однос са супругом Карен колико и на његове подвиге са својим друговима из банде. Али Скорсезе користи све стреле у свом тоболцу трикова како би ову аферу учинио примамљивом, као овај легендарни снимак дугог праћења , неки незаборавни дијалог и експлозиван чин Џоа Пешија у улози Томија Девита, Хиловог бурног сарадника. Када је у питању жанр криминала, 'Гоодфеллас' је добар колико год може.

28. Рагинг Булл (1980)

Мартин Скорсезе је познат по томе што у својим филмовима приказује приче о сломљеним, мањкавим, често самодеструктивним протагонистима. И често је претраживао анале историје да би пронашао своје пале хероје у истинитим причама. „Разјарени бик“ је животна прича легендарног боксера Џејка ЛаМоте, чији су самодеструктивни и опсесивни бес, сексуална љубомора и животињски апетит, који су га учинили шампионом у рингу, уништили његов однос са супругом и породицом. Филм је у потпуности снимљен у црно-белој техници, како би верно дочарао еру у коју је смештен и мрачно, депресивно расположење које је дефинисало. Скорсезе је очекивао да ће ово бити његов коначни пројекат. Због тога је био мукотрпан у свом снимању филмова. Једнако посвећен био је и Роберт Де Ниро, који игра главну улогу. Добио је 60 фунти и заправо је тренирао као боксер. Он упија кратке спојене манире ЛаМотте са ватреним савршенством док се потпуно утапа у карактер. Добио је заслужену награду за своје невоље. Ово је највећи тријумф Скорсезеа-Де Нира. Интензиван, моћан магнум опус.

27. Тхе Годфатхер: Парт ИИ (1974)

У историји другог дела, за неколико филмова се знало да су дорасли слави првог, а да их не надмаше у неким аспектима. Ако се направи листа са таквим филмовима, „Кум: Други део“ биће његов драгуљ. Живети у складу са заоставштином првог био је мамутски задатак сам по себи, али овај наставак саге „Кум“ не само да је у томе успео, већ је и проширио своје наслеђе да постане део највеће америчке приче о организованом криминалу икада испричаној. Филм представља два паралелна наратива; једна која се бави Мајклом Корлеонеом као новим шефом „породичног бизниса“ Корлеонеа, друга приказује одличног Роберта Де Нира као младог Вита Корлеонеа и његов успон на власт. Две приче су вешто уткане, пружајући примамљив наратив који ни једном не попушта гледаоцу. Ал Пацино ради неке од својих најбољих радова овде, његов новооткривени поглед практично жваће пејзаж сваки пут када се појави на екрану. Један од оних скоро савршених филмова који се могу гледати без обзира на време, место и последње гледање, а ви и даље завршите у потпуној потчињености и страхопоштовању према њему. Ако је први део свети олтар, други део је хлеб и вино.

26. А Цлоцкворк Оранге (1971)

Прва ствар која вероватно пада на памет када се тражи да опишем овај филм једном речју је „узнемирујуће“. Једини филм на листи који се усуђујем да поново погледам, ухватио сам себе како се више пута тргнем док сам гледао овај филм. „Наранџа са сатним механизмом“ је друштвени коментар у свом најбескомпромиснијем облику, пружајући јасне слике од којих се човек можда никада неће опоравити. Мрачан је, уврнут и не пружа искупљење онима који га траже у филму са вероватно најмрачнијим приказом дистопије у друштвеном смислу. И у томе, верујем, лежи успех филма у преносу узнемирујуће поруке кући. Неконвенционалан на било који начин који можете замислити, пружа нам протагонисте који су злобни до сржи и препуштају се актима ултранасиља и силовања; коментарише друштвено политичко стање ствари на најоштрији начин који можете да замислите, доводи вас у стање конфузије док је Алекс ДеЛарџ (које игра харизматични Малколм Мекдауел) подвргнут нехуманим начинима обнављања и завршава остављајући публику у далеко од свих ствари које ово узнемирујуће искуство чини да осетите одједном. Заиста, дело кјубриковских размера.

25. Вертиго (1958)

Прича о „Вртогглавици“ иде овако – бивши детектив Скоти (Џејмс Стјуарт) пати од акрофобије због инцидента који се догодио на дужности. Прилази му стари пријатељ да припази на своју жену Медлин за коју верује да је опседнута. У почетку скептичан, Скоти ускоро постаје аутодеструктивно опседнут лепом дамом, која изгледа много више него што она то мисли. Бриљантност Алфреда Хичкока лежи у чињеници да његови највећи филмови, који су узбудљиви за гледање први пут, изгледа да отварају нови слој разумевања гледаоцу при сваком следећем завиривању. Наравно, на летимичан поглед, „Вртоглавица; је добро осмишљена мистерија психолошког убиства. Али док га гледате изнова и изнова, његове теме о мушкој агресији и изградњи женске слике у уму мушкарца почињу да се отварају попут кутије бесконачности и гутају вас. Вероватно најфиније остарели филм икада снимљен, о спором сјају Вртоглавице сведочи чињеница да се након отварања мешовитим критикама, филм нашироко сматра једним од највећих филмова икада снимљених. Ремек-дело мајстора трилера.

24. Хирошима, љубави моја (1959)

Рођен из ума француског визионара са леве обале Алена Ренеа, „Хирошима мон амоур“ је филм који плаче трансцендентном снагом. Његова прича о времену испреплетеном са сећањем и ожиљцима и једног и другог који се догодио у Хирошими током Другог светског рата, испричана кроз двоје људи - једног Француза, једног Јапанца - док покушавају да саставе преовлађујућу поруку о разарању које је тамо изазвало. Осим што се од такве глупости не може ништа добити, интелектуално или емоционално. То је дело прожето међународном тугом – сеже даље од самог сукоба и до истине и репресије које прогањају људска бића свакога дана. Кроз одјек атомске експлозије, налазимо мали део онога што није у реду са нама самима. Чињеница да Рене једноставно разуме ову недодирљиву конфузију, уместо да покушава да је поправи, чини „Хирошима мон амоур“ једним од великих ремек дела кинематографије.

23. Ат Рандом Балтхазар (1966)

Пусто ремек-дело Роберта Бресона је вежба осећања. Одмиче се од дефинисања јасног протагониста или централне теме осим ако не рачунате чудесну силу природе која је Балтазар, а ако филм узмете у обзир, нећете. Али ако му дозволите да буде ваша тачка приступа емотивном и тематском пејзажу филма, тешко је да се из њега вратите ненаграђени. Балтазаров осебујан, мршав и хладан визуелни стил изгледа скоро гламурозно у ретроспективи; његова мирна крхкост умотана у резигнирани, посебно мудар осећај контроле. Чак и његова опипљива искреност крије проучени напор да се мало суздржи, да у својој једноставности постављања и карактера негује богатство које је публици препуштено да открије и, у неким случајевима који одузимају дах, да замисли. Пошто глумци тако мало говоре о својој невољи, доживљавамо насумичне, неразумне акте окрутности и осећамо загушљиву тугу за њих. У форми у којој чак и најуспешнији уметници имају за циљ само да појачају чула гледалаца прилагођавајући се опробаним и тестираним, Бресонове слике су ми пружиле лирски шаблон за заснивање величине свог саосећања, чак и да проценим колико је то саосећање свесно .

Све ово ме враћа на првобитну мисао. Додељивање значаја сваком тренутку у „Балтазару“ не зависи од тога да ли претпостављамо да је његов садржај алегорије друштвене или чак политичке природе, већ од начина на који нас чине осетити уживајући у њиховој сложености и тишини, уместо да се ослањају на безумну експозицију којој већина филмова прибегава. Савршено је логично, дакле, да главни јунак буде истоимени магарац.

22. Андреј Рубљов (1966)

Верујем да је „Андреј Рубљов“ највећи пример концепта вајања у времену руског аутора Андреја Тарковског. Велики део његовог последњег рада био је апстрактан, јер се бавио невероватно личним темама и визуелизацијом, која је била раштркана кроз временске периоде. Са „Андрејом Рубљовом“, Тарковски је ухватио само време, а затим га погладио најдубљим нијансама уметникове душе. Тарковски је вероватно једини филмски стваралац који је могао да постигне највеће достигнуће у приказивању репресије уметника. Он истражује опресивне режиме Русије који су аутохтони за ову земљу као и њена дубока литература која је изненађујуће довела у питање најубедљивија питања која се тичу духовног и метафизичког. Многе од каснијих особина Тарковског, укључујући снимање тока природе, могу се уочити на путовању Андреја Рубљова. То је филм који вас снима, разбија и тера на размишљање - како током филма тако и дуго након што су титули завршили.

21. Авантура (1960)

Шта мислите о неразјашњеној мистерији? Или недовршена прича? Да ли тражите затварање тако што га очајнички тражите? Или прихватате чињенице и онда идете даље? Није ли то живот? Компромис и даље? Филм који је Микеланђелу Антонионију донео признање широм света, „Л’Аввентура” је прича о нестанку младе жене током путовања јахтом преко обале Сицилије. Потрага за њом спаја њеног бившег љубавника и најбољег пријатеља и почиње узнемирујућа веза. Док је прича саткана око потраге за несталом женом, њена права сврха је да изгради наратив, а да се не усредсређује на неки велики догађај и да ипак може да очара публику. Прави мотиви централних ликова никада нису до краја објашњени и како се филм завршава, гледалац је приморан да прихвати да неки догађаји остају неразјашњени, баш као и живот. Неоспорно ремек-дело!

20. Без даха (1960)

Много пре него што се Квентин Тарантино пробио на америчку индие сцену са својим дивљим маверичким приступом стварању филмова који је појачао фокус стила на суштину, постојао је човек по имену Жан Лук Годар који је неустрашиво преузео традиционалне кинематографске граматике и безобзирно их прекршио. доле, редефинишући и обликујући филмове на начин на који то данас видимо са филмом под називом 'Бреатхлесс'. Можда ниједан други филм није успео да ухвати пролазно лудило младости на начин на који „Бреатхлесс“ ради са својом непромишљеном енергијом и опојном вибром. Чудна употреба скокова узбуђује инхерентну лудост премисе док вас Годар жестоко одбацује лактом од својих ликова, тражећи од вас да се фокусирате на фрагментиране аспекте приче уместо на причу у целини. „Без даха“ је један од најважнијих филмских дебија у историји биоскопа и иако наставља да поларизује синофиле и критичаре, не може се порећи утицај који има на модерну кинематографију.

19. Седам самураја (1958)

Акира Куросава је један од најоригиналнијих, најутицајнијих и најреферентнијих редитеља који су икада живели. Роџер Еберт је једном рекао о Куросави. Могло би се тврдити да је овај највећи редитељ дао посао акционим херојима у наредних педесет година и да није могао бити истинитији. „А Фистфул Оф Долларс“ Сергеја Леонеа, за коју се каже да је изнедрио жанр шпагети вестерна, инспирисан је Куросавиним „Јојмбо“. Наш тренутни улазак такође је техничка и креативна прекретница и инспирисала је небројена директна препричавања, као и многе визуелне елементе у савременој кинематографији . Епска драма бележи причу о седморо ронин (самураји без господара) који узимају оружје да бране сиромашну цивилизацију у којој више нема места за њих од напада разбојника у Јапану из 16. века, што кулминира жестоком врхунском битком. Али сјај „Седам самураја“ лежи у чињеници да прича мноштво добро осмишљених прича које се крећу у различитим жанровима унутар главне драме. У целом филму су присутни елементи акције, авантуре, романтике и пунолетства. Такође се састоји од ликова богато развијених попут ретког бифтека, који ће касније постати главни део више жанрова. Заиста инспиративно уметничко дело.

18. Дрво живота (2010)

„Дрво живота“ је највиши облик биоскопа: оно једноставно не прича причу, већ има за циљ да промени ваш живот. То је филм за који ће вам требати време да прирасте, а када се то догоди, биће вам тешко да не размишљате стално о њему. Филмска песма изузетног обима и амбиције, „Дрво живота“ не тражи само од публике да посматра, већ и да размишља и осећа. Најједноставније речено, то је прича о путовању проналажења себе. У свом најсложенијем облику, то је медитација о људском животу и нашем месту у великој шеми ствари. Није важно у коју веру верујете или верујете ли уопште у виши ентитет. Прави осећај чуђења у филму настаје из магије која је сам живот. Најлепши аспект филма је то што временом постаје све бољи, као добро вино.

17. Цлосе Уп (1990)

Покојни велики ирански аутор Абас Киаростами често је видео лепоту и поезију у најапсурднијим приземним епизодама људских живота. Са варљиво једноставним заплетима и натуралистичким поставкама, Киаростами је истраживао универзалне теме које су неприметно превазилазиле културне баријере због врсте човечности у коју је његов биоскоп био инхерентно упакован. „Изблиза“ је вероватно његово најуспешније дело и једно од најоригиналнијих, инвентивнијих дела. филмске уметности икада произведене. Филм има облик документарне фикције која бележи суђење из стварног живота човеку који је имитирао иранског филмског редитеља Мохсена Макхмалбафа. Глумачка екипа укључује људе који су заправо били укључени у суђење, глумећи себе у филму. 'Изблиза' је запањујуће истраживање људског идентитета виђеног очима обичног човека који се бори да се носи са собом и својим животом и из очајничке туге и искрене љубави према уметности филма, ступа у ципеле свог идола да знати какав је осећај бити заиста жив, поштован и поштован. Ово је снимање филмова највишег реда.

16. Јеанне Диелман, 23, Куаи Ду Цоммерце, 1080 Брисел (1975)

Овај француски авангардни филм са Делфин Сеириг у главној улози није само биоскопско искуство. То је ближе вежби – тесту, и утиче на вас на начин на који је мало који други филм урадио пре или после. Независни комад се фокусира на три дана у животу усамљене, проблематичне домаћице, док она пролази кроз свој строги распоред испуњен свакодневним кућним пословима. Она је мајка и удовица која увече обавља сексуални рад за господу како би зарадила за живот. Проблеми настају када се другог дана њена рутина мало поремети, што доводи до својеврсног домино ефекта који се огледа у сатима након ње. Јеанне Диелман увлачи у свој спор и медитативни свет са Акермановим препознатљивим редитељским потписом, који укључује дијегетску атмосферу и хипнотичку ауру коју доноси смирена, суптилна и стрпљива личност ремек-дела, што је болна прослава монотоније постојања.

15. Рашомон (1950)

Једно од најнеконвенционалнијих и најексперименталнијих дела филмског стваралаштва за своје време, 'Рашомон' посматра мајстора како ради, излажући се својим вештинама приповедања. Поједностављено речено, то је приказ инцидента који се догодио кроз четири потпуно различита гледишта, окривљених, жртава и оних који тврде да су очевици. Истиче се по свим техничким основама скоро беспрекорном монтажом и мајсторском режијом, али филм побеђује на тематским питањима којима се бави; питања о постојању апсолутне истине. Да ли је истина заиста објективна и неправедна као што је неко представља, или постоји нека субјективност у вези са њом? Обично је објективан или се бар широко сматра да јесте, а наизглед нема других верзија. Овај филм га доводи у питање на начин да сам гледалац остаје огорчен питањима, такође често коментаришући како људи понекад нису потпуно искрени чак ни према себи. Толико је тематски сложено, али наизглед једноставно колико желите.

14. Сталкер (1979)

Задржавајући своје мање потомке, који укључују изузетно успешну телевизијску серију „Вестворлд“, на одстојању, „Сталкеров“ колосални утицај на визуелно приповедање не може се преценити. Идеје – филозофске, духовне и научне – као и њихова спретна, славна филмска истраживања у „Сталкеру“ нашле су своје утиске на многим научним фантастикама које ће уследити. У раду филмских стваралаца попут Теренса Малика не огледа се толико клизање, изазивање транса и на моменте, апстрактни темпо или узнемирујућа употреба монохроматске сепије изван Зоне и утиснутих боја на локацијама у Естонији. и Лав Диаз, да споменемо само неке, али трајну стрпљивост и понизност. У великој мери предајући филозофску владавину публици, Тарковски оставља толико простора гледаоцима да сами открију више метафизичких аспеката филма, да чак и његова дословна и визуелна поезија без премца изгледа као плод наше измишљотине колико и његове. и његових сарадника'. Па ипак, филм остаје повучен, уводећи нас у недокучиве мистерије ума и срца, а ми никада не успемо да их разоткријемо, јер прави пут никада није прави.

13. Фани и Александар (1982)

Скоро 35 година након његовог првобитног објављивања, Бергманов последњи редитељски филм је исто тако фасцинантан за сецирање као што је то било за критичаре широм света у то време, који су се чинило да се боре да се чују њихова мишљења о њему. Ова мишљења су била много већа него што су данас, али место филма у Бергмановој филмографији и даље је тешко дефинисати. То је другачије, по тону, структури и чистој величини, било шта што је Бергман урадио до те тачке. Али то је такође несумњиво спајање свих његових тематских и визуелних инстинкта укрштених у овој таписерији једне породице из раних 1900-их у Шведској која потврђује живот. Чини се да његова живописна бујност привлачи сву вашу пажњу при првом гледању са својим дубоко имерзивним варијацијама црвене, зелене и благе, топле жуте које формирају тако опојну палету боја да њено одсуство – када је све умотано у бело, црно и оштро плаво – изгледа казнено. Бергманове помно израђене хронике зраче полетом породичног излета и поседују познатост људских веза које деценијама држи искрена, крхка љубав. У овом великодушно монтираном приказу живота, рођење и смрт су случајни. У малом свету ови ликови, као и већина нас, обитавају, обимне радости су све којима се човек може надати и довољне су за њих, као што би нама требало да буду. Да ли је све то илузија? Гледајући како овај гигантски ансамбл ради таква чуда, неко би могао и помислити. Ако јесте, верујте ми, не желите да се разбије.

12. Апокалипса сада (1979)

Постоје ратни филмови који приказују замршеност ратовања (попут 'Непријатељ на капији'), неки други који вређају и презиру идеју о томе (попут 'Пијаниста'), а ту је и дрски 'Апокалипса сада', који не нуди мишљење или закључак, али уместо тога огољава графички приказ страхота рата уз величање војника који у њему учествују. До данас се води дебата да ли је „Апокалипса сада“ про-ратна или антиратна. Волите или мрзите; сигурно је да ћете га запамтити. Једна од најпроблематичнијих продукција у историји Холивуда, финални рез писца и редитеља Френсиса Форда Кополе завршио је његово технички најбриљантније дело. Огољена премиса је једноставна – капетан Вилард мора да оконча са екстремним предрасудама пуковника Курца који је ушао на територију непријатеља и отишао у АВОЛ. Али Вилардово исцрпљујуће путовање по мучним вијетнамским бојним пољима (уздигнуто задивљујућом кинематографијом Виторија Сторара) остаје урезано у умове далеко након што се крене. Уз једну незаборавну сцену за другом и дефинитивне перформансе Мартина Шина као Виларда, Марлона Бранда као Курца и Роберта Дувала као „ентузијасте напалма“ потпуковника Килгора, „Апокалипса сада“, како је Копола исправно рекао, није о Вијетнаму. Вијетнам је.

11. Тхе 400 Бловс (1959)

„400 удараца“ Франсоа Труфоа је право уметничко дело које произилази из стварног бола. Заиста искрено и дубоко лично дело, Труфо је посветио филм свом духовном оцу и међународно признатом филмском теоретичару Андреу Базину. Изразито аутобиографске природе, Труфоово детињство је било проблематично, и то се веома јасно одражава у филму. Споља гледано, филм говори о малољетничкој и адолесцентној делинквенцији која је често вођена занемаривањем друштва и родитеља. Погледајте мало дубље, и наћи ћете филм о нади; нада да је и интензивна и терапеутска. Антоан Доинел, протагониста, је на неки начин оштар приказ самог друштва, друштва које крије сопствене неуспехе иза правила, казни и пресуда. Филм тече као река и води публику на пут наде, очаја, емпатије, па чак и чистог беса. Ако сте икада желели да видите како изгледа ремек дело, не тражите даље од „400 удараца“.

10. Мулхолланд Дриве (2001)

Дејвид Линч није филмски стваралац. Човек је сањар. А 'Мулхолланд Дриве' је највећи сан који је икада сањао. Сан који обухвата сваку емоцију која обухвата људско постојање. Тешко је објаснити или описати филм као што је 'Мулхолланд Дриве', јер је ово филм о искуству и ономе што из њега узимате, а не о заплету заснованом на конвенционалном наративу који вас храни одговорима са којима можете радо понети кући. Линч је често изјављивао да је његова визија филма у основи изграђена на бројним идејама и осећањима. И ово постаје капија за разумевање филма тако сложеног и слојевитог као што је 'Мулхолланд Дриве'. То је лавиринт снова, амбиција, жеља и ноћних мора. Линч зна шта нас највише плаши и шта нас доводи до потпуног лудила. И управо овај узнемирујуће интимни одраз људске подсвести чини 'Мулхолланд Дриве' тако дубоко мучним уметничким делом. Онај који вас обавија осећајем топлине и нежности пре него што вам пресече лобању.

9. Крадљивци бицикала (1948)

Једноставност је врхунска софистицираност – Леонардо Да Винчи. Један од најтежих задатака у стварању филмова је да схватите када да завршите свој филм. Крај у Крадљивцима бицикала толико је тонски усклађен са почетком, док почињемо од Антонија, свакодневног човека који излази из гомиле до Антонија, свакодневног човека, који се распршује у гомили. Живот у послератном Риму претворио се свакодневницу у борбу, и једва да је постојао ико ко би се извукао из те мочваре беде. Мало је филмова који пружају интроспекцију тако дубоку као Крадљивци бицикала. То је филм који ће вам разбити срце на комаде, а ипак ће вас инспирисати да живите живот пуним плућима. Ретко је филм тако једноставан у својој премиси тако бриљантно ефикасан у својој поруци. Готово је немогуће заборавити филм након што га погледате. Иако је највеће достигнуће филма у томе колико је независних филмских стваралаца инспирисао, који до данас наводе „Крадљивце бицикала“ као своју инспирацију.

8. Токијска прича (1953)

„Токијска прича“ је оно чему тежи сваки филмски стваралац који жели да исприча значајну причу. Очигледно, сви они не успевају! Нема бољег примера филма који епску причу приказује на тако једноставан, али мајсторски, ефектан и незабораван начин. Са „Токијском причом“, Јасуџиро Озу је постигао нешто што је сан сваког живог филмског ствараоца: да заувек остане у срцу и уму публике. Свако ко је видео „Токијску причу“ знаће о чему говорим. Филм прича причу о остарјелом, традиционалном јапанском пару који посећује своју децу у Токију само да би дошао до грубе спознаје да су њихова деца превише заузета својим животима да би бринула о њима и да су се неизмерно удаљила од њих, културно и емоционално . Оно што је такође сјајно у вези са филмом је његова универзална тема са којом се свако, било где, може повезати. Озуов филмски стил такође осигурава да сте задубљени у причу која нуди дубок увид у променљиву људску психу са променом времена. Једноставно бриљантно!

7. У расположењу за љубав (2000)

„У расположењу за љубав“ је једноставно највећа љубавна прича икада снимљена. Раздобље. То је тако лако могла бити представа или чак поезија. Уз прелепе, задивљујуће слике и изузетну музику која продире душу, „Ин Тхе Моод Фор Лове“ прича сложену причу о две једноставне особе. Две особе које пролазе кроз страх и мамац заљубљивања; и када се једном заљубиш, чист бол што је оставиш непотпуном. „У расположењу за љубав“ описује љубав у њеном најрањивијем облику. И притом открива наше сопствене рањивости и колико смо беспомоћни пред љубављу. Ретко који филм тако потцењен и тако резервисан има такав утицај након гледања.

Нисам сигуран да ли је редитељ Вонг-Кар-Ваи намеравао да сними филм који је направио, с обзиром да је углавном снимао филм без сценарија. Ако погледате историју, уметничка дела која највише дефинишу су срећне несреће. Убројите међу њих 'Ин тхе Моод Фор Лове'.

6. 8 1/2 (1963)

Број осам и по у филмографији италијанског маестра, овај узаврели, слатки еп фантазија, ноћних мора и превише замућене стварности је попут бискота – одлучно апсурдног облика и печеног на начин који не дозвољава да га потпуно прождре у један потез. Њена застрашујућа, немирна камера надопуњује Фелинијеву свесну визију филмског ствараоца који покушава да каналише многа променљива искуства која је имао током свог запетљаног живота у свом новом филму. Колико год био полуаутобиографски, '8 1/2' пролази крај своје публике са свом својом заносном сложеношћу нетакнутом у тако радикалном темпу, да сам затекао себе како покушавам да деконструишем његове оштроумно компоноване слике како бих пронашао своје место у Фелинијева висока специфичност, али никада није успео да се чврсто спусти на земљу.

Користећи засјењену гравитацију Марчела Мастројанија, Фелинијева чиста електрична енергија може бити неодољива. Држите се своје перцепције одређеног тренутка и препознајете његово спарно богатство само да бисте открили да је редитељ филма прешао на другу лепршаву, пријатно сталожену секвенцу. Његове идеје о уметницима и њиховој збуњујућој, смешној опседнутости самим собом могу изгледати застарело – или још горе, ирелевантно – али смелост њихове конструкције и израза никада не губимо на нама. Опчини нас и заварава, не дозвољавајући нам да скинемо поглед са њега, а онда нам измиче кроз прсте док нам сине да га никада нисмо имали у рукама. Фелини се не разликује много од видовите Маје у филму која изгледа зна шта сви мисле: вештину коју њен помоћник приписује телепатији. Када наш протагониста, Гвидо, испитује асистенткињу о томе како она то ради, он јасно примећује: „То је делимично трик, а делом стварно. Не знам, али дешава се. Не постоје речи којима би се могао описати филм.

5. Личност (1966)

Мислим да је сигурно рећи да је 'Персона' сама разбила биоскоп. Као хорор филм на површини, класик Ингмара Бергмана из 1966. више је студија индивидуалног идентитета него било шта друго. Користећи иновативне технике монтаже, оштре углове камере, хладне изразе лица, импресивне дијалоге и сјајну режију, овај филм на што је могуће вишеструко двосмислен начин прича причу о познатој глумици која губи глас и медицинској сестри која се брине о њој. у забаченој кући, где њихове осебујне личности полако почињу да се стапају једна са другом. Будући да је редитељски најсликовитији подухват, 'Персона' се труди да изокрене свако конвенционално правило филмског стваралаштва како би покушао да донесе свеже и очаравајуће искуство. Са неким од најбољих глумачких остварења икада постављених на целулоиду, атмосфера филма нам помаже да ценимо питања која имамо о њему тако што паметно померамо фокус на занат који се ставља у игру. Једноставно не постоји ништа слично 'Персони', и то би могла бити чињеница.

4. Кум (1972)

Вероватно најутицајнији филм икада снимљен. Једна од најређих адаптација која је заправо боља од изворног материјала — у овом случају истоименог романа Марија Пуза — филм је издржао кроз векове и класик је у правом смислу те речи који постаје све бољи са сваким гледање. Филм приказује мафијашку породицу под Дон Витом Корлеонеом и фокусира се на транзицију његовог сина док преузима породични посао након патријархове смрти. Без сумње, перформанси су једна од главних предности овог филма, а великани, укључујући Марлона Бранда као Вита Корлеонеа и Ал Паћина као Мајкла Корлеонеа, редефинишу глумачке стандарде својим наступима. Све остало, посебно сценарио и кинематографија која поставља расположење и партитура, су очекивано А-рате и жанровски дефинисани. С правом, не постоји синефил који није видео ово ремек-дело филма. То је олтар где идемо да се молимо.

3. Грађанин Кејн (1941)

Свети грал америчке кинематографије. „Грађанин Кејн“ је дефинисао скоро сваки аспект који обухвата уметност филма. Филм који је прекршио безброј конвенција филмског стваралаштва само да би створио нове. Од својих револуционарних техничких детаља, укључујући осветљење, звук и визуелни приказ, до веома иновативног стила приповедања, „Грађанин Кејн“ је променио начин на који су филмови направљени. Филм је дубоко дубока студија карактера која поприма облик мистериозне драме у откривању истине о животу загонетног издавачког тајкуна чија је последња реч изазвала интересовање новинара. Он креће на путовање, истражујући људско биће које је некада започело свој живот са сировим амбицијама и жељама, али ће ускоро подлећи заводљивој моћи похлепе и ауторитета. „Грађанин Кејн“ је изузетно моћно уметничко дело које задивљује у свом истраживању дубоких тема и обухвата бесконачно сложене емоционалне аспекте живота као човека.

2. Огледало (1975)

Да ли је уметност икада могла бити толико лична да се не може разликовати од њеног творца? Ово је питање које ме је погодило када сам први пут видео „Огледало“ Андреја Тарковског. Ово је уметничко дело где се уметник у потпуности предаје свом раду, а ви не правите разлику између њега и посла који ради. Готово као да је Тарковски удахнуо цео филм. Аутори су правили своја ремек-дела, мењајући и обликујући биоскоп онако како га видимо данас, али Тарковски је направио корак даље од тога и постигао недостижно; дајући живот својој уметности. „Огледало“ само дише биоскоп. Могли сте да видите Тарковског, његову породицу, културу у којој је одрастао. У ствари, могли сте да видите себе у томе, своју мајку и постоји тај осећај Деја Вуа који вам пада на памет, гледајући ова места. Скоро као да сте били тамо, можда у животу или у сну изгубљени негде. А за уметника да направи нешто што је лично и интимно је нешто што се заиста не може речи. То је филм који поткрепљује оно што смо одувек знали: биоскоп је највећа уметничка форма.

1. 2001: Одисеја у свемиру (1967)

Као и сваки други унос на овој листи, '2001' је такође лекција о снимању филмова. Неколико филмских стваралаца, укључујући Кристофера Нолана и Дениса Вилнева, говорило је о томе како им је филм инспирација. Дакле, да, филм је техничко чудо. Али то није разлог зашто је филм био на врху ове листе толико сјајних филмова. Налази се на врху јер је то филм који се усудио да оде на место где ниједан филм није отишао. Дођавола, нико није ни знао да постоји такво место где би биоскоп могао да иде. И ако је икада биоскопска уметност захтевала разлог или доказ да потврди да је њена сврха постојања много више од обичне забаве, онда је ево: крајње убедљива и крајње митска, „2001: Одисеја у свемиру“.

Стенли Кјубрик је скоро свим својим филмовима проширио хоризонте биоскопа. Са '2001: Одисеја у свемиру' такође је дао ново значење ономе што кинематографија може да постигне. Већина филмских стваралаца користи биоскоп као медиј за причање приче. Али Кјубрик је користио биоскоп за испитивање. Шта је питао? Све, од Бога до сврхе нашег постојања. Док је „2001: Одисеја у свемиру“ сам по себи веома интелигентан научнофантастични филм, он је такође много више. Верујем да је то филм који је више филозофска потрага за утврђивањем да ли Бог постоји. Причајте о високом циљању!