100 најбољих филмова свих времена
Алејандро Јодоровски Пруллански, познати чилеанско-француски филмски режисер, песник, драмски писац и музички композитор, једном је рекао: „Одувек сам мислио да је од свих уметности биоскоп најкомплетнија уметност.“ Слажем се. На више начина, биоскоп је заправо спој свих других важних уметничких облика: сликања, писања и музике. Не може бити случајно да је биоскоп уједно и најмодернија уметничка форма. На крају, еволуција других облика уметности била је неопходна да би биоскоп могао да постоји. Чињеница да остаје најпопуларнија уметничка форма готово од тренутка када је постојала говори вам и о њеној снази и слабости: лако је доступан и стога је комерцијализованији.
Имајући то на уму, узбуђен сам што ћу вам представити листу Тхе Цинемахолиц’с 100 најбољих филмова свих времена . Пре него што почнете да истражујете нашу листу топ 100 филмова икад снимљених, подсетимо се поново да листе по својој природи никада нису савршене. Дакле, не тврдимо да је ово Свети грал листе апсолутно најбољих филмова на свету. Али оно што могу да вас уверим јесте да је мноштво истраживања прошло иза састављања ове листе. Разматране су хиљаде филмских наслова и расправљало се о сваком финалном избору. Сигуран сам да ћете са листе пронаћи многе своје омиљене филмове. Недостају и многи моји омиљени! Али, уместо да се фрустрирате због тога, искористите ову прилику и погледајте филмове које нисте видели. Ко зна, можда на крају откријете своје нове фаворите!
100. Кишобрани из Цхербоурга (1964)
Јацкуес Деми своју романтичну оперу боји ублаженом, неумереном софистицираношћу која изгледа помало хипстерски. Али ова боја није само она на зидовима, одећи и кишобранима. Такође је на образима младе девојке немогуће заљубљене док прелази улицу да поздрави свог љубавника и његово одсуство када видимо то лице у велу, младу девојку која је сада нечија млада. Постоји боја и у начину на који људи разговарају, тачније певају једни другима. Али њихови лирски разговори се не римују као већина песама. Када је све, од љубавних занимања до забринутости око новца, прожето неразлучивом страшћу, не би вам било од велике користи ако идете у риболов на риму или разлог. Иако су филм и сва његова мелодична открића, поткрепљена неземаљском музиком Мицхела Легранда, невероватно романтични, све одлуке које доносе наши ликови, као и све у животу, дефинитивно нису тако.
За тако досадно познату радњу, видевши је као основу небројених поп песама и сапуница, сваки кадар филма „Чербуршки кишобрани“, препун меланхолије, примамљиво је свеж, чак и непознат. То можете приписати колико су емоције искрене и колико је њихов израз искрен. Делујући на скромним размерама, „кишобрани“ вас уништавају и најмањим одразима. Запањила сам се колико би могао бити значајан утицај две празне столице, које су једном напунила два љубавника. У Демијевој нежно направљеној посластици марширамо карневалима испуњеним тракама и конфетама, украшавамо јелке и дарујемо једни друге, увлачећи сва своја осећања негде у углове срца, јер без обзира колико је тешко нечије одсуство поднети или прошлост је заборавити, све што можемо је да живимо у данашњој фантазији.
99. Траинспоттинг (1996)
Мало је тешко објаснити цинепхилес-има попут нас о фанатизму „Траинспоттинг-а“. Догодило се то у време када је стварност дрога тек почела да тоне. Рекло би се да је гламурисала злоупотребу дрога и да је донекле тачна. Чињеница која је произашла из тога био је покушај Даннија Боилеа да прикаже високе и најниже вредности злоупотребе дрога, не заузимајући страну. „Траинспоттинг“ је култни филм који говори о четворици пријатеља и њиховим покушајима са зависношћу. Нечувено и бизарно су једине две речи које га могу описати. Зависник од дроге који жели да се чисти, само да би посустао на сваком кораку због свог најдубљег нагона да се повиси. Великодушно предозиран хумором, филм покушава крајње озбиљно да подвуче чињеницу: упркос раскоши коју живот нуди, омладина их ускраћује са пуно жара. А разлози? Нема разлога. „Коме требају разлози када имате хероин?“
98. Дипломац (1967)
Ах, дани младости! Безбрижно и радосно. Забава испуњена без разлога за бригу. Без бриге за прошлост, која је остала иза нас, и без бриге за будућност, која тек долази. Бењамин Браддоцк је водио овај безбрижни живот, након завршетка факултета. А када се коначно вратио у свој родни град, тамо је упознао госпођу Робинсон. Пламен афере почиње да гори. Живот се заобилази када млади Бен погреши секс због дружења. Постаје вртоглава, кад падне на њену ћерку. Филм који изазива размишљање, у одећи комедије, „Дипломац“ један је од најсмешнијих филмова икада. У главној улози Дустин Хоффман, појављује се иконична линија - „Госпођо Робинсон, да ли покушавате да ме заведете?“
97. Двоструки живот Вероникуе (1991)
Можда ниједан други филмски аутор није толико дубоко емоционално разумео жене као што је то чинио Крзисзтоф Киесловски. Човек их је једноставно волео и показивао их је са таквом страшћу и присношћу да не можете да се не очарате његовом сировом емоционалном снагом. ‘Двоструки живот Вероникуе’ можда је само његово највеће уметничко остварење. Филм говори о жени која почиње да осећа да није сама и да део њеног света живи негде у свету у другој души. Вероникуе и Вероника су две идентичне жене које се не познају, а ипак деле мистериозно интимну емоционалну везу између њих. Високо стилизована кинематографија Славомира Идзиак-а филм осликава нежно меланхоличним осећајем који вас обавија и не успева да прође. Постоје осећања и емоције које је заиста тешко преточити у речи, а филм даје живот оним необјашњивим осећањима замишљене туге и усамљености. „Двоструки живот Вероникуе“ је запањујуће уметничко дело које приказује људску душу у свим њеним прелепим слабостима и нежности.
96. Биоскоп Парадисо (1988)
Многи људи виде биоскоп као препуштање, разоноду, забаву која нема никаквих последица у животу. Али ја, са армијом горљивих цинефила који ће ме усрдно подржати, могу са апсолутним уверењем тврдити да је биоскоп неопходан животу као и живот биоскопу. А „Цинема Парадисо“ је предиван, иако ироничан начин да истакнем своју поенту. Успешни филмски режисер Салваторе враћа се једног дана кући вестима да је Алфредо умро, након чега се враћа у свој родни град на Сицилију 1950-их. Млади и несташни Салваторе (надимка Тото) открива трајну љубав према филмовима која га мами у сеоску филмску кућу Цинема Парадисо, где је Алфредо пројекциониста. Након што се девојци одушевио, стари буб му постаје очинска фигура док мукотрпно подучава Тота вештинама које би биле одскочна даска за његов филмски успех.
Гледати Тотоа и Алфреда с поштовањем како разговарају о биоскопу, а гледати Алфреда како даје животне савете кроз класичне филмске цитате, пука је радост. Кроз Тотоову причу о пунолетству, „Цинема Парадисо“ баца светло на промене у италијанској кинематографији и умирућу трговину традиционалним филмским стваралаштвом, монтажом и приказивањем, истражујући сан младог дечака да напусти свој мали град како би напустио свет ван. Један од најбољих ’филмова о филмовима’ који је икада постојао.
95. Један прелетео кукавичје гнездо (1975)
Једно од оних ретких филмских искустава због којих одједном осећате мноштво емоција. Делом је смешно, у некима уздиже, а у другима пуко срце. То је такође један од осталих ретких подвига у поједностављеном, ефикасном приповедању прича, говорећи о Рандлеу МцМурпхију, злочинцу који се у нади да ће избећи затвор, претвара да је ментално болестан и негира кривицу због неурачунљивости. По доласку у менталну установу, побунио се против ауторитарне медицинске сестре Рацхед (коју је глумила челична Лоуисе Флетцхер) у класичном сценарију пореда против хаоса. Филм открива да заиста нема никога бољег да глуми ликове са шармом и шармом у једнакој мери као сам Јацк Ницхолсон, доносећи му заслужену оскаровску победу за наступ у филму. Оно што започиње као трајни и срчани филм, ескалира до трагичног, мада надајућег завршетка, пратећи узнемирујуће сцене које укључују самоубиство и електроконвулзивну терапију пацијената. Филм, међутим, никада не препушта пажњу и патетику гледалаца према ликовима на екрану, изазивајући истинске емоције и навијање за људски дух који зрачи чак и суочен са несретним ауторитетом.
94. Пјааса (1957)
Густ идејама о друштвеним променама и оштрим коментарима на досадашњу злобу и стигме друштва, „Пјааса“ није само оличио златно доба индијске кинематографије, већ је био и одраз саме индијске буржоазије. То је филм који има суптилан квалитет о себи, где се све дрске истине и сурове стварности друштва тињају испод површине испод чекајући да их пажљива публика истражи и екстраполира. ‘Пиааса’ је безвременски класик не без разлога. Чак и након 60 година изласка, и даље је релевантан у модерно доба, јер Индију и даље муче исте друштвене клетве - корупција, мизогинија, материјализам - којима се ’Пјааса’ директно или индиректно обраћа.
93. Модерна времена (1936)
‘Модерна времена’ је шаљиви филм са снажном поруком. Носећи Цхаплинове заштићене теме наде и сиромаштва, ова слика се фокусира на штетне ефекте које машине и други облици технолошког напретка имају на обичне људе, извлачећи у средиште пажње фабричког радника чији живот пролази кроз многе преокрете док покушава снаћи се у новом свету. Иако је шамар смешно смешан, све је садржано у посуди туге. „Модерна времена“ користе паметне, суптилне елементе да свако мало постављају важна филозофска питања. Врхунац је један од најдирљивијих икада, који укључује тужан облик среће и нема стварног одговора или решења. Овај филм је можда најбоље написано Чаплиново дело и изненађује колико су идеје овде представљене и данас релевантне. Након што је несумњиво издржао тест времена, пут којим Модерна времена иде да подели своје мисли вероватно је најбољи аспект овог кинематографског тријумфа.
92. Танка црвена линија (1998)
Терренце Малицк Повратак филмском стваралаштву из двадесетогодишње станке обележила је ова прелепо запањујућа ратна драма која истражује, не рат, већ емоције борбе против рата. Филм је уистину малицк-иан по својој природи, са више нагласка на визуелним стварима него на причи, омогућавајући вам да се упијете у његово искуство. Геније филма лежи у Малицковој визији виђења лепоте у нечем тако мрачном и крвавом попут рата. Потребан је апсолутни геније да се нешто тако брутално и крваво попут рата претвори у такво хипнотичко искуство које надилази ратну стварност и уместо тога омогућава вам да се упијете у емоције његових ликова. То је тако обузимајуће искуство које тражи да осетите људска бића иза оружја и бомби. То су уништене душе попут нас, које жуде за нежним додиром, недостаје им топлина даха њихових љубавника и супруга, док морају да се носе са најружнијом реалношћу која је далеко од њих. „Танка црвена линија“ је једноставно искуство какво нема ниједно друго; онај који се мора видети, осетити и размишљати о њему.
91. Бладе Руннер (1982)
Финал Цут оф „Бладе Руннер“ Ридлеија Сцотта, верујем да је највећи дистопијски филм икада снимљен. Иако је Метрополис спорни избор, треба посматрати неаутентичне визуелне приказе повезане са немачким експресионистичким биоскопом. С друге стране, „Бладе Руннер“ је више него савршен у изградњи света који пати од финансијске неједнакости, пораста становништва, недостатка било чега природног, јер овде се не може веровати ни месу. Свјетлуцаво освјетљење је контекстуално природно, јер је то електронски свијет и Јордан Цроненветх га користи слично свакодневним освјетљавајућим објектима у филм ноир. Иако можда не поставља тако далекосежна питања као „Свемирска одисеја“, али нас тера да се запитамо да ли „андроиди сањају електричне овце“.
90. Фарго (1996)
Насилан, смешан, топао и брутално интензиван, „Фарго“ је један од најбољих америчких филмова 90-их и једна од највећих криминалних драма икада снимљених. Филм говори о човеку који унајми двојицу мушкараца да отму супругу и изнуде новац од свог богатог таста. Бриљантна употреба мрачног хумора браће Цоен прожима филм зраком топлине који даје врло препознатљив тон филму. Управо овај мајсторски спој комедије, драме и насиља чини филм „Фарго“ тако незаборавним филмским искуством. Тај прекрасни почетни снимак снегом испуњене Минесоте, прелепо употпуњен страшном оценом, даје тон филму и успоставља осећај дубоке туге која лежи испод насиља и хумора са којим је филм препун. Францес МцДорманд је очито звезда филма и краде емисију, тумачећи трудног шефа полиције ухваћеног у свету зла и бруталности, али успева да пронађе светлост и наду. „Фарго“ је емоционално сиров, брутално интензиван, невероватно смешан и болно реалан комад чистог закивајућег биоскопа.
89. Ерасерхеад (1977)
‘Гумица’ је уџбеник о атмосферском ужасу. Испричавајући причу о човеку чудне косе који покушава сам да створи породицу, овај филм се сваким минутом претвара у надреалну ноћну мору. Користећи звук и крупне планове да пруже осећај клаустрофобичног страха и ускладивши ово са заплетом који нема пуно смисла при првом гледању, деби Дејвида Линча показао се једним од најбољих режија главног мајстора, што је само по себи велика похвала. Оно што „Ерасерхеад“ ради је да створи дистопијски свет - попрскан ружним зградама и механичким средствима умоченим у злобне црно-беле - и у њега убацује ликове које околина мање-више збуњује. Иако је схватити да је „значење“ ове слике готово немогуће, мора се схватити да то никада није намера. „Ерасерхеад“ у глави своје публике поставља осећај крајње нелагодности, користећи и своје визуелне и надреалне стилове, и проналази начин да манипулише њиховим мислима. Само неколицина слика је тако лепо структурирана, али несумњиво претећа као ова, а то је нешто што би само неко попут Линцха могао да изведе.
88. Дечаштво (2014)
„Дечаштво“ је леп подсетник на прошле године неспутане радости, непоколебљивог оптимизма и пупољка невиности. Ослања се на извођење лепоте, радости и осећања из уобичајеног живота људи, а не из било ког појачаног чина драме (хлеб и путер за већину филмова). Фасцинантно је видети како се од сцене до сцене, не само да се мењају телесност ликова, већ ћете приметити трансформацију у њиховој моди, фризури, укусу у музици и уопште, перспективама о животу. „Дечаштво“, на начин на који то врло мало филмова ради, превазилази границе кинематографије и постаје малени део нашег сопственог постојања и искуства. Линклатер нас поново подсећа зашто је најбољи у послу када је реч о причању једноставних прича о обичним људима.
87. Дани неба (1978)
Еволуција Терренцеа Малицка у потпуно контролисаног, ауторитативног кинематографског визионара једна је од највећих ствари које су се икада догодиле америчкој кинематографији. Из његових раних дела јасно је да је очајнички желео да искочи из конвенционалних граница биоскопа. Филмови попут „Бадландс“ и „Даис оф Хеавен“ имали су наизглед директне наративе, али то су били филмови који су покушавали да буду нешто више. Нешто више од саме приче. Искуство. „Небески дани“ ово постижу сјајније од „Бадланда“. Многи људи су често критиковали филм због његове слабе приче. Не бих могао рећи да су у потпуности у криву, али прича, у сваком случају, није најважнији аспект филма. Оно што Малицк овде ради је да користи визуелност биоскопа која наглашава расположење приче, а не саму причу. Његова намера није да вас учини емоционалним користећи невоље ликова, већ да вам омогући да их посматрате, осетите лепоту пејзажа и мирис његовог места. А створити такву врсту висцерално покретног искуства није ништа друго до чудо.
86. Гроб кријесница (1988)
Дирљив, дирљив филм који је раван свим аспектима којих се можете сјетити, док остали акцијски филмови уживо истичу ратни плијен. Овај јапански анимирани филм усредсредио се на страхоте Другог светског рата фокусирајући се на животе браће и сестара, сломио ми је срце на начин на који то није успео ниједан други филм и још увек је тапкао по комадима до самог краја. Будући да је ратни филм, он такође чини чуда на људском фронту, лепо схватајући и развијајући нежни однос између Сеите и Сетсукоа суочен са недаћама које је био Други светски рат. Порука је гласна и јасна. Ниједан рат није истински побеђен, а сву славу која подразумева победе такође прати нарицање невиних живота уништених у рату. Поздравио бих филм јер није био претерано емоционално манипулативан у стварању корена за његове ликове; али не грешите, његово моћно и бескомпромисно гледиште о рату и травестијама које су прошли браћа и сестре свешће вас на јецајући неред. ТАКО је тужно. Кад се то каже, нема другог начина на који бих то желео. То је савршенство, у свом најсретнијем облику.
85. Манхаттан (1979)
Романса у филмовима Воодија Аллена увек се осећала болно истинито и депресивно реално упркос сласно потресном смислу за хумор којим их обавија. Док „Анние Халл“ остаје његов најсмелији филм, „Манхаттан“ долази као уметнички зрелије дело. У филму је Аллен глумио досадног, збуњеног Њујорчанина, недавно се развео, ходајући са средњошколком, али се на крају заљубио у љубавницу свог најбољег друга. Ален је мало ублажио хумор за овај филм како би допустио да заиста осјетимо тугу која обузима његове ликове што га чини тако емоционално исцрпљујућим искуством. То је само дубоко потресан портрет лепршавих односа и мана људи који се боре са собом и својим постојањем, очајнички тражећи срећу коју никада не би препознали и постигли. И управо ово слатко деликатно, дирљиво схватање људског стања чини „Манхаттан“ тако моћним филмом.
84. Маркета Лазарова (1967)
Бестелесна слика снова чешке иконе Франти & сцарон; ек Влачил, Маркета Лазарова, једноставно је једно од најневероватнијих уметничких дела која је изашла из 20тхВек. Његов авангардни приступ филмском језику једва се уклапа у границе тог често проклетог обрта фраза - јер је то нешто више. Запањујућа фузија вида и звука, неограничена конвенцијом, структуром или било којим писаним правилом, немири кино стручњаци ударали су филмску форму током година. Поређења ради, све остало изгледа тако строго контролисано - тако неприродно и измишљено у извршењу. Маркета Лазарова је сирова, висцерална и запањујуће динамична. Укратко: то је бесплатно - прави врхунац могућности истраживања сваког инча биоскопског медија. По томе спада међу највеће филмове икада снимљене.
83. Сингин ’ин тхе раин (1952)
Сингин ’Ин Тхе Раин је музика која највише дефинише Златно доба Холливоода. Немогуће је заборавити слику Гене Келли како плеше уз уличну лампу, када говоримо о сјајним тренуцима у биоскопу. Филм не само да дивно слави сопствену вештину, већ и прелазак биоскопа из визуелног медија у резонирајући и подстицајни. Као прво монументално достигнуће у биоскопу Тецхницолор, Келли-јеви редитељски напор забавно је одбачен. Верујем да је релевантност овог класика из дана у дан све јача, како јаз између временских периода обухваћених филмом (стварни живот и живот у колуту) и садашњости све више расте. Губимо везу са важном ером, а овај филм вас роји својом носталгијом.
82. Не гледај сада (1973)
Веома је тешко пронаћи визуелно уметничко дело које је хипнотично као Ницолас Роег „Не гледај сада“. По много чему је ово ремек-дело попут гнусног патуљка на крају. Дивно је прекривен екстатичним бојама, али садржи најгори део живота: смрт. Без обзира на то колико је Сутхерландов лик ефикасан, верујем да је ово филм вођен емоцијама, јер Роег поставља потрагу за изгубљеном љубављу изнад коначне приче. Готска основа је врло моћно средство за узвикивање важности веза на које се ослања, везе очинске и породичне љубави, као и давања нејасног облика духовима који прогањају главног јунака. „Нека места су попут људи, нека сјаје, а нека не“.
81. Фигхт Цлуб (1999)
Свако мало стигне уметничко дело које дефинише психу генерације. Што се тиче биоскопа, 50-их су имале „Побуњеника без разлога“, 60-их су имале „Дипломца“, а 70-их су имале „Америчке графите“. Па чак и две деценије касније, „Фигхт Цлуб“ се попут рукавице уклапа у замишљени, незадовољан и неустављив етос наше генерације. Попут многих сјајних филмова, и „Борбени клуб“ је врло подвојан и филозофски се може тумачити на много различитих начина - некима је дефиниција савремене мушкости, док други мисле да велича насиље и нихилизам.
У основи трилер, из ПОВ-а се говори о филму неименованог протагонисте који пати од несанице и незадовољан је својим монотоним послом који се укршта са напорним произвођачем сапуна по имену Тилер Дурден. Дурден и главни јунак ускоро започињу подземни „Борбени клуб“ као начин да незадовољни чланови друштва искажу бес. Али ускоро Тилерови планови и приповедачеви односи измичу му контроли, што доводи до експлозивног врхунца (дословно!)
Заједно са ставом ђавола о коме се брине, „Фигхт Цлуб“ је такође обележје неке ас смернице савремене легенде Дејвида Финчера. Мрачна палета боја, оштра монтажа и глатка камера инспирисали су гомилу мрачних трилера који прате филм. Преломни филм деведесетих.
80. Пре заласка сунца (2004)
Ево истине о људској еволуцији коју вам нико неће рећи: Човечанство ће ускоро изгубити вештину разговора. Технолошки напредак има велики споредни ефекат: људи су све мање заинтересовани за вођење стварних разговора - јер имају технологију иза које се крију. И управо због тога ће серија Пре издржати деценијама које долазе. Серија филмова који говоре о двоје људи који су у стварном разговору реткост су чак и за ову генерацију. У будућности се такви филмови уопште неће снимати. Зато ће се будуће генерације са страхопоштовањем освртати на трилогију Пре. И нећу бити изненађен ако трилогија нађе своје заслужено место не само у историји филма, већ и у библиотеци сваке филмске школе.
Међу три филма Пре, издваја се ‘Пре заласка сунца’ јер је најдирљивији. Филм који инхерентно говори о најјачој људској жељи: жељи да будете са неким с ким бисте могли провести остатак живота. Ако добро погледате, „Пре заласка сунца“, на крају, постаје огледало, гледајући у које можете просуђивати сопствене односе: Где сте погрешили? Ко је заправо био „тај“ за вас? Које прилике сте пропустили? Шта је могло бити? То је један од најређих ретких филмова где ће ваше животно искуство обогатити и нахранити ваше искуство са филмом.
79. Матрица (1999)
Генијална, паметна идеја коју су Вацховски изнели на екран, резултирала је филмом због којег су многи гледаоци постали опрезни према стварности у којој су се нашли. Истина је, кад је направљена 'Матрица', повратка више није било, променио се ствари. Не само да је филм у својој причи открио нешто ново, већ је и револуционарно променио начин на који су после настали научна фантастика и акциони филмови. Успех филма „Матрица“ такође лежи у томе како се мајсторски премешта између тема, укључујући филозофију, егзистенцијализам, па чак и религију, све време носећи маску акције и научно-фантастичног филма. Неоова способност да манипулише симулираном стварношћу за извођење наизглед немогућих подвига и употреба „времена метака“, технике акције која је сада ништа мање од иконичне, додаје филмској домишљатости. Можда је жанр сада превише попуњен, али када је први изашао, сигурно је рећи да публика није видела ништа слично.
78. Седми континент (1989)
Назвати филмом „Седми континент“ Мајкла Ханекеа хорор филмом звучи ми врло погрешно, али на то се односи већина људи који су га видели. Са њима је тешко расправљати, јер гледање овог филма оставља осећај безнадежности, потиштености и престрашености. Имајући везе са породицом која мрзи свет и живот уопште, овај класик из 1989. заузима хладан и удаљен став да даље изолује тројицу играча из остатка друштва, што полако, али сигурно доводи до тога да публика дубоко осећа према њима као према њиховом постојање узима мрачни заокрет. Као један од најнемирљивијих филмова који је икада окитио сребрни екран, Ханекеов деби-деби изругује гледаоца и никада га не пушта. Ако га публика назива хорор филмом, онда то чини мислећи на застрашујући филм који није сличан ниједном другом. Прекривен двосмисленошћу и реализмом, Седми континент је лично, интимно и застрашујуће препричавање истините приче која вас оставља у тишини, јер бар неколико минута након завршетка постајете неспособни да изговорите ниједну реч.
77. Зодијак (2007)
„Зодијак“ није ваш уобичајени трилер; спорог је ритма и више се фокусира на расположење и ликове него на заплет. Постоји аура коју Давид Финцхер толико гради да можете да осетите расположење филма у својим костима. Није филм који ће вас оставити срећним кад се заврши. То је такође филм у којем лош момак побјеђује, а добар момак губи. И зато је тако добро. Не само добро, већ и модерно ремек-дело. Када вас филм успе трзати пуна два и по сата и оставити да данима размишљате, мора да је исправио многе ствари које рутински створени трилери немају. По мом мишљењу, „Зодијак“ је Финчеров најбољи филм, где он својом дисциплином и низом вештина показује зашто је понекад „мање више“.
76. Магнолија (1999)
„Магнолија“ је несумњиво најособније дело Пола Томаса Андерсона. Хистерична атмосфера коју Андерсон улива у филм уноси одређену емоционалну флуидност у мелодраму која је тако невероватно зависна и катарзична у својој енергији. Филм се у потпуности одвија у долини Сан Фернандо, а различити међусобно повезани ликови пролазе кроз различите фазе у свом животу, борећи се да се носе са сопственим унутрашњим демонима и емоционалним сукобима. Андерсон воли ове људе, познаје их и разуме, али их представља као непристојне ко су; огољена гола људска бића, сирова и чиста, која се суочавају и превазилазе своје најдубље страхове и слабости. Оно што „Магнолију“ чини толико посебном је то што је то филм који толико говори о свом филмском ствараоцу. Завирили смо у Андерсонов живот, место којем припада и људе у његовом животу. У читавом филму има толико пуно Андерсона. Филм попут „Магнолије“, да га је режирао било који други филмски стваралац, изгледао би застарео и чинио би се прилично као производ свог времена, али са Андерсоном то само додатно привлачи филм.
75. Росемари’с Баби (1968)
„Ружмаринова беба“ је мрачно, извитоперено уметничко дело које се поиграва невиношћу како би изградило осећај ужаса. У вези са женом која се током трудноће суочава са компликацијама, филм заузима потпуно свеж пут са својом радњом омогућавајући ритуалним елементима да играју главну улогу. О овом филму има толико тога што треба волети, почев од добро написаних ликова па све до удаљеног окружења за размишљање које окружује сваки инцидент који се догоди. У целој слици увек постоји осећај напетости, а то је делом и захваљујући нечујној, дуготрајној кинематографији изведеној у уском редитељском стилу Поланског. Миа Фарров овде даје најбоље перформансе у каријери као Росемари Воодхоусе, жена која постаје слабија док се бори са боловима који долазе са рађањем детета. Генерално, атмосфери коју је забележио овај филм поклапа се неколицина других, а начин на који вам се увлачи у кожу заиста је нешто друго.
74. Добри, зли и ружни (1966)
Замамни ликови које глуме легендарни глумци, необуздана, брутална пушчана акција, закачивање музике и интензивна кинематографија - трећи део трилогије „Долари“, за који се каже да је рођење вестерна шпагета, је снисходљив, задивљујући, у најбољем случају забавни биоскоп. Блондие ор Но Наме (Тхе Гоод), професионални револвераш, и Туцо (Тхе Угли), тражени одметник, чине невољну оданост када сазнају важан детаљ о залихи злата коју скрива одбегли савезник. за кога је убијен Ангел Еиес (Тхе Бад), убица. Путовање трија чини суштину заплетног заплета који се завршава класичним западњачким погледом. Цлинт Еаствоод у улози Блондие слика је мачизма, Лее Ван Цлееф у улози Ангел Еиес персонификован је у злу, а Ели Валлацх у улози Туцоа додаје сложеност карактера импулса и беса једноставнијим, а опет допадљивијим поступцима Гоод Вс Евил две веће звезде. Али узде су заувек режисер у рукама Сергија Леонеа - он користи опсежне дуге кадрове и интензивну кинематографију изблиза како би створио напетост у поступку. Жанровски дефинисани филм Куентин Тарантино, један од највећих експонената модерног вестерна, некада назван „Најбоље режираним филмом на свету“.
73. Путујући играчи (1975)
Предуго је интимни, деликатно састављени еп Теа Ангелопулоса био познат малобројним филмским заљубљеницима, а можда га је још мање ценио. Његово величанствено, постепено постављање биоскопског споменика нашем езотеричном, тајновитом односу с временом, разумљиво је, није за свакога. Али за радознале међу нама познато је да пружа утеху, даје мудрост и дар перцепцији која помаже у проналажењу константи за које се треба држати у овом универзално и сурово динамичном свету. Међу многим стварима које овај филм исправља је и његово нетакнуто схватање открића из приче о „Оресту“. Митологија повезана са трагичном фигуром заробљена је умом обамрлом понизношћу, а ипак, филм успева да нас кроз своју гипку визију пренесе до меланхоличног, дуготрајног погледа на средину 20. века Грчке. Његова привремена елеганција оправдава гледање историје тако што стојите поред трупе: споља унутра. Склони сте и њеној оштрини и размишљању о њеном стварању. То је ретка лекција антифашистичке историје, јер нам никада не говори шта да мислимо. Показује нам само шта да осећамо. Ангелопоулос и сниматељ Гиоргос Арванитис смештају нас у места која заустављају срце и испирају их разарајућом опакошћу тог периода. „Путујући играчи“ је скромни, ретки драгуљ који се осећа као да је спасен са улица препуних нереда и преживео глађу. Једноставније речено, ми то не заслужујемо.
72. Кеш меморија (2005)
Мицхаел Ханеке је често оптужен да се увек бави суморним наративима. Та карактеризација је потпуно неправедна, јер оно што он у суштини чини је пружање хуманог увида у таму која нас све обавија, како наше мањкаве перцепције воде до мучне изолације и како наше заблуде смањују шансе да превазиђемо поменуту изолацију. „Цацхе“ није само масиван, прљав документ који указује на опакост масакра на реци Сени 1961. године и нашу нехуманост као друштво, већ и поетски универзална студија карактера. Георгес, наш главни јунак, доживљава живот и своје присуство као друштвено биће у искривљеном осећају радости. Бежи од удобности поверења и комуникације са другима. Ужива у свом отуђењу, као што отуђује и толико оних који га држе тако драгом. Тиме се Ханеке руга генерацији која жели да остане сама. Његова камера је понекад необично удаљена, баш као што је толико нас у односу на околину. Али под његовом контролом, морамо се супротставити својој непристојности, непажњи и стварности. Један од најизазовнијих дела биоскопа који ћете икада видети.
71. Дух кошнице (1973)
Шпански мајстор Вицтор Ерице снимио је само три играна филма пре одласка у пензију. Још увек живи и данас, његови филмови попут Ел Сур-а, Дуња „Сунчево дрво“, а посебно Спирит оф тхе Беехиве, његов неодредиви првенац, због којих сви желимо да још увек снима филмове. Парабилна прича о двоје деце, једно истражује своје постојање са невином, често збуњујућом фасцинацијом, а друго опседнуто филмом „Франкенстеин“ који је играо у њиховом локалном позоришту. Његов мистификујући портрет шпанског срца остављен је у примамљивој двосмислености у Ерицеином карактеристично неутралном правцу - ретко се упуштајући у кинематографску методу у корист тихог посматрања. Резултат који збуњује збуњује, оставиће вас да се запитате о суштинској загонетци самог живота: његовим неодговорним питањима, великим мистеријама и њиховој збуњујућој недоступности. Ако вас оставимо потпуно уништене или неупоредиво дирнуте, нема сумње да ће било које крајње „Дух кошнице“ бити важно искуство.
70. Сви председникови људи (1976)
Ватергате. Једна реч која је спустила завесе пред председништвом Ричарда Никсона и натерала људе да схвате да чак и особа председниковог стаса може да се спусти у најнижој могућој мери да своје ствари заврши. Док су председникови пријатељи били заузети чишћењем нереда који је створио, било је двојице новинара који су одахнули. Упркос претећим пријетњама, неуморно су радили, проводили чак и најситније трагове, а повремено су у процесу достављали опасност да дођу до чињеница. На основу истоимене књиге коју су написали новинари Боб Воодвард и Царл Бернстеин, „Сви председнички људи“ оштроумно је запажање шта истинско новинарство треба да буде. Режирао га је Алан Ј Пакула, номинован је за осам награда академије, на крају је освојио три и успут изгубио најбољу слику од „Роцки“.
69. Војска сенки (1969)
Мислим да би изврсна тачка поређења коју би требало да направе новопридошли у раду Жан-Пјера Мелвила била Станлеи Кубрицк. Обоје вежбају изузетно техничку прецизност и одишу апсолутним самопоуздањем у сваки колут посла који су обавили током дугих и креативно уносних каријера. То је речено, јефтина, али изазовна жалба коју било ко може поднети америчком режисеру је његова „бездушност“. Слободно место људског израза. Такав случај није са Мелвиллеом. У филму „Војска сенки“ Мелвилови ликови изгарају горком искром подстакнутом очајем од које свака њихова радња извире човечанством. У смртоносном свету покрета Ратног отпора, један лажни потез може резултирати потпуним уништењем и Мелвилле са поменутом грациозношћу и виртуозном контролом над својим биоскопом шива семе потпуно веродостојног, убедљиво мртвог света. „Војска сенки“ је једно од најтиших, интригантних и монументално најутицајнијих дела које ће изаћи из француске кинематографије - а ако пропустите такав криминално превиђени класик, значило би да себи учините тешку медвеђу услугу.
68. Тхе Схининг (1980)
Својом адаптацијом класика Степхена Кинга, Станлеи Кубрицк је 1980. створио филм који је наставио редефинисање хорор жанра. Овде се не плаше само прича или ликови. Животна средина и начин снимања сјајно помажу у омогућавању утрнулости ума да продре у умове публике. Филм прати Јацка Торренцеа, новоименованог домара хотела Тхе Оверлоок, и његову породицу док проводе период потпуне изолације у мистериозној згради. Кроз запањујуће перформансе и одличан рад камере, Кубрицк осигурава да садржај филма тоне дубоко у нашу подсвест. Начин на који манипулише звуком и атмосфером је апсолутно невероватан и ствара за два и по сата незаборавне, као и хладне кичме. Свет ‘Тхе Схининг’ је прелепо мрачан, чврсто вас стежући за оковратник током читавог трећег чина који одузима дах.
67. Кинеска четврт (1974)
Ту су филм ноир и нео-ноир, а тачно између њих двоје седи Јаке Гиттес, уредно обучен у оштру федору како би похвалио ту цереку на његовом лицу. Иако је велики поштовалац Поланкија, увек постоји нешто што се не подудара са крајњим производом његових филмова. Осим Кинеске четврти. Ово основно ремек-дело није само створило идентитет за себе, већ га увек гледају филмаши који позајмљују његов стил како би створили идентитет за свој филм. Полански је мађионичар на послу, заварајући нас препознатљивим траговима, као и класичним ноир пејсингом и подешавањем. Али онда долази последњи чин Кинеске четврти, који тако брзо руши сваку конвенцију која је првобитно била везана за сличне мистериозне филмове, а ви остајете са преплављујућим осећајем шока и очаја. Још увек ме збуњује неуспех да победи Кум ИИ, али након пола века људи су заборавили Сицилију, али никада Кинеску четврт.
66. Сатан Танго (1994)
Исповест број један: Готово никада нисам видео опсежно, чудесно ремек-дело Беле Тар. Претпоставио би да је његов омиљени цинефилски статус свих времена и изванредна репутација коју је стекла међу америчким уметничким круговима и међу неким од најинформисанијих филмских критичара широм света заинтересовао би ме. Али сама неизмерност његовог трајања (око 432 минута) и темпо налик лорису у којем сам толико уживао у Тарровим „Веркмајстерским хармонијама“ чинили су ми се застрашујућим. Исповест број два: Први пут сам видео „Сатантанго“ у једном потезу. Хипнотизирао ме је његов прагматични осећај за стварни свет и стрпљив, разборит осећај за биоскоп. Више је уочило него што је одражавало и размишљало, него што је давало лепо обликоване изјаве. Његов митски, суморни реализам био је предобар да би био истинит и сувише бруталан да би се реализовао с таквим очима за лепоту.
Све што сам желео да урадим до краја било је да затворим све прозоре и загрнем се мраком, јер ми је филм био попут оног луђака у цркви и његово кукање имало је превише смисла. Признање број три: Радујем се што могу да известим да су ми проницљиве друштвене и политичке рефлексије „Сатантанго-а“ почеле да постају јасне док сам им се више пута враћао. Лето проведено у прождирању романа Ласла Красзнахоркаија, који делује као изворни материјал за филм, било је посебно незаборавно. Све што могу сада је да се надам да ћу и даље убирати дивиденде ове срећне несреће.
65. Егзорцист (1973)
„Егзорцист“ Вилијама Фриедкина савршено је режиран. Човек је злогласан због непостојаног пута у каријери у којем класика пада са заблудом (и често две групе прелазе због неких фасцинантних истраживања кинематске бестидности). Са својим најбољим филмом, Фриедкин је одлучио да сними драму која се управо догодила о демонском поседовању: шивање патетике за његове сложене ликове и висцерално превођење текста оригиналног аутора Виллиама Петер Блаттија заробљеног између веровања и сакаћења сумње. Крајњи резултат два дивна уметника који раде на врху своје игре како би испоручили светлуцав класик америчке кинематографије: Један који засењује готово сваки филм у његовом жанру (изузев можда несавесно ужасавајуће „Буђење у страху“ или безобзирно турнеја Тобеа Хоопера -сила Тексашки масакр моторном тестером ). Просто запањујући.
64. Суспирија (1977)
„Јер у нашим сновима улазимо у свет који је у потпуности наш властити“ - Ј.К.Ровлинг. А шта ако је један од најскривенијих умова у биоскопу одлучио да своју подсвест попрска на комад филма. Сматра се да Суспириа Дарија Аргенто пркоси филмској логици својом чудно структурираном причом. Али верујем да је то неоекспресионистичко ремек-дело које бележи истинску суштину биоскопа, а то је да се осећамо истински, заиста живима. Аргенто разуме вредност свемира и стога показује већи фокус на кинематографију и сценографију, који су доминантни становници његовог филма. ‘Суспириа’ не представља само Аргентов стил, већ и читав италијански хорор, жанр захваћен естетиком уметности.
63. Побегли човек (1956)
Беспрекорно прецизан и надахнуто економичан, тако ретки булсеие Роберта Брессона задивљен је филмом „Човек побегао“ из 1956. године. Врхунац човекових живих моћи као филмског ствараоца, прати покушаје француског агента отпора Фонтаинеа да побегне из све опаснијег нацистичког затвора и проналази смисао у сваком појединачном кадру. Од запањујуће људског приказивања главне улоге не-глумца Францоис Леттерриер-а, чији су упали образи и избачене очи тако убедљиво изражавале поразну тежину живота у рату, до Брессоновог минимализма који је успео да гаји интимну интиму између публике и реченог очајника : Од честих ПОВ-ова и елегантних композиција које нису претјеривале у техникама, Брессонов рад у околини се понекад утапао. Не бих скресао нити један кадар - и стога покрет служи као апсолутно виталан начин образовања за надобудне филмске ствараоце: насликајте нешто тако живо и густо, а да се то никада не осети претерано.
62. Убити птицу ругалицу (1962)
У временима попут ових не постоји бољи филм од филма „Убити птицу ругалицу“ који објашњава неонацистима право значење касте, вероисповести и расе. Смештен у временске оквире расно подељене Америке, Афроамериканац је оптужен за кршење скромности беле жене. На врхунцу расне неправде, када суд пун белих људи нагања његову крв, своди се на човека који се бори против свог случаја. Један белац, по имену Аттицус Финцх. Храбро се борио да изнесе чињеницу да су сви људи једнаки на суду, били они обојени или не. Његови напори остају узалудни, јер суд човека проглашава кривим. Али оно што код гледалаца остаје уназад је лекција коју Аттицус Финцх усађује својој деци. Односно, „никад стварно не разумеш човека док не сагледаш ствари са његове тачке гледишта“. Заснован на истоименом бестселеру Харпер Лее, „То Килл А Моцкингбирд“ један је од највећих филмова свих времена.
61. Задњи прозор (1957)
Оно што разликује трилер-филм ремек-дела од канализације која се редовно нагомилава на нас, јесте то што у овом последњем преокрети долазе муњевито, ослањајући се више на наш шок него на истинитост увијања да направе удар. Али у филмовима попут „Задњи прозор“, ситнице евидентне из времена професионалног фотографа у инвалидским колицима Л.Б. 'Јефф' Јеффриес гледа из свог задњег прозора, накупљају се кап по кап док не поплаве, што безазленог Јеффа сумња да је човек који живи преко дворишта починио убиство. Хичкок мајсторски користи своју камеру попут алата илузиониста како би гледаоце држао напетима, заваранима и нагађањима док се не открије вилица. Кроз Јеффово опсесивно вребање свог предмета интересовања, Хитцхцоцк коментарише заблуде воајеризма, колико то може бити примамљиво и суморност усамљеног урбаног начина живота који води ка њему. Још невероватније, то је коментар о гледаочевом воајеризму као и Јеффов; као што смо очарани Јеффовим заробљавањем. Гледање кад се не гледа је опака радост; Хичкок то зна, диви му се и увлачи нас у то.
60. 4 месеца 3 недеље и 2 дана (2007)
Неки филмови вас покрећу; неки вас насмеју; неки ти сломе срце. „4 месеца, 3 недеље и 2 дана“ припадају посебној категорији филмова: онима који вас узнемирују и нервирају. Као што сте претпоставили, такви филмови су вероватно најређа ретка врста. Филм прати двојицу пријатеља који покушавају да организују абортус у бруталном комунистичком режиму Чаушескуа у Румунији. Висцералан и бескомпромисан, филм вас хвата за отпатке врата и никада вас не пушта. Гледање овог филма је као да искусите осећај уништавања црева који имате када нервозно чекате да неко од ваших најмилијих изађе из операционе сале након операције. То није само реалистична кинематографија у свом најбољем издању; то је такође један од филмова који вам мењају живот икада ћете видети.
59. Прошла година у Мариенбаду (1961)
Филм Алана Реснаиса из 1961. „Прошле године у Мариенбаду“ је најближе визуализацији сна и то на што чуднији начин. Музика која заузима позадину већине времена извођења делује као седатив који доводи публику у сомнолентно стање. Упркос томе, прилично је немогуће скренути поглед са екрана, јер се толико тога догађа на целој слици, мада је приказано само мало. Волим да мислим на „Прошлу годину у Мариенбаду“ као филм замишљен из подсвести, због своје репетитивне и збуњујуће природе. И ликови су збуњени у бизарном свету у који су стављени. То је зрео и софистициран комад, и сматрам да је срж радње - која укључује мушкарца и његову везу са чудном женом које се он добро сећа да се састао годину раније, мада се не сећа истог о њему - врло импресивна, оригинална, страствен, романтичан, сличан сновима и наравно сјајан.
58. Дивље јагоде (1957)
Јесте ли икада били на путовању где немате ништа боље од погледа кроз прозор? Извесно време гледате у поглед споља, пре него што вам навале мисли и оно што је напољу сада је само шаблон - више вам не задржава пажњу. Тако се догађа са Исаком Боргом, главним јунаком Бергмановог класичног комада расположења који је пронашао своје место на безброј свих најбољих листа филмова, укључујући ону коју је саставио Станлеи Кубрицк 1963. Путује са снајом да добије диплому доктора Јубилариса из његове алма матер. Не свиђа јој се и планира да остави сина. Али нашег професора, кога глуми бриљантни Вицтор Сјостром, будућност не занима много. Његове мисли и као последица тога, филм, катапултиран од многих људи на које наилази током путовања, бацају светло само на његову прошлост. Гледано кроз Бергманову опроштајну, сигурну лећу, његова сећања су једноставна, позната и људска. Не величају његов живот или не одбацују његова достигнућа. Они су неуредни, попут већине наших и намерно искривљени. Када коначно стигне на место где му се додељује почаст, схватамо да му награда никада није била потребна. Већ га је добио у оним јагодама које је сакупљао са драгом из детињства, трговцем који га се сећао, проблематичним односима са женом, добрим и лошим, откупљивим и неопростивим. Као и ми, у облику овог мистериозног, необјашњиво дирљивог филма.
57. Правила игре (1939)
Генијална, зафркавајућа комедија манира Жана Реноира успева да се одржи изненађујуће добро након свих ових година, а да остане разиграна и прогањајућа као и увек. У издању су га се клонили и критичари и публика, што је резултирало тиме да је Реноир након катастрофалне премијере изрезао значајан део филма - дела који је углавном приказивао лик Октаве, коју је глумио сам Реноир. Од тада тешко изненађује њен раст. Филм је у свом лукавом, ауторитативном жонглирању ликовима, темама, тоновима и поставкама увек делирично забаван, али никада ништа мање вредан или мање раскошно обликован од најбољег светског филма у том периоду. Његова скрупулозно искована визуелна слика пулсира софистицирано, али напор се никада не види и филм вас оставља разјапљеним у чуду колико сте дубоко уплетени у његову вешто изграђену атмосферу. Кинематограф Јеан Бацхелет и Реноир играју се камером на начин који филму даје прозрачност, али њихова неумољива контрола чини га непрестано интригантним потхватом. Ако све ово није довољно, требало би да знате да је Алаин Реснаис једном рекао да је филм једно од највећих искустава које је икада доживео у биоскопу. Било би тешко пронаћи блиставију препоруку.
56. Трећи човек (1949)
Филм-ноир је жанр повезан са филмовима који обилују мрачним уличицама, тајним, заводљивим ликовима, осећајем мистерије и кремастом црно-белом. Иако су многе од ових слика интригантне и добро се забављају, мало њих покушава нешто иновативно и другачије. Трећи човек је један од највећих филм-ноара који је икад снимљен, јер изузетно добро прича своју запањујућу причу, користећи импресивне холандске нагибе, упечатљиву светлост и прелепу музику. Филм има везе са човеком и његовом самосталном истрагом убиства његовог финансијски доброг пријатеља. Заплет Трећи човек обложен је романтиком, мрачним хумором, преокретима и неизвесношћу. У основи филма може се назвати слатком љубавном причом, али са свим осталим убаченим у ту заљубљеност остаје сумња. Репродукујући мајсторски написан сценарио, магнум опус Царол Реед држи вас на ивици седишта, све од скромног, лаког срца и првог дела до краја који би могао бити најпаметније финале било које слике коју икада ћу видети.
55. Плач и шапат (1972)
Трагична породична драма Ингмара Бергмана одвија се у тузи која је беспрекорно очајна и грозничаво хитна. Није стрпљиво грађена сцена по сцену и испоручена на пладњу до краја. Натерали сте га да удахнете од самог отварања филма који главне играче и њихову очврслу, запаљиву тугу упознаје с предивним крупним плановима који јасно показују њихову загушујућу нелагоду. Све ово прекривено је немилосрдном мноштвом црвене боје, у облику гримизне боје којом су осликани зидови куће у којој се прича одвија. Бергман нас чини свјесним смрада смрти који окружује жене тако импозантним правцем да стварна смрт није разлог за узбуну. Насилно чежња жена учинила је да све у филму у мојим мислима буде опсједнуто, крвљу натопљено сећање. Константно фасцинантни визуални прикази Свена Никвиста ублажени су Бергмановим суптилним писањем и мајсторски проживљеним представама глумаца. Чини се да блистава Лив Уллман мистифицира и очарава сваки пут кад је камера на њу, док су неверице Ингрид Тхулин и Харриет Андерссон толико неокаљане у свом послу да се чини инвазивним доћи у контакт са њиховим осећањима. Бергман нам не даје јасне идеје које бисмо могли понијети кући, али нам ускраћује све друге сензације осим оних које доживљавају његови ликови. Питамо се докле иде његов приступ нашим осећањима и он га проширује на сваком кораку. На крају, не треба веровати ’Врисковима и шапутањима’, већ за живот.
54. Било једном на западу (1968)
Можда је то Моррицонеов страшни резултат или можда визија Делли Цолли која је огромна попут Запада или можда непоколебљиви песак који врви у очима Бронсона и Фонде и можда је врхунац свих ових аспеката у скоро сваком кадру маестро, Сергио Леоне . Ако вам треба вестерн који има и лепоту Џона Форда и немилосрдну дивљину Сама Пецкинпаха, онда једноставно нема никога близу Леонеа. У свом магнум опусу постиже оно за шта су му претходно била потребна 3 филма, да створи мистични свет усред ничега. Иако на површини можда нема ништа духовно, филм има богове. Богови спортске круне напуњене са 10 литара барута и песком који прогутају водом. Такође, улога Хенрија Фонде за антагониста вероватно је била одлука те деценије, пошто његове ледене плаве очи нису биле сличне свему што је Запад икада био сведок.
53. Анние Халл (1977)
Нико не може да тврди да разуме збуњујућу, свеобухватну енигму која је љубав попут Вудија Алена. И ниједан филм о Воодију Аллену није ни близу да га прикаже у својој правој, необичној слави од ове приче о Алвију Сингеру, неуротичном, нихилистичком комичару у Њујорку који се заљубио у 'више од љубави' с прљавом, лепршавом, раздраганом Анние Халл и затим испада из ње. Филм такође истражује родне разлике у сексуалности кроз везу између Алви'с и Анние ‘Иин анд Ианг’. На крају, чак и Алви прихвата љубав као „ирационалну, луду и апсурдну“, али неопходну у животу. Коришћење више иновативних наративних техника, као што су импровизовано рушење четвртог зида, брзо смењивање прошлости и садашњости кроз глатке резове, приказујући у титловима како се осећају Алви или Анние док заправо говоре нешто потпуно другачије, и додавање прича у причи 'као врхунац, подижу већ ангажовану причу. „Анние Халл“ је вероватно прва истински модернистичка романса о целулоиду и уместо ње инспирисала је генерацију романтичних комедија. Ниједна није тако шармантна као она коју желе да опонашају.
52. М (1931)
Почетак технологије снимања гласа, феномен за који је мастхеад био „Певач џеза“ из 1927. године, довео је до апсурдног засићења дијалога у филмовима. Технологија се подразумевала као директна надоградња, уместо као алат који ће се користити заједно са успостављеним филмским језиком. Фритз Ланг, човек који је започео каријеру у немој кинематографији низом мајсторских дела, укључујући Дестини, др. Мабусеа, коцкара, Дие Нибелуген и изузетну Метрополис. Његова миграција на звук достигла је врхунац у филму „М“ 1931. године - филму који је, супротно свим околним изворима, уклонио готово сву амбијенталну буку. Резултат је тихи талки са надмоћно беживотном атмосфером: онај који тако ефикасно подупире свој наратив. Дотична прича погађа дете убицу и неспособност немачке владе да га ухвати - формирајући сопствени суд кенгура да казни убицу. Оно што Ланг овде саопштава је невероватне зрелости у поруци: Правда која заслужује да буде задовољена потпуно је поткопана политичким контекстом тог времена - забележеном политиком еутаназије Национал-социјалистичке партије и све насилнијим идеалима који се манифестују као опаки тумор на оптужбама људи. . Представа Петера Лорреа, богата патетиком и измученим хуманизмом, помаже да се у кући створи дубока обмана „М“ - која се неизмерно креће и до данас.
51. 12 Ангри Мен (1957)
Одговор да ли је дечак био крив или не, никада нећемо сазнати. Али једна ствар коју 12 Ангри Мен потврђује је да ће логика увек превладати над интуицијом, ако постоји један здрав човек усред света будала. А да ли је лудост болест или само нуспродукт незнања? Драма Сиднеиа Лумета не тражи од вас да користите мозак преко срца, већ настојте да постигнете тачку у којој можете донети одлуку, обојица радећи заједно. Заједно са сценаријем за закивање, који поносно стоји у наставном плану и програму сваке филмске школе широм света, снимање камера и постављање сцена управо су изван јапанског класика Новог таласа. Поносећи се незаборавним наступом ансамбла, 12 Ангри Мен је споменик америчке кинематографије.
50. Градска светла (1931)
Нема пуно раних филмских стваралаца који имају признање и популарност у данашњој култури у којој Цхаплин ужива. То би могло бити из многих разлога. Његови филмови разговарају са сваким и урнебесно су урнебесни, али и више од тога, његове приче на меланхоличне ситуације гледају у шаљивом светлу. Такав је случај са вероватно његовом најособнијом сликом, „Градска светла“, која говори о скитници и његовим напорима да импресионира, као и да помогне сиромашној слепој девојци цвећари. То чини под фасадом, претварајући се да је богат човек да би привукао њену пажњу, али притом упада у невоље. Када филм и даље буде једнако смешан и дирљив у данашње време као и пре више од 75 година, то обично значи да нешто ради како треба. „Градска светла“ оставила су трага у свету својим приказом сиромаштва и живота током тешких година депресије, који је тако добро изведен и осећао се као да никада не помера публику, све време пружајући им наду у боље сутра.
49. Цоме & Сее (1985)
Потоња половина невероватно вештег филмског тима, редитељ Елем Килмов био је ожењен Ларисом Шепитко - сјајним виртуозом иза „Крила“ и „Успона“. Када је тако тужно умрла у саобраћајној несрећи, Килмов је завршио рад на свом изузетном недовршеном пројекту „Збогом“ (који је једноставно могао заузети ово место) - и мислим да оно што чини све ово толико моћно јесте начин на који човекова туга крвари сваки кадар његовог дела. Килмовов биоскоп кипи од неисказаног беса и очаја: Хулкинг у својој огромној тежини емоција - и неколико филмова икада снимљених пулсира са тако снажним осећајем као Дођи да видиш . Могуће је да је најбољи ратни филм који је икад снимљен, његов паклени приказ инвазије Вермахта на Белорусију одјекује заглушујућим експлозијама, кошмарним визуалним призорима и светом који се полако исцрпљује животом - његове сцене снимљене у прелепој, шупљој светлости. Ипак, у свој овој муци Килмов проналази пут ка разумевању у њеном трансцендентално зрелом закључку. Можда у својој посвећености промишљању о пролазности живота коначно проналази снагу да закопа кости своје покојне жене. Може се само надати.
48. Седми печат (1957)
Већ од првих слика Бергмановог иконичког документа о вери, страху и задовољству баца се чаролија на вас. Суров, зрнаст поглед на море, обалу и на њему храбри витез и његов судбоносни сусрет са персонификацијом смрти дефинише јасност циља филма, чак и ако оставља простор за заводљиву, готово застрашујућу двосмисленост да буде стално присутна. Користећи магнетну представу неупоредивог Макса вон Сидова и групе глумаца који Бергманов запањујући материјал, заснован на његовој представи „Сликарство дрвета“, подижу на неочекиване нивое, „Седми печат“ у својих оскудних 90 минута има утицај стара бајка која се преносила генерацијама и која покреће машту далеко ширу него што се она сама нада да је садржи. Пенушава, оштра црно-бела Гуннар Фисцхер осигурава да нам се интензитет дрљања увуче под кожу. Течност попут струје резултат је нарације која се одвија са узвишеним самопоуздањем и опипљивом равнодушношћу. Можда је то сасвим једноставна прича, која упркос томе чува драгоцене идеје у својим њедрима, али је ушивена тканином тако замршеном и смелом, да је не можете не прегледати изнова и изнова да би се превела у трајно сећање.
47. Ла Долце Вита (1960)
Феллинијев опрезно, стрпљиво и поетично омекшани виртуоз је у потпуности приказан у његовом добитнику Златне палме који у свом душевном и сенковитом гламуру бележи начин живота који делује превише неухватљиво и на неки начин далеко превише стварно. Његов темпо подвлачи осећај бесциљности главног јунака и приморава нас да се окупамо у симфонијском уређењу живости живота и како је све то пролазно. Овог главног јунака тумачи најбољи у каријери Марцелло Мастроианни, који користи тај дар времена да му очи испуни неодољивом светском уморношћу. Довођење у питање значаја одређених одељака „Ла Долце Вита“ који могу изгледати лишени филозофског значаја или наративног значаја је одбацивање могућности да се препустите пикантним детаљима да вас преплаве и да онда сагледају последице. Док нас небески резултат Нино Рота уводи у вртоглави свет Рима, гледано кроз Феллинијево илузорно око, видите само оно што он жели да ви видите и то брзо постаје оно што и ви желите да видите.
46. Психо (1960)
Људска бића се у најбољем случају могу описати као необична. Људски ум који је способан за многе запањујуће ствари, такође је способан да се изроди до несхватљивог. ‘Психоу’ Алфреда Хитцхцоцка нису потребни уводи јер држи главу високо, усред безвремених биоскопа. Осим што је класик, то је и тужан коментар на пропали морал људи. И није вам битно Норману Батесу! Јелово држање госпође Батес које је Норманов живот претворило у пропаст током његовог детињства и на крају одраслог доба подсећа на то како љубав може да гуши. Познато је да је господин Хичкок усвојио необичне смернице за „Психо“, које су подразумевале да се не дозволи касни улаз у филм. Усвојен је како би се осигурала пуна правда према пулсирајућем врхунцу сцене филма. Трилер до најистинитијег облика, „Психо“ је прича о сину, његовој мајци и њиховој нездравој вези посесивности. Хитцхцоцк-а су тако жестоко чували око финала, да је промовисао филм на следећи ред - „Не дајте крај - то је једини који имамо!“
45. Соларис (1972)
‘Соларис’ Тарковског прилично је налик феноменима приказаним у филму. Од загонетке својим дубоко укорењеним концептом до еволуције у ентитет са којим се не могу растати, то је искуство које ме тера да се запитам о заборавној природи сваког молекула који чини универзум. Можда смо свесни научних димензија, али може ли било који инструмент израчунати количину љубави или туге коју човек има у нанограму срца? Може ли било шта пронаћи мождану ћелију у којој борави незаборавно сећање? Од Бахове чаробне музике у уводном низу до вишегодишње аутопутеве, Тарковски користи време да одвоји гледаоца од функционисања нормалног света. Соларис је царство у којем вас емоције окрећу до лудила, али ко не би волео када је лудило лепо додирнути и довољно висцерално да вас ослободи сопственог ја.
44. Сцхиндлерова листа (1993)
Важан филм који у великој мери користи Спилбергов њух за драматику, подједнако је узнемирујуће и осетљиво искуство за себе. Филм је, као и многи други на овој листи, мастер клас у нечему што волим да називам поједностављеним, импресивним причањем прича. Нарација прати Оскара Сцхиндлера, немачког бизнисмена који је спасио животе више од хиљаду Јевреја запошљавајући их у својим фабрикама током холокауста. Сва тројица, Лиам Неесон као Оскар Сцхиндлер, Ралпх Фиеннес као Амон Готх и Бен Кингслеи као Итзхак Стерн у сјајној су форми, окрећући се у најискренијим наступима. Сцена, посебно пред крај филма, где се Сцхиндлер распада с обзиром на то колико је још живота могао спасити, дубоко се миче и остаје ми урезана у уму као једна од најмоћнијих сцена која даје срце у биоскопу. То што је филм снимљен у црно-белој техници, са ретком, повременом употребом боја да симболизује или истакне важан елемент, појачава искуство. Лако, најбољи Спилбергов филм, и даље остаје неопходно искуство гледања филма.
43. Лоренс од Арабије (1962)
Биоскоп као медиј постаје све грандиознији. Имајући на располагању најсавременију технологију, данашњи ствараоци нуде нам нека висцерална кинематографска искуства. Али постоје неки филмови снимљени пре него што је ЦГИ био у моди, чија чиста и монументална размера нису пронашли вршњака. Епска историјска драма Давида Леана заснована на животу Т. Е. Лавренце , једна од најпознатијих британских фигура, један је од таквих филмова. У њему глуми Патера О’Тула у улози Лоренса и бележи његове авантуре на Арапском полуострву током Првог светског рата. Од самог почетка, Давид Леан слика сјајну покретну слику бескрајне пустиње у пуном сјају, уз помоћ кинематографа Фреддиеја Иоунга и задивљујуће партитуре Маурицеа Јарреа. Али то ни на који начин не жртвује емоције због екстраваганције. У свом срцу, „Лоренс од Арабије“ је запањујућа студија карактера о Лоренсу - његове емоционалне борбе са личним насиљем својственим рату, сопственим идентитетом и подељеном оданости између његове родне Британије и њене војске и његових новонасталих другова унутар арапска пустињска племена. Овај квалитетан квалитет чини „Лавренце Оф Арабиа“ једним од најутицајнијих филмова који су икада постојали.
42. Тхе Сеарцхерс (1956)
Вероватно највећи вестерн икада снимљен, најбољи филм велике каријере Џона Форда, „Тхе Сеарцхерс“ је амерички класик, међу најфинијим филмовима насталим у педесетим годинама. Иако су јој се у то време дивили и поштовали, његова лацентска, запањујућа снага није била препозната неколико година, али почетком седамдесетих година била је поздрављана као класика жанра и можда најфинији вестерн икада направљен. Свакако је време нагризало моћ неких филмова, али не и то високо, бесно извођење Ваине-а, нити расизам у филму који подгрева бес и бес. Покретачки наратив филма, Етхан и његова потрага су безвременски, данас једнако снажни као и тада, можда и више јер су толико суптилне поенте сада јасне.
41. Патхер Панцхали (1955)
Филм који је у свет донео индијску кинематографију и дао кинематографији једног од најбољих аутора, Сатиајит Раи-а. Заснован на роману Бибхутибхусан Бандопадхаи, 'Патхер Панцхали' прича причу о сиромашној породици, која покушава да напредује кроз многе животне недаће. Може се тврдити да оно романтизира сиромаштво, јер гледалац сведочи многим искушењима са којима се породица суочава, зарађујући за живот. Упркос томе, гледаоци остају тренуци прошарани музиком маестра Равија Шанкара. Љубавни однос између Аппу и њене сестре Дурге, секвенца воза која је један од врхунаца филма, филм одводи на сасвим други ниво. ‘Патхер Панцхали’ је током година постао један од култних филмова и редовно се појављује на листама највећих филмова свих времена, и то заслужено.
40. Казабланка (1942)
Врхунски амерички класични филм. Постоји можда нешто толико заразно у његовом шарму да се још увек заљубите у њега, чак и свих ових година. Поред огромног фактора поновне гледљивости, његов незабораван резултат (Како време пролази!) И дијалог који се изузетно цитирају чине јак случај. Једноставно речено, посластица је када су сви елементи сјајног кинематографског искуства присутни у тачно довољним количинама!
Прича је у најмању руку једноставна, понекад се граничи са баналним. Циничан, сломљеног срца који води најпознатији ноћни клуб у Казабланки нађе се на раскршћу када се дама коју је волео појави са својим мужем. Уређаји заплета овде су чувена пролазна писма, али прича је потпуно о двојици љубавника постављеним у позадини раних фаза Другог светског рата и тешкој одлуци са којом се суочио Богартов лик, о држању или пуштању. Међутим, као и код многих филмова овог жанра, извршење чини трик, трансформишући „Казабланку“ у једну од најупечатљивијих романтичних драма свих времена која је такође невероватно добро одглумљена; Хумпхреи Богарт и Ингрид Бергман су врхунски, а подржавају их играчи попут Паул Хенреида, Цлауде Раинс-а и Цонрада Веидт-а.
39. Барри Линдон (1975)
Када на биоскоп гледате као на уметничку форму, не може се порећи савршенство Барри Линдон-а, од прелепе кинематографије, очаравајућих поставки, изванредне музике до моћне режије. Као прича, говори о животу младића у Европи 18. века док се пењао степеницама ка аристократији, да би га његова лоша судбина вратила назад. Слика у себи садржи неке од највећих сцена које су икад снимљене, користећи светлост, боје, физичке карактеристике итд. Које не остављају чељуст. Не постоји бољи начин да се резимира живот особе него да се објективно сагледа, а то је оно овај филм је употребио непоузданог приповедача. Хладно је и удаљено, а публици ретко даје прилику да осети протагонисту. Из ове перспективе, Барри Линдон је раскошна студија карактера, са богатим ликовима, реалистичним додиром и поетским начином преношења емоција. То је једноставно биоскоп у свом најбољем издању.
38. Генерал
Један од најстаријих наслова на листи, „Генерал“ служи као подсетник да многа модерна акциона ремек-дела седе у врло дугој сенци, а баца их нико други доли тихи геније комедије Бустер Кеатон. Понашајући се импресивним опусом попут чак и Чарлија Чаплина, симпатични скитница потоњег уметника тргује местима с кавалкадом дивно глупих ликова у Кеатоновом случају; сви окружени накостријешеном филмском радозналошћу која је протезала границе медија у покретима попут Шерлока млађег и Сниматеља. Све ово, а да се чак ни не помиње његов магнум опус, Тхе Генерал: Тхе Генерал: Фоллов ин Цонфедерате енгинеер, који жури да упозори своју страну на напредовање трупа Уније током америчког грађанског рата. Његов наратив чини образац за недавни филм „Мад Мак: Фури Роад“ Џорџа Милера и готово сваки филм о мачки и мишу који је икад снимљен, трајан својом урнебесном комедијом, импресивним специјалним ефектима и бравурозним вратоломијама због којих Кеатон више доводи живот у опасност него једном за одобравање његове љубавне публике. Генерал остаје један од, ако не и најфинији акциони филм који је икада снимљен - онај који се забавља сваким трунком свог бића и успева да призове што више врхунски обрађених тренутака епских размера да би се надметао са било којом данашњом препуном ЦГ-а.
37. Блов Уп (1966)
Време ? Размаханих шездесетих. Место? Лондон. Град који заслепљује и блеји. Живахна и гламурозна. Секс, дрога и роцк н ролл. Све у свему, дан у животу Тома, модног фотографа који живи живот, па рецимо сумњивог морала. У дану пуном догађаја, док је пролазио кроз фотографије пара који је прилично тајно ухватио у парку, у њему проналази мртво тело. Одлази на исто место и проналази тело као мушкарца из пара. Уплашен, враћа се у свој студио како би га пронашао разореног, али са једном фотографијом мртвог тела. Следећег дана тело нестаје. Ко га је убио? И зашто је тело нестало? Зашто је Томас осећао да га прате? „Блов Уп“ је разредни чин режисера Мицхелангела Антониони-а који је током година инспирисао многе филмске ствараоце, укључујући Бриан Де Палма и Францис Форд Цоппола.
36. Вечно сунце беспрекорног ума (2003)
Вртоглава, надреална епифанија љубави и сломљеног срца никада није истражена на начин и до степена успеха са којим то постиже „Вечно сунце беспрекорног ума“. Бујна са прелепим сликама и инвентивном нотом сличном звучном запису из тихе ере, немогуће је објаснити све о „Вечном сунцу беспрекорног ума“. Без сумње, филм је слојевит с тешко пратећим наративом - иако је заправо једноставан кад једном почнете да га пратите - један је од оних филмова који обилато награђује једноставно зато што не можете да се зауставите да не паднете у несвест над изузетно промишљеним концептом и дубоко потресним филм да је. Али права звезда емисије је њен писац, Цхарлие Кауфман , који је у облику „Вечног сунца беспрекорног ума“, можда врло добро написао најсјајнији бриљантни сценарио икада у историји филма. Филм који је не само јединствен на свој начин већ и бескрајно гледљив са нечим новим што се може наћи у сваком гледању.
35. Таксиста (1976)
У „Таксисту“ Мартин Сцорсесе даје нам једног од најнемећенијих, мало вероватних, а ипак хировитих протагониста нашег времена у Травису Бицклеу. Филм га прати док постаје таксиста да би се изборио са несаницом и гледа га како га полако савладава све лудило у граду око њега. Прави начин на који возач таксија побеђује као филм је како успева да вам се прикраде, полако се пробијајући кроз љигавост и ужас који се чини да погађа Трависа Бицклеа. У томе с правом зарађује своју разлику као психолошки трилер више од драме, често радећи на више нивоа него само на та два. Филм за неке можда представља узнемирујући сат због своје мрачне тематике, још мрачнијег третмана и прегршт насиља, али за гледаоце који су вољни да га погледају, није ништа друго до сјајан покушај да разумеју део филма. људска психа која најчешће извире у виду будности. Мислим, ко не размишља о томе да се уздигне до нетачности нашег времена и врати му то? То је та дубоко укорењена фантазија о испуњавању жеља коју „Таксиста“ игра на врло ефикасан начин. Филм се сада сматра једним од најважнијих филмова икад снимљених и представио је свету силу која је била Сцорсесе.
34. Путови славе (1957)
Пре него што је Станлеи Кубрицк кренуо у истраживање необјашњивих аспеката друштва који не само да су превазилазили време, већ и очекивања гледалаца од себе, направио је овај ратни комад који закуцава поред њега и „Дођи и види“. За разлику од потоњег, Патхс оф Глори издваја своје срцепарајуће издање ВВ-а из исте плиткости човечанства, која је доминирала Кубрицковим последњим делима. У Кубриковом свету демони нису прекривени крвљу и блатом, већ медаљама и поносом, а пакао залази у најсветије место, двор. У време када је индустрија прихватила атрактивне 3 траке, Кубриков монохроматски је рат обојао једном нијансом. Тела, крпе, бараке, дим, пепео, све камуфлирано заједничким призором узнемирујуће агоније.
33. Три боје: црвена (1994)
Најтужнији део уметникове смрти је кад помислите да је њихов последњи рад њихов највећи икада. То је био случај са пољским ауторем Крзисзтофом Киесловским и његовим последњим филмом „Црвено“. Киесловски је већ најавио повлачење из филмског стваралаштва након премијере филма у Кану 1994. године, али то је његова трагична смрт скоро две године након што је најавио пензију, што га чини још дубљим тугом. ‘Црвено’ је последњи део његове високо цењене трилогије ‘Три боје’ и говори о младој жени која наиђе на старца након што је аутомобилом случајно ударила његовог пса. Старац је пензионисани судија, одвојен од живота и било каквих емоција и време проводи шпијунирајући друге људе. Између њих двоје се развија невероватна веза са суптилним романтичним призвуцима. „Црвено“ говори о шансама и случајностима које нас свакодневно погађају и нашем непризнавању лепоте и значаја тога. Постоји необјашњив осећај меланхолије који се читав филм провлачи о трагедији људске судбине и времена и о томе како смо сви као људи на свету повезани на неки или други начин. „Црвено“ је запањујући подвиг у филмском стваралаштву и једноставно је један од највећих филмова икада снимљених.
32. Благо Сиерре Мадре (1948)
Као што и само име говори, лов на благо често повезујемо са пулсирајућом авантуром и адреналином повезаним с њом. Али врло је мало прича које говоре о емоцијама које људи пролазе док крећу на пут да би дошли до тог злата. Често се каже да недаћа открива ваш прави карактер. ‘Тхе Треасуре Оф Сиерра Мадре’ прича причу у којој жудња за златом доноси неукусне промене у ликовима, што на крају резултира њиховом индивидуалном пустоши. Иако је фокус на похлепи која квари савест, гледаоцу остаје проучавање људског карактера у неповољним ситуацијама. Трагична прича о похлепи и издаји, овај филм је освојио награду академије за најбољу режију, најбоље адаптирани сценарио и најбољег споредног глумца. Током година ово је постало култна класика за љубитеље филмова широм света.
31. Пулп фикција (1994)
Целулозна фикција, термин који се означава у часописима или књигама, истичући најважније насиље, секс и криминал. Ови елементи су учинили да се часописи продају као вруће палачинке. Тарантино је узео ове елементе, спојио их око три приче и створио наратив који је био ништа мањи од филмског генија. Један од најјединственијих филмова о поп култури који је снимљен, гледалац се упознаје са светом мафијашког убице Винцента Веге, његовог партнера у злочину и мотоциклу Јулес Виннфиелда, гангстерске супруге Мие Валлаце, боксера Бутцха Цоолидгеа и одушевљава се његов модеран третман злочина и насиља. Један од најважнијих аспеката филма који је допринео његовом успеху био је наступ Самуела Л Јацксона. Као убојица Јулес Виннфиелд који библијске стихове цитира као ударне црте, био је феноменалан. Један од највећих филмова ове ере, „Пулп Фицтион“ постао је уџбеник за амбициозне филмске ствараоце широм света.
30. Битка код Алжира (1966)
Мало је филмова који су носили терет политике на начин да обогаћују њихов филмски ефекат, али препуштају углађеном запаљивом италијанском маестру Гиллу Понтецорву да узме још увек тињајућу тачку бљеска касних 50-их година француског колонијалног угњетавања алжирског народа и претвори га у нешто крајње убедљив. Још увек предвиђајуће паралеле које данас пружа Нантецорво, запањујуће неутрално посматрање терора и тероризма, које су починиле обе стране, чине доживљавање „битке за Алжир“ фасцинантним интелектуалним изазовом нашем разумевању црно-белог рата, а ла лакташеће хладноће Миклоша. Јанцхеова неизбрисива филмографија. Штавише, његове технике уређивања вести су прекретница у филмској комуникацији и по мом мишљењу су много снажније користиле махните технике резања Ноувелле Вагуе-а од многих њених истраживачких мастхедова. Једном виђен, никад заборављен - „Битка за Алжир“ једноставно је основни део светске кинематографије.
29. Гоодфеллас (1990)
Сан редитеља је да створи филмски епохални период у којем је настао. Али за Мартина Сцорсесеа то је навика. Сваке деценије био је А-Листер, снимио је филм за који се сматра да је један од највећих у том периоду. Направио је ‘Таксист’ 1970-их, ‘Рагинг Булл’ 1980-их, ‘Гоодфеллас’ 1990-их, ‘Тхе Департед’ 2000-их и ‘Тхе Волф Оф Валл Стреет’ 2010-их. А управо је гангстерска драма из 1990. године заснована на истинитој причи мафијашког сарадника Хенрија Хилл-а постала једно од мерила у жанру. Филм, који је у првом лицу испричао Хилл, бележи његов успон и пад као део њујоршке мафије од 1955. до 1980. За разлику од све гангстерске екстраваганције у „Куму“ или „Ожиљку“, „Гоодфеллас“ се бави аутентичне ситнице свакодневног гангстерског живота, усредсређујући се на онолико усредсређености на Хиллов однос са супругом Карен колико и на његове подвиге са друговима из банде. Али Сцорсесе користи све стрелице у свом дрхтају трикова да ову аферу учини примамљивом овај легендарни снимак за дуго праћење , неки незаборавни дијалог и експлозиван чин Јоеа Песција у улози Томмија ДеВита, Хилл-овог бурног сарадника. Што се тиче жанра злочина, „Гоодфеллас“ је онолико добар колико и стигне.
28. Бесни бик (1980)
Мартин Сцорсесе је познат по томе што у својим филмовима приказује приче о сломљеним, мањкавим, често аутодеструктивним протагонистима. И често је претраживао анале историје како би пронашао своје пале јунаке у истинитим причама. ‘Бесни бик’ животна је прича легендарног боксера Јакеа ЛаМотте, чији су аутодеструктивни и опсесивни бес, сексуална љубомора и анималистички апетит, због којих је постао шампион у рингу, уништили његов однос са супругом и породицом. Филм је у потпуности снимљен у црно-белој техници, да би верно приказао доба у које је постављен и мрачно, депресивно расположење које је дефинисао. Сцорсесе је очекивао да ће ово бити његов коначни пројекат. Стога је био мукотрпан у стварању филмова. Једнако посвећен био је и Роберт Де Ниро, који глуми у насловној улози. Добио је 60 килограма и заправо је тренирао као боксер. Кратко спојене манире ЛаМотте упија ватреним савршенством док се потпуно потапа у карактер. Добио је заслужено за своје невоље. Ово је највећи тријумф Сцорсесе-Де Нира. Интензиван, моћан магнум опус.
27. Кум: ИИ део (1974)
У историји других рата било је познато да мало филмова испуњава славу првог, а да их у неким аспектима надмашује. Ако се направи листа која укључује такве филмове, „Кум: Део ИИ“ биће њен крунски драгуљ. Испуњавање наслеђа првог био је мамутски задатак сам по себи, али овај наставак саге „Кум“ није само успео у томе, већ је проширио и своје наслеђе и постао део највеће америчке приче о организованом криминалу икад испричане. Филм представља два паралелна наратива; један се бавио Мајклом Корлеонеом као новим шефом породичног предузећа из Корлеонеа, други представљајући изврсног Роберта Де Нира као младог Вита Цорлеонеа и његов успон на власт. Две приче су вешто исплетене, пружајући примамљив наратив који гледаоцу не олабава стисак ни једном. Ал Пацино овде ради нека од својих најбољих дела, његов новооткривени поглед буквално прежвакава сценографију сваки пут када се појави на екрану. Један од оних готово савршених филмова који се могу гледати без обзира на време, место и ваше последње гледање, а ви и даље завршите у потпуном подношењу и страхопоштовању према њему. Ако је И део свети олтар, ИИ део је хлеб и вино.
26. Механичка наранџа (1971)
Прво што ми вероватно падне на памет када се од нас затражи да једном речју опишу овај филм је „узнемирујуће“. Једини филм на листи који се усуђујем поново посјетити, ухватила сам се како се неколико пута трзнем док сам гледала овај филм. „Наранџа са сатом“ је бескомпромисни друштвени коментар који пружа оштре слике од којих се човек можда никада неће опоравити. Мрачно је, извитоперено и не пружа искупљење онима који га траже у филму са вероватно најокрутнијом верзијом дистопије у друштвеном смислу. И у томе се, верујем, крије успех филма у вођењу узнемирујуће поруке кући. Неконвенционалан на било који начин који можете замислити, пружа нам протагонисте који су до сржи злобни и препуштају се делима „ултраљубичастости“ и силовања; коментарише друштвено политичко стање ствари на најоштрији начин на који можете да замислите, доводи вас у збуњеност док је Алек ДеЛарге (кога глуми харизматични Малцолм МцДовелл) подвргнут нељудским начинима поправки и на крају оставља публику у далеко од свих ствари због којих вас ово узнемирујуће искуство одједном осећа. Заиста, дело Кубрикијанских пропорција.
25. Вртоглавица (1958)
Прича о „Вртоглавици“ иде овако - бивши детектив Сцотти (Јамес Стеварт) пати од акрофобије због инцидента који се догодио у вршењу дужности. Приступио му је стари пријатељ да припази на своју жену Мадлен за коју верује да је поседована. У почетку скептична, Сцоттие убрзо постаје аутодеструктивно опсједнута лијепом дамом, која изгледа много више него што допушта. Сјај Алфреда Хитцхцоцка лежи у чињеници да изгледа да његови највећи филмови, који су одушевљени гледањем први пут, отварају нови слој разумевања гледаоцу при сваком узастопном завиривању. Свакако, на летимичан поглед, „Вртоглавица; је добро осмишљена мистерија психолошког убиства. Али док га изнова и изнова гледате, његове теме мушке агресије и изградње женске слике у човековом уму почињу да се одвијају попут бесконачне кутије и обузимају вас. Вероватно најфинији филм који је икада снимљен, о полако горућем сјају Вертига сведочи чињеница да се филм, након отварања за мешовите критике, сматра једним од највећих филмова икада снимљених. Ремек дело мајстора трилера.
24. Хирошима, љубави моја (1959)
Рођен из ума француског визионара леве обале Алаина Реснаиса, „Хирошима мон амоур“ је филм који плаче трансценденталном снагом. Његова прича о времену испреплетена са сећањем и ожиљцима обоје који су се догодили у Хирошими током Другог светског рата, испричана кроз двоје људи - Један Француз, Један Јапанац - док покушавају да сложе преовлађујућу поруку разарања која су тамо проузрокована. Осим што се од такве глупости ништа не може добити, интелектуално или емоционално. То је дело уроњено у међународну тугу која сеже даље од самог сукоба и односи се на истине и репресије које прогоне људе сваког дана. Кроз одјеке атомске експлозије проналазимо мали део онога што са нама толико није у реду. Чињеница да Реснаис једноставно разуме ову недодирљиву забуну, уместо да покушава да је поправи, чини оно што „Хирошиму мон амоур“ чини једним од великих ремек-дела кинематографије.
23. Рандом Балтазар (1966)
Пусто ремек-дело Роберта Брессона вежба је осећаја. Удаљава се од дефинисања јасног главног јунака или централне теме, осим ако не рачунате чудесну силу природе која је Балтазар, а ако филм узмете у обзир, нећете. Али ако му дозволите да вам буде тачка приступа емотивном и тематском пејзажу филма, тешко је вратити се из њега ненаграђен. Балтазаров необичан, мршав и хладан визуелни стил изгледа ретроспективно готово гламурозно; његова мирна крхкост умотана у резигнирани, посебно мудар осећај контроле. Чак и његова опипљива искреност крије проучени напор да се мало суздржи, да у својој једноставности постављања и карактера негује богатство које је публици препуштено и, у неким случајевима који одузимају дах, замислите. Будући да глумци тако мало говоре о својој невољи, доживљавамо насумична, неразумна дела окрутности и осећамо загушујућу тугу за њих. У облику у којем чак и најуспешнији уметници имају за циљ само да појачају чула гледалаца прилагођавајући се испробаним, Брессонове слике су ми пружиле лирски образац на којем темељим величину свог саосећања, чак да проценим колико је то саосећање свесно .
Све ме ово враћа на моју првобитну мисао. Додељивање значаја сваком тренутку у „Балтазару“ не зависи од тога да ли претпостављамо да је његов садржај алегорија социјалне или чак политичке природе, већ начин на који нас чине осетити уживајући у њиховој сложености и тишини, уместо у ослањање на безумно излагање којем прибегава већина филмова. Стога је сасвим логично да главни јунак буде истоимени магарац.
22. Андреј Рубљов (1966)
Верујем да је „Андреј Рубљов“ највећи пример руског ауторског концепта вајања у времену Андреја Тарковског. Много његових потоњих радова било је апстрактно, јер се бавио невероватно личним темама и визуализацијом, која је била разбацана кроз временске периоде. Тарковски је „Андрејем Рубљовим“ ухватио само време, а затим га помиловао најдубљим нијансама душе уметника. Тарковски је вероватно једини филмски стваралац који је могао да постигне највеће достигнуће у приказивању уметникове репресије. Истражује репресивне режиме у Русији који су исто толико аутохтони за земљу колико и њезина дубока литература која је изненађујуће довела у питање најупечатљивија питања која се тичу духовног и метафизичког. Многе касније особине Тарковског, укључујући снимање тока природе, могу се уочити на путовању Андреја Рубљова. То је филм који вас снима, разбија и тера на размишљање - како током филма, тако и дуго након што су се кредити закотрљали.
21. Авантура (1960)
Како се осећате због неразјашњене мистерије? Или недовршена прича? Да ли тражите затварање очајнички тражећи га? Или прихватате чињенице, а затим идете даље? Није ли то живот? Компромис и даље? Филм који је Мицхелангелу Антонионију донео признање широм света, ‘Л’Аввентура’, прича је о младој жени која је нестала, током јахташког путовања обалом Сицилије. Потрага за њом, окупља њеног бившег љубавника и најбољег пријатеља и започиње узнемирујућа веза. Иако се прича тка око потраге за несталом женом, њена истинска сврха је да конструише наратив, а да се не усредсреди на главни догађај и још увек буде у могућности да освоји публику. Прави мотиви централних ликова никада се не објашњавају у потпуности и како се филм завршава, гледалац је присиљен да прихвати да неки догађаји остају необјашњиви, баш као што то чини живот. Неупитно ремек-дело!
20. Без даха (1960)
Давно пре него што се Куентин Тарантино пробио на америчку инди сцену својим дивљим маверицким приступом филмском стваралаштву који је појачао фокус стила на суштину, био је човек по имену Јеан Луц-Годард који је неустрашиво прихватио традиционалне кинематографске граматике и непромишљено их сломио. доле, редефинишући и обликујући филмове онако како их данас гледамо, филмом под називом „Без даха“. Можда ниједан други филм није успео да ухвати пролазно лудило младости на начин на који то чини „Без даха“ својом лакомисленом енергијом и опојном вибрацијом. Откачена употреба прескакања усхићује инхерентну лудост премисе док вас Годард жестоко удаљава лактима од својих ликова, тражећи од вас да се усредсредите на фрагментиране аспекте приче уместо на причу у целини. „Без даха“ је један од најважнијих филмских дебија у историји биоскопа и иако наставља да поларизује цинефиле и критичаре, не може се порећи утицај који он има на модерну кинематографију.
19. Седам самураја (1958)
Акира Куросава је један од најоригиналнијих, најутицајнијих и најреферентнијих редитеља који је икада живео. Рогер Еберт једном је рекао за Куросаву „Може се тврдити да је овај највећи редитељ запослио акционе јунаке у наредних педесет година“ и да није могао бити истинитији. Сергеј Леонеов „Шака долара“, за који се наводи да је изнедрио жанр шпагети вестерна, инспирисан је Куросавиним „Јојмбом“. И наш тренутни унос је техничка и креативна прекретница и инспирисао је безброј директних препричавања, као и многи визуелни елементи у савременом биоскопу . Епска драма бележи причу о седморици ронин (самураји без господара) који узимају оружје у одбрану сиромашне цивилизације којој више није место за нападаче разбојника у Јапану из 16. века, што кулминира у жестокој климатској борби. Али бриљантност филма „Седам самураја“ лежи у чињеници да прича мноштво добро осмишљених прича у жанровском распону, заједно са главном драмом. У читавом филму присутни су елементи акције, авантуре, романтике и пунолетства. Такође се састоји од ликова богато развијених попут ретког бифтека, који ће касније постати основни елементи више жанрова. Заиста инспиративно уметничко дело.
18. Дрво живота (2010)
„Дрво живота“ је највиши облик биоскопа: он једноставно не прича причу, већ има за циљ да промени ваш живот. То је филм којем ће требати времена да порасте на вама, а кад се догоди, биће вам тешко да не размишљате стално о њему. Филмска песма изванредног обима и амбиције, „Дрво живота“ не тражи само од своје публике да посматра, већ и да одражава и осећа. У најједноставнијем, то је прича о путу проналаска себе. У свом најсложенијем облику, то је медитација о људском животу и нашем месту у великој шеми ствари. Није важно у коју веру верујете или верујете ли уопште у виши ентитет. Прави осећај чуђења у филму настаје из чаролије која је сам живот. Најлепши аспект филма је тај што с временом постаје све бољи, као фино вино.
17. Изблиза (1990)
Покојни велики ирански аутор Аббас Киаростами често је виђао лепоту и поезију у најапсурднијим приземним епизодама људских живота. Обмањујуће једноставним заплетима и натуралистичким поставкама, Киаростами је истраживао универзалне теме које су неприметно надилазиле културне баријере услед врсте човечности у коју је био његов биоскоп урођен. „Изблиза“ је вероватно његово остварено дело и једно од најоригиналнијих, инвентивних дела филмске уметности икада произведене. Филм је у облику документарне фантастике како би забележио суђење у стварном животу човека који се представљао као ирански филмски режисер Мохсен Макхмалбаф. Глумачка екипа укључује људе који су заправо били умешани у суђење, играјући себе у филму. „Изблиза“ је запањујуће истраживање људског идентитета виђено очима обичног човека који се бори да се избори са собом и својим животом и из очајне туге и искрене љубави према биоскопској уметности ступа у ципеле свог идола да знајте какав је осећај бити истински жив, дивити се и поштовати. Ово је филмско стваралаштво највишег реда.
16. Јеанне Диелман, 23, Куаи Ду Цоммерце, 1080 Брисел (1975)
Ова француска авангардна играна улога са Делпхине Сеириг у главној улози није пуко кинематографско искуство. Ближе је вежби - тесту и утиче на вас на начин на који је мало који други филм радио пре или после. Независни чланак фокусира се на три дана у животу усамљене, проблематичне домаћице, док пролази кроз свој строги распоред испуњен свакодневним кућним пословима. Она је мајка и удовица која увече обавља сексуалне послове за господу како би зарадила за живот. Проблеми настају када је другог дана њена рутина благо поремећена, што доводи до својеврсног домино ефекта који се одражава у сатима након ње. Јеанне Диелман увлачи једног у свој полагани и медитативни свет са препознатљивим Акермановим редитељским потписом, који укључује диегетичку атмосферу и хипнотичку ауру коју доноси смирена, суптилна и стрпљива личност мајсторског дела, што је болна прослава монотоности постојања.
15. Рашомон (1950)
Један од најнеконвенционалнијих и најексперименталнијих дела филмског стваралаштва за своје време, ‘Расхомон’ посматра мајстора на делу, излазећи са својим вештинама приповедања. Поједностављено речено, реч је о инциденту који се догодио са четири дивље различита гледишта, оптуженог, жртава и оних који тврде да су очевици. Истиче се на свим техничким основама готово беспрекорном монтажом и мајсторском режијом, али филм осигурава победу на тематским питањима којима се бави; питања о постојању апсолутне истине. Да ли је истина заиста толико објективна и неправедна каква се представља или је са њом повезана нека субјективност? Обично је објективан, или се бар сматра да је такав, наизглед нема других његових верзија. Овај филм га доводи у питање на начин да сам гледалац буде огорчен питањима, такође често коментаришући како људи понекад нису потпуно искрени ни према себи. Тематски је сложен колико год постаје, а наизглед једноставан колико желите.
14. Сталкер (1979)
Задржавајући своје мање потомке, међу којима је и изузетно успешна телевизијска серија „Западни свет“, колосални утицај „Сталкера“ на визуелно приповедање не може се преценити. Идеје - филозофске, духовне и научне - као и њихово спретно, славно кинематографско истраживање у „Сталкеру“ пронашле су своје утиске на многим научним фантастикама које ће уследити након њих. Нису толико клизање, индуковање транса и на тачке, апстрактни пејсинг или узнемирујућа употреба монохроматске сепије изван „Зоне“ и утиснуте боје локација у Естонији, што се огледа у раду сниматеља попут Терренце Малицк и Лав Диаз, да поменемо само неке, али постојано стрпљење и понизност. Увелико предајући филозофску владавину публици, Тарковски оставља толико простора гледаоцима да сами открију вишеструке метафизичке аспекте филма, да чак и његова дословна и визуелна поезија без премца изгледају као плод наше измишљотине као и његове и његови сарадници “. Па ипак, филм остаје подаље, водећи нас у несагледиве мистерије ума и срца, а ми их никада не разоткријемо, јер прави пут никада није прави.
13. Фанни и Алекандер (1982)
Скоро 35 година након првог пуштања, Бергманова последња редитељска функција једнако је фасцинантна за сецирање, као и за критичаре широм света у то време који су се чинили са муком да обезбеде да се чују њихова мишљења о њој. Ова мишљења су била много разноврснија него данас, али чини се да је место филма у Бергмановој филмографији и даље тешко дефинисати. Тоном, структуром и величином је за разлику од свега што је Бергман до тада урадио. Али то је такође несумњиво удруживање свих његових тематских и визуелних инстинкта укрштених у овом живахном таписерину породице почетком 1900-их у Шведској. Чини се да његова живописна раскош усмерава сву пажњу на прво гледање својим дубоко упечатљивим варијацијама црвених, зелених и благих, топлих жутих које чине тако опојну палету боја да њено одсуство - када је све прекривено белим, црним и оштрим плавим бојама - делује казнено. Бергманове помно израђене хронике зраче заносом породичног пикника и поседују блискост људских веза које су деценијама држане истинском, крхком наклоношћу. У овом великодушно изведеном животу рођење и смрт су случајни. У малом свету ове ликове, као и већина нас, настањују, ободне радости су све чему се може надати и оне су им довољне, као што би требале бити и за нас. Да ли је све то илузија? Гледајући како овај џиновски ансамбл чини таква чудеса, неко би могао помислити. Ако јесте, верујте ми, не желите да се то разбије.
12. Апокалипса сада (1979)
Постоје ратни филмови који приказују замршеност ратовања (попут 'Непријатељ пред вратима'), неки други који преварљују и гнушају његов појам (попут 'Пијаниста'), а ту је и дрска 'Апокалипса сада', која не нуди мишљење или закључак, али уместо тога даје голи графички приказ страхота рата, док велича војнике који у њему учествују. Расправа траје до данас да ли је „Апокалипса сада“ проратна или антиратна. Воли или мрзи; сигурна ствар је да ћете се тога сетити. Једна од најпроблематичнијих продукција у историји Холивуда, последњи рез сценариста-редитеља Франциса Форд Цопполе завршио је својим најтехнички најтелеграфскијим делом. Гола премиса је једноставна - капетан Виллард мора да „заврши са крајњим предрасудама“ пуковник Куртз који је ушао на непријатељску територију и отишао АВОЛ. Али то је исцрпљујуће путовање Вилларда преко вијетнамских мучних ратишта (које је уздигла кинематографија која одузима дах од Витторио Стораро-а) оно што остаје урезано у умове далеко након што се кредити заврте. Садрже једну незаборавну сцену за другом и коначне наступе Мартина Схеена у улози Вилларда, Марлона Бранда у улози Куртза и Роберта Дувалла у улози „ентузијаста напалма“ потпуковник Килгоре, „Апоцалипсе Нов“ како је Цоппола с правом изјавио „није о Вијетнаму. То је Вијетнам ”.
11. 400 удараца (1959)
„400 удараца“ Францоиса Труффаута истинско је уметничко дело које потиче од стварног бола. Заиста искрен и дубоко личан рад, Труффаут је филм посветио свом духовном оцу и међународно признатом теоретичару филма Андреу Базину. Изразито аутобиографске природе, Труффаутово детињство је било узнемирено, и то се врло јасно одражава у филму. Напољу, филм говори о малолетничкој и адолесцентној делинквенцији која је често вођена друштвеном и родитељском запуштеношћу. Погледајте мало дубље и наћи ћете филм о нади; нада која је и интензивна и терапијска. Антоине Доинел, главни јунак, на неки је начин оштро представљање самог друштва, друштва које своје властите неуспехе крије иза правила, казни и пресуда. Филм тече попут реке и води публику на путовање наде, очаја, емпатије и чак пуког беса. Ако сте икада пожелели да видите како изгледа ремек-дело, не тражите даље од „400 удараца“.
10. Мулхолланд Дриве (2001)
Давид Линцх није режисер. Човек је сањар. А „Мулхолланд Дриве“ је највећи сан који је сањао. Сан који обухваћа сваку емоцију која обухвата људско постојање. Тешко је објаснити или описати филм попут „Мулхолланд Дриве“, јер је ово филм о искуству и ономе што из њега преузмете, а не о заплету вођеном конвенционалним наративом који вас храни одговорима с којима бисте са задовољством могли да се вратите кући. Линцх је често изјавио да се његова визија филма у основи темељи на бројним идејама и осећањима. И ово постаје врата ка разумевању филма тако сложеног и слојевитог као што је „Мулхолланд Дриве“. То је лавиринт снова, амбиција, жеља и ноћних мора. Линцх зна шта нас највише ужасава и шта нас доводи до пуког лудила. И управо овај узнемирујуће интимни одраз људске подсвести чини „Мулхолланд Дриве“ тако дубоко мучним уметничким делом. Онај који вас обузме осећајем топлине и нежности пре него што се усечете право кроз лобању.
9. Крадљивци бицикала (1948)
„Једноставност је крајња софистицираност“ - Леонардо Да Винци. Један од најтежих задатака у филмском стварању је схватити када завршити филм. Завршетак у Бицицле Тхиевес тако је тонски синхронизован са почетком, јер почињемо од Антонија, свакодневног човека који излази из гомиле до Антонија, свакодневног човека, који се расипа у гомили. Живот у послератном Риму претворио се свакодневно у борбу и једва је било некога ко је успео из те мочваре беде. Постоји врло мало филмова који пружају дубоку интроспекцију попут Крадљиваца бицикала. То је филм који ће вам сломити срце на комаде, а опет вас надахнути да живите пуним плућима. Ретко када је филм тако једноставан по својој премиси тако сјајно ефикасан у својој поруци. Готово је немогуће заборавити филм након што сте га погледали. Иако је највеће достигнуће филма у томе колико је независних филмских стваралаца инспирисао, који до данас као инспирацију наводе „Крадљивце бицикала“.
8. Токио прича (1953)
„Токио прича“ је оно чему сваки филмски аутор који жели да исприча смислену причу тежи. Очигледно је да сви они пропадају! Не постоји бољи пример филма који приказује епску причу на тако једноставан, али мајсторски, ефикасан и незабораван начин. Са „Токио причом“ Иасујиро Озу постигао је нешто што је сан сваког живог филмаша: заувек боравити у публици у срцу и уму. Свако ко је видео „Токио причу“ знаће о чему причам. Филм говори о остарјелом, традиционалном јапанском пару који посјећује своју дјецу у Токију само да би дошао до сурове спознаје да су њихова дјеца превише заузета својим животом да би се бринула о њима и да су се од њих културно и емоционално јако удаљила . Оно што је такође сјајно у вези са филмом је његова универзална тема с којом се било ко и било где може повезати. Озуов стил филмског стваралаштва такође осигурава да се уживите у причу која нуди дубок увид у променљиву људску психу са променљивим временима. Једноставно сјајно!
7. У расположењу за љубав (2000)
‘У расположењу за љубав’ једноставно је највећа љубавна прича икада снимљена на филму. Раздобље. То је тако лако могла бити представа или чак поезија. Прекрасним задивљујућим сликама и изврсном музиком која продире у душу, „Ин Тхе Моод Фор Лове“ прича сложену причу о две једноставне особе. Двоје људи који пролазе кроз страх и мамац заљубљивања; и једном заљубљени, пука бол остављајући га непотпуним. „У расположењу за љубав“ приказује љубав у њеном најрањивијем облику. И тиме открива сопствене рањивости и колико смо беспомоћни пред љубављу. Ретко који филм тако потцењеног и толико резервисаног има такав утицај након гледања.
Нисам сигуран да ли је режисер Вонг-Кар-Ваи намеравао да сними филм који је снимио, с обзиром на то да је филм углавном снимао без сценарија. Ако погледате историју, најсликовитија уметничка дела су срећне несреће. Међу њих убројите „У расположењу за љубав“.
6. 8 1/2 (1963)
Број осам и по у филмографији италијанског маестра, ова врела, преслатка епопеја фантазија, ноћних мора и превише замагљене стварности налик је бисквитима - одлучно апсурдног облика и печена на начин који онемогућава да га се потпуно прождере један потез. Његов застрашујући, немирни рад камере допуњује Феллинијеву свесну визију филмаша који покушава да каналише многа променљива искуства која је имао током свог живота у свом новом филму. Полуаутобиографски, „8 1/2“ прохујава поред публике са свом својом заносном сложеношћу нетакнутом тако радикалним темпом да сам покушао да деконструишем његове оштроумно састављене слике у сврху проналаска свог места у Феллинијева висока специфичност, али никада није могао чврсто да слети на земљу.
Искоришћавајући осенчене гравитације Марцелла Мастроианнија, Феллинијева пуна струја може бити неодољива. Држите се своје перцепције одређеног тренутка и препознајете његово спарено богатство тек да бисте открили да је филмски стваралац прешао на другу лепршаву, упечатљиво сталожену секвенцу. Његове идеје о уметницима и њиховој збуњујућој, смешној опседнутости собом могу изгледати застарело - или још горе, ирелевантно - али смелост њихове конструкције и изражавања никада се на нама не губи. То нас очара и заведе, никад нам не дозвољавајући да скренемо поглед са њега, а затим нам промакне кроз прсте док нам сине да га никада нисмо имали у рукама. Феллини се не разликује много од видовите Маје у филму која изгледа зна како сви мисле: вештина коју њен асистент приписује телепатији. Када наш главни јунак, Гуидо, испитује асистента о томе како то ради, он отворено примећује: „То је делимично трик, а делом стварност. Не знам, али то се дешава. ' Ниједна реч не може бити прикладнија за опис филма.
5. Личност (1966)
Мислим да је сигурно рећи да је „Персона“ сама разбила биоскоп. Као хорор филм на површини, класик Ингмара Бергмана из 1966. године више је студија индивидуалног идентитета него било шта друго. Користећи иновативне технике монтаже, оштре углове камере, хладне изразе, имерзивне дијалоге и сјајну режију, овај филм на што савршенији двосмислен начин прича причу о познатој глумици која губи глас и медицинској сестри која брине о њој у осамљеном дому, где се њихове препознатљиве личности полако почињу мешати једна с другом. Будући да је редитељ нај „кинематографски“ подухват, „Персона“ се труди да изврне свако конвенционално правило филмског стварања како би покушала да донесе свеже и очаравајуће искуство. Уз неке од највећих глумачких икада постављених на целулоиду, атмосфера филма помаже нам да уважимо питања која имамо о њему паметним преусмеравањем фокуса на занат који се ставља у игру. Једноставно не постоји ништа попут „Персоне“, и то би итекако могло бити чињеница.
4. Кум (1972)
Могуће, најутицајнији филм који је икад снимљен. Једна од најређих адаптација која је заправо боља од изворног материјала - у том случају истоимени роман Мариа Пуза - филм је издржао током векова и класик је у правом смислу речи који са сваким даном постаје све бољи гледање. Филм бележи мафијашку породицу под водством Дон Вита Цорлеонеа и фокусира се на транзицију његовог сина док преузима породични посао након патријархове смрти. Без сумње, перформанси су једна од главних снага овог филма, а великани међу којима су Марлон Брандо као Вито Цорлеоне и Ал Пацино као Мицхаел Цорлеоне редефинишу глумачке стандарде својим изведбама. Све остало, посебно сценарио и кинематографија и партитура за подешавање расположења, очекује се од А-стопе и жанра. С правом, не постоји цинефил који није видео ово ремек-дело филма. То је олтар где идемо да се молимо.
3. Грађанин Кане (1941)
Свети грал америчке кинематографије. „Грађанин Кане“ дефинисао је готово сваки аспект који обухвата уметност биоскопа. Филм који је прекршио безбројне конвенције филмског стварања само да би створио нове. Од својих револуционарних техничких детаља, укључујући осветљење, звук и визуелне елементе, до свог изузетно иновативног стила приповедања, „Цитизен Кане“ је променио начин снимања филмова. Филм је дубоко дубока студија карактера која поприма облик мистериозне драме откривајући истине о животу загонетног издавачког тајкуна чија је последња реч изазвала интересовање новинара. Креће на путовање, истражујући људско биће које је једном започело свој живот са сировим амбицијама и жељама, али ће ускоро подлећи заводљивој моћи похлепе и ауторитета. „Грађанин Кејн“ је неизмерно моћно уметничко дело које се простире у истраживању дубоких тема и бележи бескрајно сложене емоционалне аспекте живог живота као човека.
2. Огледало (1975)
Да ли би уметност могла бити толико лична да је човек не би могао разликовати од свог ствараоца? Ово је питање које ме је погодило када сам први пут видео ’Огледало’ Андреја Тарковског. Ово је уметничко дело у коме се уметник у потпуности предаје свом раду који не успевате да направите разлику између њега и дела који он ради. Готово као да је Тарковски удахнуо читав филм. Аутери су направили своја ремек-дела, мењајући и обликујући биоскоп онако како га данас видимо, али Тарковски је направио корак даље од тога и постигао недостижно; дајући живот својој уметности. ‘Огледало’ само дише биоскоп. Могли сте да видите Тарковског, његову породицу, културу у којој је одрастао. У ствари, могли сте да успете да видите себе у њој, своју мајку и постоји осећај Деје Ву који вам пада на памет, гледајући ова места. Готово као да сте били тамо, можда у животу или у сну негде изгубљеном. А за уметника да изради нешто тако лично и интимно, нешто је заиста ван речи. То је филм који поткрепљује оно што смо одувек знали: биоскоп је највећа уметничка форма.
1. 2001: Свемирска одисеја (1967)
Као и сваки други запис на овој листи, и „2001“ је лекција у филмском стваралаштву. Неколико филмских стваралаца, међу којима су Цхристопхер Нолан и Денис Вилленеуве, говорили су о томе како им је филм био инспирација. Дакле, да, филм је техничко чудо. Али то није разлог зашто је филм на врху ове листе толико сјајних филмова. Сједи на врху, јер је то филм који се усудио отићи на мјесто гдје још ниједан филм није ишао. Доврага, нико није ни знао да постоји такво место на које би биоскоп могао да циља. И ако је икада биоскопска уметност захтевала разлог или доказ који поткрепљује да је сврха њеног постојања много више од пуке забаве, онда је то овде: крајње убедљив и крајње митски „2001: Свемирска одисеја“.
Станлеи Кубрицк проширио је хоризонт биоскопа са готово свим својим филмовима. Са филмом „2001: Одисеја у свемиру“ такође је дао ново значење ономе што биоскоп може да постигне. Већина филмских стваралаца користи биоскоп као медиј да исприча причу. Али Кубрицк је користио биоскоп да преиспитује. Шта је он испитивао? Све, од Бога до сврхе нашег постојања. Иако је „2001: Свемирска одисеја“ изузетно интелигентан научно-фантастични филм сам по себи, то је и много више. Верујем да је то филм који је више филозофска потрага за утврђивањем да ли Бог постоји. Разговарајте о високом циљању!
.